Cine Especial: Revisitando 'Frances Ha'

O cinema independente norte americano teve o seu ápice nos anos noventa, principalmente quando Quentin Tarantino pegou o mundo de surpresa através do seu genial "Cães de Aluguel" (1990). Infelizmente estamos falando de Hollywood, da qual a mesma se deixa ser dominada por grandes estúdios e não permitindo que pequenos filmes obtenham um grande espaço. Contudo, "Frances Ha" (2012) parece que foi a válvula de escape para a revitalização dos pequenos estúdios, dos quais a criatividade vem em primeiro lugar ao invés da pirotecnia vazia e que cada vez mais contamina as grandes produções.

O filme foi dirigido por Noah Baumbach, mas a ideia partiu da atriz e hoje diretora Greta Gerwwig, realizadora do recente "Adoráveis Mulheres" (2019) e que comanda o aguardado "Barbie" (2023). Na realização do roteiro ela se inspirou em sua própria vida pessoal, onde a mesma frequentava antigamente apartamentos alugados através de amigos que cursavam a faculdade enquanto a mesma buscava por alguma realização que pudesse crescer na vida. Muito disso é colocado no filme e fazendo com que nos identifiquemos facilmente com a protagonista, pois todos nós buscamos pelos nossos sonhos, mas mal sabíamos que não seria fácil.

Frances não é uma personagem que gosta de mudanças, mas elas acontecem e fazendo com que a mesma tenha que pôr em prática diversos planos e dos quais ela nem imaginava que um dia sairiam da gaveta. Ela tem uma melhor amiga chamada Sophie (Mickey Summer), da qual possui os seus próprios desejos, mesmo indo contra as expectativas da protagonista. Uma vez testemunhando-a sozinha nós embarcamos em uma jornada pessoal, onde ela não sabe ao ser onde parar e, portanto, a vemos quase sempre correndo contra o relógio, mas ao mesmo tempo parando para ouvir o seu próximo.

O filme em si remete aos bons tempos do cinema francês Nouvelle Vague, onde na maioria dos filmes nos era apresentado tramas que mostrava a realidade francesa, onde os protagonistas conversavam, bebiam, fumavam e refletiam sobre as suas encruzilhadas com destinos indefinidos. Portanto, se algum momento você comparar esse filme com clássicos como "Os Incompreendidos" (1959), não se surpreenda, pois, a intenção dos realizadores era exatamente essa. Com uma fotografia em preto e branco, o filme foi para época algo incomum em tempos em que o cinema norte americano cada vez se encontra mais preso em suas franquias intermináveis e sempre não parando para realizar algo mais humano e reflexivo.

Com uma bela atuação, Greta Gerwig quebrou com a sua personagem alguns tabus que o cinemão por lá insiste em pôr em prática com relação a personagens femininas, já que Frances não representa nenhum padrão que a maioria espera, mas sim uma garota que procura saber o seu lugar na vida, mesmo que, por vezes sozinhas. Portanto, seja homem ou mulher, é um filme que você se identifica muito mais facilmente do que um herói de ação moldurado por efeitos visuais, já que aqui é o mundo real falando mais alto e sendo ele muito mais complexo do que qualquer outro multiverso. Não é à toa, portanto, que Greta Gerwig viria a se tornar uma das poucas diretoras a concorrer ao Oscar de melhor direção através de "Lady Bird - A Hora de Voar" (2017) e sendo um feito e tato em tempos em que o machismo ainda insiste em manter o padrão no cinemão norte americano.

Eu gosto de pensar que "Frances Ha" foi um pequeno filme que fez muitos voltarem a enxergar o cinema independente norte americano como ponto de fuga para os realizadores terem mais liberdade na realização dos seus projetos e sendo algo que muitos não obtêm quando estão dentro dos grandes estúdios. Greta Gerwig, portanto, fez o seu dever de casa com louvor e não é à toa que a mesma está no comando do aguardado "Barbie", mas que ao que tudo indica não será nada o que muitos esperam e eu somente agradeço.

"Frances Ha" é uma pequena, porém, grande pérola do cinema independente norte americano do início do século vinte um e provando que uma trama que fala sobre a nossa própria vida é muito mais interessante do que qualquer outra franquia multibilionária. 

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Cine Especial: Clube de Cinema de Porto Alegre - 'O Desprezo'

Nota: O filme será exibido para os associados e não associados na Sala Redenção, Campus Central da UFRGS. Data: 15/10/2022, sábado, às 10:15 da manhã. 

