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Sapucaia do Sul/Porto Alegre, RS, Brazil
Sócio do Clube de Cinema de Porto Alegre, frequentador dos cursos do Cine Um (tendo já 98 certificados) e ministrante do curso Christopher Nolan - A Representação da Realidade. Já fui colaborador de sites como A Hora do Cinema, Cinema Sem Frescura, Cinema e Movimento e Cinesofia. Sou uma pessoa fanática pelo cinema, HQ, Livros, música clássica, contemporânea, mas acima de tudo pela 7ª arte. Me acompanhem no meu: Twitter: @cinemaanosluz Facebook: Marcelo Castro Moraes ou me escrevam para marcelojs1@outlook.com ou beniciodeltoroster@gmail.com

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sexta-feira, 31 de julho de 2020

Cine Especial: 'Constantine' - 15 Anos Depois


"Uma Viagem Alucinante. Este Legado de Blade Runner é um Deleite para os Olhos e Para a Mente". 

Richard Collis - TIME 

Talvez essa seja uma comparação um tanto que exagerada para aquela época, mas acho que eu sei onde o crítico queria chegar. Embora não tenha sido fiel a sua fonte nas HQ, "Constantine" foi observado de perto por críticos de cinema e colecionando fãs na medida em que o tempo foi passando. Quinze anos se passaram e o filme ganhou de forma merecida o seu status de cult e motivos para isso é o que não faltam.
É bom lembrar que o filme foi lançado em 2005, época em que os estúdios estavam atirando para todos os lados para conseguir algum lucro com as adaptações de HQ. Após o estouro de "X-Men" (2000) e "Homem Aranha" (2002), era questão de tempo para que inúmeros personagens fossem levados para o cinema, mas Constantine era uma espécie de um tiro no escuro. Conhecido mais pelos leitores de HQ, o personagem na época não tinha esse apelo popular que tem hoje, mas que na minha opinião colaborou para que o filme fosse melhor trabalhado.
O problema com relação a ser fiel a sua fonte original é gerar um sério risco de o filme perder a chance de obter a sua personalidade própria. Pegamos, por exemplo, adaptação do livro "O Código Da Vinci"(2006) para o cinema, da qual foi fiel a sua fonte, porém, ficou preso nesta questão e se tornando um filme sem sal. Não é o caso que acontece com "Constantine" e acho que muito disso se deve a Francis Lawrence.