“Os Deuses não criaram o homem, mas sim homem criou os Deuses” 

Essa frase dita no clássico “O Desprezo” (1963), de Jean Luc Godard, talvez, tenha relação ao próprio cinema, já que essa maravilha mecânica criada pelos irmãos Auguste e Louis Lumière foi responsável para a construção de inúmeras histórias, assim como também o surgimento de grandes astros que viriam a ser adorados por inúmeras pessoas. Inspirando no conto “A Odisseia”, a trama se passa em uma ilha onde está sendo filmado justamente o conto mitológico. A ilha Capri, por exemplo, pode ser interpretada como uma espécie de representação com relação ao próprio Olimpo onde abrigava os Deuses mitológicos. No caso do filme, os Deuses seriam, portanto, os próprios cineastas por detrás das câmeras e com o intuído de criar as mais diversas histórias para agradar nós meros mortais.

Transitando entre a ficção e quase um filme documental, Godard utiliza a sua câmera das mais diversas maneiras, seja ela para acompanhar os seus respectivos personagens, ou fazendo com que ela se torne o nosso olhar de acordo com o que a gente vier presenciar. Uma vez acontecendo isso, testemunhamos em algumas ocasiões uma câmera ou outra nos encarando, como se fosse o olho que tudo vê e que deseja que tenhamos uma reação perante a situação. Se a geração atual havia se impressionado com o cineasta ao utilizar o 3D de uma forma inusitada no recente “Adeus a Linguagem” (2014) imagine o que ele faria com esse mesmo recurso se ele tivesse utilizado naqueles tempos longínquos.

Além de um belo ensaio cinematográfico que o cineasta proporciona em cena, ele não se esquece do seu elenco principal, principalmente de Brigitte Bardot, no auge de sua forma e beleza. A conturbada relação de sua personagem Camille com o seu marido Paul (Michel Piccoli) vai de contramão com relação ao papel em que a sociedade conservadora queria impor contra a mulher naquela época. Uma vez se sentido desprezada pelo próprio marido, Camille transita entre a melancolia e o desejo de bater as suas asas para o lado de fora dessa ilha de falsos deuses.

Paul, por sua vez, pode ser interpretado como uma espécie de um mero mortal que acredita que adular os Deuses possa, então, adquirir algum benefício. Neste caso, o Deus em questão é o produtor Jeremy (Jack Palance), que seria uma espécie de Zeus pretensioso e interessado somente em moldar o seu Olimpo (ou filme) do seu modo. Uma vez que Paul oferece Camille para Jeremy (Jack Palace), mesmo que indiretamente, se tem início a desconstrução do casal, ou de algo que estava predestinado a vir acontecer.

Mas como o pano de fundo da trama tem relação com o clássico “Odisseia”, Paul seria uma representação de Ulisses que, ao voltar da Guerra de Troia, se vê diante da possibilidade de sua esposa não lhe amar mais e ser predestinada a outros homens. Godard encerra o clássico com um Ulisses no set de filmagens que está prestigiando o mundo a sua frente e não carregando nenhum lamento pelo que se tornou, mas sim no que ganhou. Porém, antes disso, testemunhamos o preço a se pagar por essa nova passagem e cabe cada um julgar de sua maneira as ações de Paul e das quais poderiam ter sido evitadas. 

Com uma participação mais do que ilustre de Fritz Lang, "O Desprezo" é um filme de inúmeros simbolismos e significados e que somente Jean Luc Godard poderia proporciona-los.

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Cine Dica: Em Cartaz - '5 Casas'

Sinopse: Cinco casas e as pessoas que as habitam. Uma velha professora de francês, um jovem homossexual, um homem que vive em uma fazenda isolada, um grupo de freiras que conduz uma escola e um menino cujos pais morreram 20 anos atrás. 

Determinados diretores gostam de retornar ao seu passado através dos seus próprios filmes e revelando assim uma faceta antes desconhecida para os demais espectadores. Em "Belfast" (2021), por exemplo, o diretor Kenneth Branagh mergulha em sua infância e revelando elementos que o levaram a se tornar o que ele é hoje em dia. Em "5 Casas" (2022) segue por uma proposta parecida, porém, em forma documental e pelas mãos do diretor Bruno Gularte Barreto que decide revelar o seu verdadeiro eu.

O documentário se passa em uma cidadezinha no interior do Rio Grande do Sul chamada Dom Pedrito, onde há cinco casas com cinco histórias que se interligam. Uma velha professora lutando para manter sua casa de pé, um jovem que sofre agressões por se recusar a esconder sua natureza, uma freira sendo transferida da escola que regeu com punho de ferro por décadas, um velho capataz em uma fazenda mal assombrada e um menino cujos pais morreram 20 anos atrás e que é hoje o diretor que volta para buscar as memórias de sua infância perdida e dar voz a essas pessoas.

O principal elemento da obra está com relação a presença de diversas fotos que o realizador havia deixado em uma antiga casa. A sua foto como menino, por exemplo, se torna a imagem mais significativa em cena que, embora sintetize tempos mais inocentes, não esconde uma leve tristeza em seu olhar e do qual seria correspondido com a morte dos pais. Ao rever essas fotos em um baú abandonado o realizador não somente decide resgatar um pouco do seu passado, como também ir atrás de pessoas que fizeram parte de sua infância como um todo.

Aliás, é a partir desses personagens que a cidade de Dom Pedrito se revela um local conservador, preconceituoso e que vive do agronegócio sem ao menos pensar nas consequências da saúde das pessoas devido aos produtos tóxicos. Um retrato não muito diferente do Brasil de hoje que se encontra cada vez mais afundando através retrocessos e que cabe serem freados antes que se perca tudo. E se por um lado um rapaz sofre nas mãos deste preconceito unicamente pela sua opção sexual, por outro, vemos uma professora que luta para manter a sua casa em meio aos avanços capitalistas e que não medem esforços em construir os seus grandes edifícios em volta.

A partir do seu documentário, Bruno Gularte Barreto decide dar voz a essas pessoas, dando lhe luz e um pouco de esperança em meio as ruínas de um passado que não pode ser esquecido. Não tem como não se emocionar, por exemplo, da freira que não gosta da ideia de ser transferida, mas que obedece às ordens da igreja a duras penas. E se por lado nos soa interessante a história do capataz em uma fazenda mal assombrada, por outro, ficamos nos perguntando como seria a história de cada um daqueles cidadãos que o realizador os destaca em diversas cenas e revelando uma divisão de classes por demais explicita fazendo com que fiquemos com o coração na mão devido a situação de determinadas pessoas.

Coração esse que se parte ao meio quando constatamos que o tempo destrói tudo, seja devido avanço vicioso do progresso, como também o fato que os nossos entes queridos vão partindo no seu devido tempo. Portanto, o realizador aproveita para preservar cada uma dessas fotos encontradas em seu baú, pois cada uma tem uma história a ser contada, a ser ensinada e da qual jamais pode ser esquecida. As casas podem ser destruídas, mas as nossas memorias se manterão sempre intactas.

"5 Casas" é uma declaração de amor para aqueles que se foram, para aqueles que ainda se encontram vivos e que desejam que as memorias pessoais jamais pereçam. 

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Cine Especial: Clube de Cinema de Porto Alegre - 'O Segredo de Madeleine Collins'

Nota: Filme exibido para os associados no dia 25/09/2022.

Sinopse: Judith leva uma vida dupla: dois amantes, duas famílias. Emaranhada entre segredos e mentiras, suas vidas começam a desmoronar.

São raros os casos de dois gêneros se cruzarem e renderem bons frutos para um determinado filme. Quando acontece, porém, tudo se torna surpreendente, principalmente quando achávamos que nesta mistura pudesse dar tudo errado. "O Segredo de Madeleine Collins" (2021) é um desses casos em que os gêneros se cruzam para moldar uma história surpreendente, mas que nos soa verossímil perante esse mundo cada vez mais complexo.

Dirigido por Antoine Barraud, o filme conta a história de Judith, interpretada pela atriz Virginie Efira e vista recentemente em "Benedetta" (2021), que se divide entre a Suíça e a França, vivendo uma vida dupla com dois amantes e filhos diferentes. Em um lugar, com Abdel ela cria uma menina, e em outro, com Melvil, tem dois meninos mais velhos. Todavia, essa frágil harmonia é quebrada, e toda teia de mentiras, segredos e idas e vindas começa a ser revelada.

Em sua abertura, Antoine Barraud busca inspiração através de Alfred Hitchcock, já que nela nos é apresentado a protagonista em um dia qualquer comprando umas roupas. Toda essa parte é apresentado em um plano-sequência, como se o realizador quisesse que a gente se prepare para algo de peculiar venha acontecer. Algo realmente acontece, mas as respostas surgem mais adiante.

Aos poucos vamos conhecendo o dia a dia de Judith, mas não demora muito para a gente notar que a sua vida é mais complexa do que a gente imagina. No primeiro ato, por exemplo, conhecemos os seus dois lados da mesma moeda, os seus trabalhos do qual ela se sustenta e que é através deles que ela consegue contornar e manter as suas mentiras. Aos poucos percebemos em seu olhar que ela possui um conflito interno, pois sabe que a qualquer momento tudo aquilo que ela havia construído pode desmoronar a qualquer momento.

Virginie Efira nos brinda com uma das melhores atuações do ano, cuja a sua expressão sintetiza toda ação e reação que sua personagem provoca para si e para as pessoas em sua volta. Não deixa de ser espantoso, por exemplo, a cena em que ela assiste ao concerto do seu marido, para logo percebemos que a sua expressão vai mudando e fazendo a mesma sair do local antes que acontecesse algo de pior para dizer o mínimo. Um momento simples, porém, poderoso, muito bem dirigido e que somente obteve esse feito graças ao desempenho da atriz que se entregou na cena como um todo.