Conhecido na época pela direção de vídeo clipes, Lawrence optou em adaptar somente o essencial das HQ e moldando a história para se encaixar melhor na linguagem cinematográfica. O resultado é um filme cheio de personalidade, onde o cineasta cria uma visão pessoal sobre aquele universo de anjos e demônios e cujo o seu visual é a sua principal fonte de sucesso. Embora a trama se passe na ensolarada Los Angeles, o filme é sombrio, elegante, como se estivéssemos assistindo a um filme noir de antigamente, mas moldado com ingredientes sobre a questão da fé e o papel do bem e o mal na vida dos homens e das mulheres.
Nos minutos em que nos é apresentado o protagonista, Lawrence cria um belo jogo de câmera, ao fazer enquadramentos em que sempre nos mostra os personagens indo em nossa direção, como se houvesse uma intenção vinda deles em quebrar a quarta parede. Porém, isso é uma forma de se casar com a proposta principal da história, onde os personagens sempre desejam avançar em querer chegar algum lugar, desde os demônios querendo entrar em nosso mundo, como também o próprio Constantine em querer fugir do inferno ao seu encalço. É bom lembrar que, embora a trama seja superficialmente inspirado no clássico "Hábitos Perigosos" de Garth Ennis, a inserção da questão do câncer que aflige o personagem é explorada aqui de uma forma mais simples e verossímil para os olhos do cinéfilo.
Além disso, Lawrence surpreende nas continuidades de cada cena, cuja a simetria acaba se casando uma com a outra. Pegamos, por exemplo, a cena em que Ângela (Rachel Weisz) acorda de um terrível pesadelo. Em sua cama se encontra o seu gato que começa a tossir pelos. Imediatamente a cena é cortada para Constantine correndo em direção a sua pia e cuspir catarro cheio de sangue.
Essas simetrias estão espalhadas em quase todo o filme, como se elas se direcionassem para um único objetivo e levando os seus protagonistas consigo. Por conta disso, temos um filme do qual foi realizado na preocupação de se fazer cinema e não somente uma adaptação fiel a sua fonte verdadeira. Já a história em si, ela não é muito diferente com relação a tantos filmes de rituais ou possessões antes daquela época, mas é graças a direção autoral e segura do cineasta é o que fez toda a diferença. Embora com alguns efeitos visuais e cenas de ação, eles são inseridos para melhor compreendimento da trama e a ótima cena em que o protagonista desce ao inferno, uma espécie de Los Angeles em pleno apocalipse, sintetiza muito bem isso.
Outra questão é o seu elenco, composto por inúmeros talentos e do qual cada um colaborou para obter o melhor desempenho possível. Criticado ao ser escolhido para interpretar o personagem, Keanu Reeves fez o que pode em cena, ao ponto de ficar até mesmo pálido de tanto fumar diversas vezes durante as filmagens. Não é preciso ser adivinho sobre o que levou a Warner a escolher ele, já que na época o ator a recém havia estrelado a franquia milionária "Matrix" e a intenção, obviamente, era continuar obter lucro que o ator atraia naqueles tempos. Independente disso, eu particularmente gosto do ator interpretando o personagem, mesmo quando ele se distancia das verdadeiras raízes de sua fonte.
Por sua vez, Rachel Weisz rouba a cena em momentos importantes da trama, ao interpretar as irmãs gêmeas Ângela e Isabel. Weisz entrega um papel de peso ao dar vida a Ângela, ao se apresentar como uma personagem cética com relação as questões do céu e o inferno, mas aprendendo que elas são reais da pior maneira possível. Não deixa de ser assombrosa a sua atuação quando ela testemunha o corpo da sua irmã falecida e cuja a cena impressiona, tanto pelo seu desempenho, como também graças a direção de Lawrence que deixa o momento ainda mais dramático.
Curiosamente, a ala coadjuvante é outro fator determinante para o sucesso do filme. Tilda Swinton surpreende ao interpretar o anjo Gabriel e cujo o seu sarcasmo nos brinda com humor sombrio contagioso. E se por um lado há um jovem em cena chamado Shia Labeouf interpretando o personagem Chas que poderia ser facilmente ser descartado, do outro, Djimon Houson cria para o seu personagem Midnite um ar de ambiguidade com relação aos seus sentimentos em optar em ser neutro. Agora, a grande surpresa fica por conta da atuação de Peter Stormare como Lúcifer, um personagem que já foi levado aos cinemas de diversas maneiras, mas aqui ele interpreta do seu jeito e cuja a sua apresentação na história pegou muitas pessoas na época desprevenidos.

Logicamente, o final deixa algumas pontas soltas para uma continuação, mas da qual jamais aconteceu. Porém, o filme funciona muito bem independente disso, fazendo com que críticos e fãs o visitassem diversas vezes e ganhando assim um melhor reconhecimento. Mas com os boatos de que Keanu Reeves deseja muito retornar ao personagem, que hoje tem um apelo popular muito maior do que aquela época, quem sabe essa sequência não venha em breve ganhar a luz do dia.
"Constantine" é um filme sobrevivente em meio a tantas franquias de adaptações de HQ para o cinema, ao passar pelo teste do tempo e se tornar um cult de forma merecida mesmo com os seus detratores em volta. 

Onde Assistir: Em DVD, Blu-Ray e Netflix.  

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quinta-feira, 30 de julho de 2020

Cine Dica: Durante a Quarentena Assista: 'O Babadook'

Sinopse: Amelia, viúva e ainda atormentada pela violenta morte do marido, tenta lidar com o medo de monstros que aterroriza seu único filho.