Curiosamente, a trama em alguns momentos vem e volta no tempo, fazendo com que a gente tenha uma atenção redobrada para não ficarmos no meio do caminho. Quando a situação foge do controle para Judith as coisas começam a fazer maior sentido, mesmo quando desejamos no fundo que tudo se amenize, pois já sentimos que a protagonista não conseguirá manter tudo o que construiu por muito tempo. Na medida em que as revelações são jogadas ao nosso colo percebemos também uma Judith cada vez mais se desequilibrando e partindo por situações que fogem do seu raciocínio.

O filme, portanto, se torna um suspense psicológico de proporções arrasadoras, não somente para a protagonista, como também para as pessoas das quais ela ama, porém, que sofrem pelas suas ações e consequências. Neste último caso, por exemplo, ficamos com o coração partido ao vermos a inocência de uma criança diante da complexidade da vida adulta e tentando compreender algo que nem os adultos envolvidos conseguem explicar de forma coerente. De forma resumida, o filme é uma síntese atual do ser humano que se encontra sempre correndo contra o relógio, escolhendo caminhos errados e não conseguindo achar o caminho de volta para recomeçar do zero.

"O Segredo de Madeleine Collins" é um eficiente suspense dramático com contornos surpreendentes e que nos levam junto com a protagonista ao fim iminente. 

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Cine Dica: Em Cartaz - 'A Queda'

Sinopse: Para as melhores amigas Becky (Grace Caroline Currey) e Hunter (Virginia Gardner), a vida é sobre vencer medos e ultrapassar limites. Mas depois de escalarem 2000 pés até o top de uma torre de rádio remota e abandonada, elas encontram-se presas e sem saída. 

O subgênero “filme de sobrevivência” já rendeu alguns títulos curiosos dentro da história do cinema e que fizeram muitos ficarem aflitos na medida em que a trama ia avançando e fazendo a gente crer que o protagonista não poderia como sair vivo.  Mas se por um lado temos o exagerado "Limite Vertical" (2000), do outro, temos algo mais coerente como "127 Horas" (2010) que vale a pena ser lembrado. Pode-se dizer que "A Queda" (2022) transita entre os clichês, exageros, mas que é compensado por momentos de pura tensão e que fará muitos prenderem a respiração.

Dirigido por Scott Mann, o filme conta a história da alpinista emocionalmente abalada, Becky, que relutantemente decide enfrentar seus medos quando sua amiga, outra alpinista experiente, a convence a embarcar em uma aventura de escalada de alto risco, até o topo de uma torre de TV abandonada. No entanto, quando a escalada perigosa não sai como planejado, as mulheres devem reunir toda a coragem e força para elaborar um plano para um retorno seguro para casa - ou morrer tentando.

Quando eu assisti ao filme "King Kong" (2005) de Peter Jackson eu fiquei espantando com o ato final em que o gorila gigante enfrenta os aviões no alto da torre do Empire State Building e provocando em mim uma verdadeira sensação de vertigem. E olha que estamos falando de uma época que nem sequer havia ainda o 3D nos cinemas, mas as cenas muito bem filmadas e efeitos visuais caprichados fizeram com que o momento fosse praticamente verdadeiro. Essa foi a minha sensação ao assistir "A Queda", pois é preciso dar o braço a torcer pelas impressionantes sequências de eventos que ocorrem com as duas protagonistas no alto de uma grande torre de energia.

Antes disso acontece os clichês básicos, desde ao fato da protagonista sofrer devido a uma grande perda no passado, mas tendo que se reanimar para sobreviver em uma situação que exige a sua força de vontade em querer sobreviver até o último minuto. Neste último caso, infelizmente, o filme nos passa aquela costumeira sensação de Déjà vu, já que a trama possui elementos narrativos já usados até de forma melhor em outros títulos. Há, por exemplo, um grande segredo envolvendo a personagem Hunter e do qual me lembrou por demais o filme de horror "Abismo do Medo" (2005) e quem for cinéfilo de olho atento sabe do que eu estou falando.

Tanto Grace Caroline como Currey Virginia Gardner fazem o que podem para nos convencer no primeiro ato da trama, mas as suas atuações nestes primeiros momentos não agradam e fazendo tudo parecer um tanto que forçado demais em um primeiro momento. Porém, o trabalho delas dá uma melhorada quando ambas se encontram no cenário principal da trama e é aí que os seus desempenhos realmente se encaixam com a proposta principal da obra. Em termos de ação e pura tensão, as interpretes nos convencem e fazendo a gente torcer pelas suas personagens mesmo quando a gente percebe que será quase impossível que ambas saem vivas desta enrascada.

O filme realmente engrena quando elas se encontram no topo do mundo, onde os efeitos visuais convincentes nos passam uma verossimilhança extraordinária e nos provocando até mesmo vertigens em alguns momentos em que nos é apresentado. Claro que há também alguns elementos clichês vindos de outros filmes sobre sobrevivência, desde a falta de comida, água e um perigo que se encontra à espreita. Eles funcionam para provocar mais tensão no espectador que assiste, mesmo quando nos passa aquela sensação de que há uma forçada de barra em determinados momentos da história.

Neste último caso, há uma situação que nos pega desprevenidos na reta final da trama, pois embora ela nos soe forçada em alguns momentos, ao mesmo tempo, ela possui também pistas que nos revela o que realmente está acontecendo. Quando a revelação acontece ficamos à deriva e nos dando a entender que tudo parece perdido para as protagonistas. Mas é claro que estamos falando de Hollywood, a máquina de sonhos que deseja que saiamos da sala um tanto que aliviados e isso acontece graças ao surgimento de uma solução surgida nos quarenta e cinco minutos do segundo tempo, mas quando acontece já estamos mais do que esgotados dos nervos.

"A Queda" possui todos os clichês básicos dos filmes de sobrevivência, mas que funcionam quando nos empurram junto com as protagonistas em um cenário mortal e inesquecível. 

Nota: O filme estreia na próxima Quinta. 

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - 'Gran Torino'

Sinopse: Trabalhador aposentado e veterano da Guerra da Coreia, preenche sua vida com cerveja e reparos em casa, desprezando famílias asiáticas, negras e latinas no bairro histórico onde mora. Ele se torna um herói relutante quando fica ao lado de um adolescente asiático que foi forçado por uma gangue a roubar seu precioso automóvel, um Gran Torino.  

Clint Eastwood é um realizador completo dentro da indústria cinematográfica e onde o próprio aprendeu a caminhar em meio as mudanças que ocorriam no seu devido tempo. Conservador, o realizador é dos tempos em que interpretava o durão que atirava primeiro e perguntava depois, mas tendo consciência ao longo do tempo que isso ficou para trás, mesmo estando lá registrado e para ser conferido pelos fãs. Quando "Gran Torino" (2018) foi lançado ele havia declarado que poderia ser o seu último filme em que atuaria e se tivesse cumprido a promessa o encerramento seria em grande estilo e bastante poético.

Dirigido e protagonizado pelo próprio, o filme conta a história de Walt Kowalski (Clint Eastwood), um inflexível veterano da Guerra da Coréia, agora aposentado. Para passar o tempo ele faz consertos, bebe cerveja e vai mensalmente ao barbeiro (John Carroll Lynch). Sua vida é alterada quando passa a ter como vizinhos imigrantes hmong, vindos do Laos. Ressentido e desconfiando de todos, Walt apenas deseja passar o tempo que lhe resta de vida. Até que Thao (Bee Vang), seu tímido vizinho adolescente, é obrigado por uma gangue a roubar o carro do veterano, um Gran Torino retirado da linha de montagem pelo próprio.

Walt Kowalski é o típico personagem durão que Eastwood interpretou ao longo da vida, cuja as suas características nos faz lembrar do seu "estranho sem nome" da trilogia dos dólares comandada pelo mestre Sergio Leone, ou do tira durão visto em "Perseguidor Implacável" (1971). Porém, a figura de Walt está ficando para trás, cujo o seu preconceito com relação aos coreanos e aos demais imigrantes em solo americano já não é mais visto com bons olhos e fazendo com que o mesmo se isole cada vez mais em sua bolha após o falecimento de sua esposa. O seu Walt é um cidadão que já viu o pior lado do ser humano em tempos de guerra e fazendo o mesmo se perguntar qual é o seu lugar em um mundo em que o preconceito racial é crime e a diversidade é hoje a palavra dominante?

Com os seus vizinhos coreanos, os irmãos Tao e Sue, ele acaba obtendo o seu lugar no mundo no local onde ele jamais imaginava, mas sendo melhor bem vindo do que dentro da sua própria família. Vendo Tao sendo perseguido e humilhado por uma gangue local Walt vê ali a oportunidade de praticar algo de significativo na reta final de sua vida, mesmo quando não admita para consigo próprio. A relação entre os dois é o coração pulsante do filme como um todo e sendo algo similar ao que foi visto em "Menina de Ouro" (2004) e cuja a temática o veterano trás novamente com estilo.

Falando em estilo, o realizador poderia facilmente encerrar os seus trabalhos na atuação através desse filme, pois o ato final seria uma espécie de um abraço para a redenção em que ele procura dar para esse tipo de personagem que ele soube melhor do que nunca interpretar ao longo de sua vida. Após "Gran Torino" ele se dedicou por algum tempo somente na direção e lançando obras significativas como "A Troca" (2008), "Invictos" (2009), "Além da Vida" (2010), "J. Edgar" (2011) e tantos outros. Porém, ele achava que poderia ainda dizer alguma coisa na área da interpretação e nos brindando com o ótimo "A Mula" (2018) e com o seu último e sereno "Cry Macho - O Caminho Para a Redenção" (2021).