Clássicos do cinema de horror como "O Bebê de Rosemary" (1968) e "O Exorcista (1973) sobrevivem ao teste do tempo graças ao fato deles possuírem diversas camadas de interpretação com relação as suas tramas. O filme de  William Friedkin, por exemplo, pode simplesmente ser tachado como um filme de possessão demoníaca, como também uma história em que se explora os poderes ocultos da mente humana. "O Babadook" (2014) segue com perfeição essa minha teoria e podendo ser lembrado facilmente nos próximos anos como um dos melhores filmes de horror do nosso tempo.
Dirigido pela cineasta Jennifer Kent, o filme conta a história de Amelia (Essie Davis), que no passado ela havia perdido o seu marido em um acidente de carro quando ambos estavam indo no hospital para ela dar à luz.  Mesmo tendo o seu filho Samuel (Noah Wiseman) ela ainda não superou a trágica perda e o garoto começa a sonhar diariamente que um monstro que se encontra em um livro está assombrando ambos. Mas até onde isso é sonho e realidade?
Por ser de origem Australiana se percebe que é uma produção que se difere das americanas, tanto pelo seu visual, como também pelo seu ritmo e que dá espaço para uma construção melhor na apresentação dos seus personagens principais. Isso logicamente afasta aquele cinéfilo que está acostumado com o gênero de horror convencional norte americano, do qual possui diversos sustos a cada momento, mas quase não nos dá tempo para nos simpatizarmos com os personagens principais ou exigir um roteiro mais complexo. Em ambos os casos eles se encontram e "O Babadook", de uma forma bem dirigida e cujo o roteiro pode ser interpretado de diversas formas.
Se formos simplifica-lo, ele pode ser interpretado como mais um filme sobre uma casa mal assombrada, mas a trama não se limita essa ideia tantas vezes usada. Ao invés disso, testemunhamos uma protagonista transitando entre a lucides e a dor que ainda não cicatrizou pela perda do seu marido. Além disso, ela precisa enfrentar o dia a dia de ter um filho super ativo e fazendo com que o seu lado lúcido transite para a beirada do precipício.
Essie Davis, estrela de filmes como "Casamento às Avessas" (2010), nos brinda aqui com a melhor atuação da sua carreira. Se no princípio sentimos pena de sua personagem por sofrer de um trauma do passado, além de não conseguir conter o seu filho super ativo, por outro lado, logo começamos a temer pela vida desse último a partir do momento em que ele começa a ser assombrado por uma possível entidade fantasmagórica e pela própria mãe que começa a dar sinais de descontrole sem precedentes.
Podemos supor que ela esteja também sendo afetada pelas manifestações que ocorrem na casa, mas o problema, talvez, se encontre muito mais embaixo do que a gente imagina. Ao nunca colocar para fora a sua dor devido ao passado trágico, a protagonista começa despeja-lo em momentos de grande conflito e fazendo ela se tornar um perigo para si e para o seu próprio filho. Não me surpreenderia, por exemplo, se atuação da atriz serviu de inspiração para o trabalho de Toni Collette em "Hereditário" (2018) e para quem viu o filme de Ari Aster sabe muito bem o que eu estou dizendo.
Já a figura de Babadook em si é um deleite para os amantes do gênero fantástico, pois ele parece um cruzamento de  Sr. Hyde do clássico "O Médico e o Monstro" e Nosferatu. Neste último caso, tanto a figura do ser, como também da própria casa, parecem extraídos dos melhores momentos do expressionismo alemão, do qual os filmes em si daquela época exploravam os significados dos sonhos e da imaginação de um povo alemão esmagado após a 1ª Guerra Mundial. Seria, portanto, a figura de Babadook uma manifestação dos sentimentos reprimidos da protagonista devido ao seu passado trágico pela perda do seu marido?
Aliás, a figura do marido é bastante usada no decorrer da trama e fazendo com que esse meu pensamento se fortifique cada vez mais quando revisitei o filme pela segunda vez. Mas em termos técnicos o filme também nos conquista, principalmente por ele não ser sufocado pela pirotecnia dos efeitos visuais hoje em dia, mas sim sendo ele moldado de uma maneira mais simples de como se fazia cinema de horror de antigamente e tendo um efeito mais verossímil possível. Além disso, o filme presta uma bela homenagem aos grandes clássicos do gênero fantástico, que vai desde curtas de Méliès, como também "O Fantasma da Ópera" (1925), "O Parque Macabro" (1962), "As Três Máscaras do Terror" (1963).
Com um final que nos deixa mais perguntas do que resposta, mas sendo algo proposital para pensarmos na obra por um longo tempo, "O Babadook" é um ótimo filme de horror ao obter a proeza e nos assustar e questionar sobre qual é a verdadeira origem sombria que se manifesta ao longo de sua trama.   


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quarta-feira, 29 de julho de 2020

Cine Dica: Durante a Quarentena Assista: 'A Assistente'

Sinopse: Jane (Julia Garner) é uma aspirante a produtora de cinema que recentemente conseguiu seu emprego dos sonhos como assistente júnior de um poderoso magnata do entretenimento.  

O recente filme "O Escândalo" (2019) retrata os inúmeros casos de assédio que o produtor da Fox News havia cometido contra as suas funcionárias ao longo das décadas. O filme veio justamente na esteira em que vários diretores e produtores Hollywood foram colocados na parede ao serem denunciados por terem cometidos crimes graves contra atrizes durante muito tempo. "A Assistente" (2019) é somente a ponta do iceberg sobre esses acontecimentos, mas que sintetiza o lado cru por detrás das cortinas desse universo do entretenimento.
Dirigido pela diretora Kitty Green, o filme aborda a vida de Jane, interpretada pela ótima jovem atriz Julia Garner da série "Orzak", uma aspirante a produtora de cinema que recentemente conseguiu seu emprego dos sonhos como assistente júnior de um poderoso magnata do entretenimento. O dia dela é muito parecido com o de qualquer outra assistente. Mas, à medida que Jane segue sua rotina diária, ela começa a perceber todos os abusos que envolvem seu ambiente de trabalho e sua posição profissional.
Antes de falar sobre o filme em si é preciso relembrarmos sobre Harvey Weinstein. Para os desavisados, Weinstein era um bem sucedido produtor de cinema, fundador da produtora Miramax, que entre os títulos do estúdio se encontra  “Pulp Fiction: Tempo de Violência” (1994), “O Paciente Inglês” (1996), “Cold Mountain” (2003) e dentre outros. Porém, em 2017, Weinstein foi acusado de abuso sexual por mais de 80 mulheres, muitas delas suas funcionárias. Tais acusações deram início ao movimento #MeToo, criado nas redes sociais onde mulheres de todo o mundo vieram a público denunciar a conduta imprópria de diversos homens poderosos. O ápice dessa situação aconteceu quando o movimento também foi apelidado de “O Efeito Weinstein”. Nem preciso mencionar que a carreira do produtor de cinema foi para o fundo do ralo e de forma merecida.
Weinstein não aparece em "A Assistente" e ninguém menciona seu nome durante a projeção, mas isso se torna mero detalhe. O que torna poderoso o filme da diretora Kitty Green é graças a sua sutileza que ela cria na construção de sua narrativa. Praticamente o filme é protagonizado pela personagem Jane e da qual ela se torna o nosso olhar com relação àquela realidade.
Com um enquadramento em que foca os principais afazeres de Jane, acompanhamos o seu dia a dia no escritório, desde os afazeres mais simples como também os mais complexos. Porém, na medida que o filme avança, a protagonista começa a sentir a pressão em sua volta, principalmente quando determinadas ligações testam os seus nervos e sua autoestima. Julia Garner nos brinda aqui com a sua melhor atuação da carreira, cujo o seu olhar transita entre a segurança para momentos de perplexidade mesmo ela não demonstrando em situações que exige sangue frio infelizmente.
Curiosamente, o filme oscila tanto em momentos dramáticos, como também de puro suspense psicológico. Em tempos em que monstros clássicos perderam o seu lugar para monstros mais realistas, ou seja, o próprio lado sombrio do ser humano, o filme se casa muito bem com a realidade nebulosa em que nós vivemos. Como já citado acima, nós nunca testemunhamos o produtor assediador da trama, mas sua presença é sentida a todo momento, seja através das consequências dos seus atos, como também do olhar da protagonista que nos diz tudo.
Aliás, o grande acerto do filme é não do uso de cenas politicamente incorretas ou algo do gênero para que a trama se torne chocante, pois basta uma boa direção como essa para que se faça toda a diferença. Talvez o ápice do filme é quando a protagonista pede ajuda com relação ao que está acontecendo em seu ambiente de trabalho, mas para somente perceber o quanto ela se encontra encurralada em um sistema cheio de regras e criado por homens machistas que acreditam que podem fazer o que bem entender. A sutileza do filme é algo sublime e que o torna obra indispensável para ser vista e discutida daqui para frente.
"A Assistente" é um filme sobre o antes e depois dos escândalos recentes de Hollywood, mas que serve também como reflexão para que as mulheres não se calem perante os horrores vindo dos próprios homens. 