Ao meu ver, Clint Eastwood tem a grande possibilidade de morrer trabalhando em algum set de filmagem, pois não demonstra sinais de aposentadoria e seguindo em frente com a força que lhe resta. O durão anti-herói ainda continua impregnado em sua alma, mas pelo visto ainda quer aprender sobre esse novo mundo antes de ir embora e morrer tranquilo sabendo que soube lidar com essas mudanças. "Gran Torino" é sobre o próprio Clint Eastwood tendo que lidar com relação a esse novo mundo e procurando saber qual é o seu lugar antes que seja tarde demais.

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Cine Especial: Próximo Clube de Cinema de Porto Alegre - ‘Fome de Viver’

Nota: O filme será exibido para associados no próximo sábado, às 10:15 da manhã, no Cine Farol Santander , Porto Alegre. 

Sinopse: John é o amante da linda vampira Miriam, que existe desde a época dos faraós. Ele acha que viverá para sempre, mas começa a envelhecer rapidamente e Miriam procura um novo companheiro. 

Tony Scott não teve uma carreira tão sublime quanto do seu irmão Ridley Scott, mas foi mais do que o suficiente para chamar atenção. Realizador do clássico “Top Gun” (1986), o diretor começou a carreira dirigindo vídeo clipes, sendo um dos primeiros a testar o que viria a seguir com a entrada da MTV, onde as músicas de sucesso eram embaladas com criativas imagens e que moldavam o canal da música como um todo. Graças ao seu trabalho nesta área ele acabou sendo chamado para dirigir "Fome de Viver" (1983), seu primeiro longa-metragem na carreira, sendo uma obra horror que envelheceu muito bem no seu devido tempo e que possui visual gótico que influenciaria outros projetos futuros.

A trama se passa em Manhattan, Nova York. Miriam Blaylock (Catherine Deneuve) é uma vampira que consegue se manter "viva" e bela através dos séculos com o sangue dos seus amantes. Em retribuição, os jovens e as moças que se envolvem com ela não envelhecem, até Miriam ter tirado bastante sangue deles. Infelizmente seu atual parceiro, John (David Bowie), está tendo um envelhecimento extremamente rápido e a expectativa de vida é de apenas 24 horas. Desesperado, ele procura a ajuda da médica Sarah Roberts (Susan Sarandon), que é especialista em envelhecimento prematuro e que logo se sente atraída por Miriam.

O filme possui uma trilha sonora que nos soa familiar a todo momento, da qual nos remete aos outros clássicos daqueles anos. O longa se passa em um momento em que o mundo estava passando por uma certa transição, já que a “paz e amor” dos anos setenta meio que se encerrou quando vieram as consequências da AIDS e fazendo com que a maioria das pessoas até mesmo temessem em fazer sexo por um bom tempo. A figura do vampiro aqui, portanto, é de um ser imortal que não deseja a morte, mas ela vem para eles e de uma forma peculiar e fazendo com que esses seres jamais descansem.

Em meio a isso, há um curioso estudo sobre o sangue comandado pela personagem de Sarandon, justamente fazendo experiências com macacos e sendo, logicamente, uma referencias sobre a busca pela cura que os cientistas estavam fazendo naquele momento com relação a AIDS. No caso do filme o envelhecimento é um tabu a ser combatido e do qual se torna um pesadelo para o personagem de David Bowie. É curioso observar que o artista somente participa do primeiro ato da trama, mas é tempo o suficiente para fazer com que as suas ações movimentem os demais personagens dentro da história.

A partir daí o filme entra em uma verdadeira espiral gótica, onde a fotografia que transita entre azul e o escuro criam um visual surpreendente e que ia de contramão com a tendência do cinema de horror da época. Com uma trilha sonora sublime, porém, peculiar, o filme consegue nos passar uma sensação incomoda e ao mesmo tempo sedutora, como se quisesse nos puxar para aquela realidade em que os personagens lutam contra a solidão e sempre desejando uma companhia eterna. Não é a toa, portanto, que o longa não foi muito bem recebido pelo público da época, mas logo ganhando status de cult graças ao advento do VHS e hoje entra facilmente na lista dos filmes mais interessante da década de oitenta.

Embora tenha optado por uma carreira mais diversificada em outros países, Catherine Deneuve se sai muito bem em solo americano como a protagonista que anseia pela companhia dos seus amados, nem que para isso os deixa embalsamados mesmo quando se encontram decrépitos. Com Susan Sarandon ambas criam uma química perfeita e cheia de atração em cena e que com certeza tocou no imaginário de uma geração inteira. David Bowie voltaria em outros papeis durante aquela década em filmes como "Labirinto" (1986) e "A Última Tentação de Cristo" (1988), porém, esse é um dos seus papeis mais lembrados.

"Fome de Viver" é um filme que sintetiza os medos e as metamorfose que a década de oitenta estava nos apresentando e só por causa disso merece ser bastante lembrado. 

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Cine Dica: Em Cartaz - 'Eike - Tudo ou Nada'

Sinopse: Eike Batista já foi um dos sete homens mais ricos do mundo. Hoje, a sua ruína é uma marca de um escândalo que estampou as manchetes de todo o país.  

Em meio a tantas crises, corrupções e retrocessos que o Brasil de hoje enfrenta fica até mesmo difícil de nos lembrarmos atualmente sobre quem foi Eike Batista. Dono do grupo EBX, o empresário acabou se tornando em pouco tempo um dos homens mais ricos do país, mas cujo o seu declínio acabou provocando rachaduras que repercutem até nos dias de hoje. "Eike - Tudo ou Nada" (2021) procura retratar esse curto, porém, importante período de sua vida, mesmo com algumas partes importantes terem sido suprimidas.

Dirigido por Andradina Azevedo, Dida Andrade, o filme é baseado no livro homônimo de Malu Gaspar sobre a vida do ex-bilionário Eike Batista. A história começa em 2006, quando a economia brasileira estava um caos por conta do pré-sal. Batista decide criar então a OGX, uma petroleira, que o faz ser o sétimo homem mais rico do mundo, mas depois o leva a falência, tanto em dinheiro quanto poder e prestígio.

É curioso observar que quando o filme começa a gente já tem uma noção de como será o seu enredo, ao mostrar o início da infância de Eike Batista, mas cuja a sua inocência logo é partida ao meio devido aos pensamentos ambiciosos de sua mãe com relação ao seu próprio futuro. Não demora muito para vermos aquele menino crescido, sendo ambicioso e logo se tornando um poderoso empresário. Logicamente os realizadores, ou autor do livro do qual os mesmos buscaram se basear, se inspiraram no clássico "Cidadão Kane" (1941) que por sua vez serviu de modelo de inspiração para outros filmes como o genial "A Rede Social" (2010).

Porém, Andradina Azevedo e Dida Andrade procuram fugir de comparações, principalmente na forma como contam a história, seja em narração off, ou visualmente de uma forma mais circense. Neste último caso, por exemplo, isso é muito bem sentido na passagem em que mostra a relação do protagonista com a modelo Luma de Oliveira, interpretada aqui pela atriz Carol Castro. Curiosamente, essa passagem é rápida, como se os realizadores não quisessem perder tempo com essa história, quando na verdade poderia gerar um filme inteiro somente com relação a toda aquela polêmica e cuja a mídia sensacionalista se alimentou da imagem de Luma de Oliveira naquela época até a última gota.

Com esse ritmo circense, cuja a edição torna o filme quase dinâmico, diga-se de passagem, o filme esconde o lado mais técnico e complexo com relação ao mundo dos negócios dessas empresas que se alimentam através das privatizações principalmente em tempos de crise. A proposta do filme não está em querer nos passar passo a passo o que foi o império de Eike Batista, mas sim retratar o mesmo em seu auge e decadência. Surpreendentemente, Nelson Freitas está muito bem caracterizado, ao ponto de nos surpreendemos com a sua semelhança quando durante os créditos finais mostram fotos verdadeiras do empresário.

Vale salientar que o interprete carrega boa parte do filme nas costas, já que os demais coadjuvantes somente se tornam peças principais de um grande tabuleiro na reconstituição dos fatos daqueles tempos. Um deles, por exemplo, representa um dos inúmeros brasileiros que inventaram em investir na bolsa de valores quando Eike Batista estava por cima, para logo se dar conta que acabou sendo precipitado demais ao querer agilizar para obter a sua maior ambição. Ao final todos pulam do barco e deixando o protagonista à deriva para responder pelos seus pecados.

Mas como eu disse acima, é um filme que já sabemos como ele começa e como ele termina, o que não significa que já devemos risca-lo do mapa. O filme somente sofre um pouco por ser um tanto que conservador, seja na passagem com relação a Luma de Oliveira, como também em sua reta final em que se tenta resumir a queda do protagonista até no momento em que aparece os famosos letreiros sobre os desdobramentos da história. Curiosamente, a participação da Lava Jato no caso é levada as telas, mas de uma forma quase desapercebida, pois eu acredito que em tempos de eleição ninguém quer voltar a tocar neste assunto que foi comandado por certo Juiz suspeito.

"Eike - Tudo ou Nada" é o retrato de um homem que fez parte de um jogo de um grande tabuleiro, mas cujo o rápido xeque-mate retratado aqui nos faz pensar que ficou algo pelo caminho. 