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terça-feira, 28 de julho de 2020

Cine Especial: 'Beijos Proibidos' - Corra Antoine, Corra


A Nouvelle vague foi a virada de mesa que mudou o cinema francês para sempre e influenciou diversos cineastas do mundo a fora. Diferente do convencional da época, os cineastas desse movimento decidiram sair dos estúdios, gravarem as suas histórias nas ruas das cidades e revelando uma França quase nunca vista na grande tela. Neste núcleo, dois dos meus cineastas favoritos daquele país se destacaram, que foram Jean-Luc Godard e François Truffaut.
No princípio deste movimento, se por um lado Truffaut fez uma espécie de reconstituição de sua juventude em sua obra prima "Os Incompreendidos" (1959), por outro lado, Godard fez "Acossado" (1960), um filme policial fora do convencional e cuja a sua forma de filmar influenciou o cinema mundial como um todo. Falando neste último caso, qualquer semelhança desse filme com o nosso clássico "O Bandido da Luz Vermelha" (1968) não é mera coincidência.  Amigos desde os tempos da revista  Cahiers Du Cinéma, tanto Truffaut como Godard criaram um cinema que falasse um pouco sobre o que acontecia naqueles tempos e que, embora falassem de temas parecidos, ambos criaram uma forma distinta de contar as suas próprias histórias.
Enquanto Godard criava o seu cinema autoral com doses cavalares com teor político como, por exemplo, "A Chinesa" (1968), por outro lado, Truffaut queria também seguir pelo mesmo caminho, mas de uma forma amenizada, porém, não menos política. com o seu alter ego Antoine de "Os Incompreendidos", o cineasta falaria um pouco da juventude francesa do final dos anos sessenta, da qual participaria dos movimentos de “Maio de 68” e sintetizando os ventos da mudança que estavam acontecendo. "Beijos Proibidos" (1968) fala um pouco dessa juventude, justamente em um momento em que tudo estava em movimento constante.

Movimento esse muito bem representado por Antoine, novamente interpretado pelo ator Jean-Pierre Léaud, e aqui vemos o mesmo abandonando o exército já no início da trama. Esse prólogo, aliás, é proposital para nos fazer lembrar que esse é o mesmo protagonista visto em "Os Incompreendidos", sendo ainda um jovem que vai contra o sistema e buscando uma forma de sempre correr de um mundo cheio de regras.  Porém, mesmo sendo uma representação de François Truffaut, vemos aqui um Antoine indo para o caminho não cinematográfico, mas sim nas trilhas em que os jovens franceses daqueles tempos abraçavam.
Vemos, portanto, um Antoine em meio aos conflitos internos com relação aos relacionamentos amorosos daqueles tempos, sendo que a sua paixão é Christine (Claude Jade), mas não escondendo os seus desejos por outras mulheres. Logo após deixar o exército, por exemplo, ele visita garotas de programas, mas de uma forma rápida, como se quisesse satisfazer as suas necessidades o quanto antes. Uma forma de nos dizer sobre aquela juventude dos anos sessenta, onde o conservadorismo não poderia mais conter os hormônios em ebulição naqueles tempos.
O conservadorismo, aliás, é muito bem representado aqui, onde mostra determinadas figuras mantendo o status de cidadão perfeito, mas não reparando o mundo mudando. Pegamos o caso do dono da loja de sapatos, que desconfia que as pessoas em sua volta não gostam dele e contrata Antoine como detetive para investigar isso. O dono dessa loja seria, talvez, a representação do capitalismo sofrendo os ataques de um mundo mais socialista que os jovens estavam querendo naqueles tempos e não se dando conta disso.
Curiosamente, determinados personagens seriam representações dessas determinadas mudanças e que não se restringem somente aos personagens em volta do dono da loja de sapatos. Temos o caso simbólico do homem querendo saber o paradeiro do seu amigo mágico e nos dando a entender que ambos tiveram um caso no passado. Se na primeira apresentação do personagem isso fica nas entrelinhas, a segunda apresentação a situação fica ainda mais explícita, principalmente quando o personagem age com extrema violência.
Portanto, em um único filme, François Truffaut fala sobre as mudanças de costumes da sociedade francesa, ou nos dando a entender que esses costumes sempre estiveram lá, só que nunca haviam se destacado no cinema francês até ali. A infidelidade, por exemplo, é algo que Antoine acaba se envolvendo com relação a esposa do dono da loja de sapatos. Mas, curiosamente, ainda há no personagem uma fagulha desse conservadorismo francês que tenta domá-lo, porém, logo é pulverizado.