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Cine Dica: CINEMATECA CAPITÓLIO PROGRAMAÇÃO 22 a 28 de setembro de 2022

Jean-Luc Godard

UM DOMINGO PARA GODARD

A Cinemateca Capitólio celebra a obra de Jean-Luc Godard com três sessões especiais no domingo, 25 de setembro. Na programação, os três longas-metragens que o diretor francês realizou no início da década de 1980, em um dos mais belos momentos de reinvenção de sua trajetória: Salve-se Quem Puder (A Vida), Paixão e Carmen de Godard – seguido de um filme surpresa. Todas as sessões têm entrada gratuita.

Mais informações: http://www.capitolio.org.br/programacao/?starting_date=2022-09-25

CINEMA IRANIANO CONTEMPORÂNEO EM EXIBIÇÃO

No próximo final de semana, ocorre o lançamento da série de filmes Atestado de Ficção com a exibição do documentário Em nome de Scheherazade ou o primeiro Biergarten de Teerã, da diretora iraniana Narges Kalhor, na Cinemateca Capitólio, nos dias 24 e 25 de setembro, às 17h, com entrada franca. A programação é uma realização do Goethe Institut Porto Alegre.

Mais informações:  http://www.capitolio.org.br/eventos/5420/em-nome-de-scheherazade-ou-o-primeiro-biergarten-de-teera/

DOCUMENTÁRIO DE SILVIO TENDLER NA SESSÃO AAMICCA

A Associação de Amigas e Amigos da Cinemateca Capitólio convida para a Sessão AAMICCA #5, a ser realizada no sábado, 24 de setembro, às 19 horas, na Cinemateca Capitólio. No programa, o filme O veneno está na mesa II (2014, 1h10min), de Silvio Tendler, que defende a produção agroecológica, o respeito à natureza, aos trabalhadores rurais e consumidores. Debatem o filme o engenheiro agrônomo Leonardo Melgarejo e o ativista Jair Krischke. A mediação ficará a cargo de Luiz Antonio T. Grassi, presidente da AAMICCA.

Mais informações: http://www.capitolio.org.br/eventos/5428/sessao-aamicca-o-veneno-esta-na-mesa-2/

HELENA IGNEZ EM DESTAQUE

Na sexta-feira, 23 de setembro, às 19h, a Cinemateca Capitólio promove o lançamento do livro Helena Ignez: atriz experimental, com a presença do autor Pedro Guimarães. Escrito em parceria com Sandro de Oliveira, o livro analisa o trabalho de uma das atrizes mais relevantes do cinema brasileiro, com foco no processo de cocriação que Ignez estabeleceu com os cineastas Rogério Sganzerla e Júlio Bressane na produtora Belair Filmes em 1970. Os exemplares do livro estarão disponíveis para venda na bilheteria da Cinemateca. Após a sessão de autógrafos, às 20h, haverá a exibição gratuita de A Família do Barulho (Júlio Bressane, 1970), protagonizado por Helena Ignez, com apresentação de Pedro Guimarães.

Mais informações: http://www.capitolio.org.br/eventos/5415/a-familia-do-barulho/

ESTREIA DE MARTE UM

A partir de quinta-feira, 22 de setembro, a Cinemateca Capitólio exibe o longa-metragem Marte Um, de Gabriel Martins. Documentário de Bruno Gularte Barreto, 5 Casas segue em exibição até o dia 28 de setembro. O valor do ingresso é R$ 16,00.    

Mais informações: http://www.capitolio.org.br/programacao/

PRÉ-ESTREIA DE SAMBA ÀS AVESSAS

Na quinta-feira, dia 22 de setembro, às 18h30min, ocorre a pré-estreia de Samba às Avessas, filme dirigido por Gautier Lee sobre a produção do álbum de Pâmela Amaro. Entrada franca.

Mais informações: http://www.capitolio.org.br/eventos/5430/samba-as-avessas/

GRADE DE HORÁRIOS

22 a 28 de setembro de 2022

22 de setembro (quinta)

15h – Marte Um

17h – 5 Casas

18h30 – Samba às Avessas

23 de setembro (sexta)

15h – Marte Um 

17h – 5 Casas

19h – Lançamento do livro Helena Ignez: Atriz experimental

20h – A Família do Barulho

24 de setembro (sábado)

15h – Marte Um

17h – Em nome de Scheherazade ou o primeiro Biergarten de Teerã

19h – Sessão AAMICCA: O Veneno está na Mesa 2

25 de setembro (domingo)

15h – Salve-se quem Puder (A Vida)

17h – Em nome de Scheherazade ou o primeiro Biergarten de Teerã

18h30 – Paixão

20h – Carmen de Godard

21h30  – Filme surpresa

27 de setembro (terça)

15h – Marte Um

17h – 5 Casas

19h – Marte Um

28 de setembro (quarta)

15h – Marte Um

17h – 5 Casas

19h – Maridos 

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