Em um epílogo simbólico, onde Antoine finalmente decide abraçar a sua paixão por Christine, vemos o conservadorismo francês sendo representado na forma de um detetive e declarando o seu amor por Christine. Após isso, o casal o ignora o tratando como louco, nos dando a entender que aquela forma de amor vinda daquele personagem já não tinha mais espaço para essa geração paz e amor que se encontra sempre em movimento. Christine, logicamente, sofreria as consequências por abraçar a sua paixão por Antoine posteriormente, mas o que não seria muito diferente de inúmeros jovens casais que se dão conta que os contos de fadas somente se encontram nos livros de histórias fictícias.
"Beijos Proibidos" é uma espécie de representação dos ventos da mudança que aconteceriam em “Maio de 68”, onde uma juventude se encontrava em movimento constante e disposta em abraçar em  total plenitude. 

NOTA: Nova live de Tânia Cardoso sobre "Beijos Proibidos" nesta terça-feira. Confira abaixo: 


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segunda-feira, 27 de julho de 2020

LUTO: Olivia de Havilland (1916 - 2020)


Dame Olivia Mary de Havilland nasceu em Tóquio em 1 de Julho de 1916, filha da também atriz Lillian Fontaine e irmã de Joan de Havilland, conhecida pelo nome artístico de Joan Fontaine, que a exemplo de Olivia, tornou-se uma das mais admiradas estrelas do cinema, ambas permanecendo até a presente data como as únicas irmãs a terem sido premiadas com o Oscar de melhor atriz.
De Havilland ficou conhecida pela parceria com o astro Errol Flynn, co-estrelando com ele oito filmes, sendo o mais notório 'As aventuras de Robin Hood' (The Adventures of Robin Hood, 1938), tido como um dos maiores clássicos dentre os filmes de aventura. Mas foi sua performance indicada ao Oscar como Melanie Hamilton Wilkes no épico ...'E o vento levou' (Gone with the Wind,1939) que a colocou nos anais da história do cinema, fazendo com que a atriz ficasse marcada como o símbolo da doçura nos filmes americanos ao atribuir-lhe uma imagem da qual ela própria tentou se desvincular na esperança de obter papéis mais desafiadores e assim provar que a sua capacidade artística lhe permitia ir além - fato este confirmado na década de 1940 em seus desempenhos subsequentes, que, por sua vez, acabaram rendendo-lhe dois Oscars de melhor atriz, pelos filmes 'Só resta uma lágrima' ("To Each His Own", 1946) e 'Tarde demais' ("The Heiress", 1949), além de ter sido indicada ao prêmio também por A porta de ouro ("Hold Back the Dawn", 1941) e A cova da serpente ("The Snake Pit", 1948, tido pela atriz como o filme favorito de sua carreira).
Dentre as honrarias a ela concedidas também incluem-se a estrela na Calçada da Fama de Hollywood, que recebeu em 1960 graças a sua contribuição à indústria cinematográfica, a Medalha Nacional das Artes, concedida pelo presidente americano George W. Bush em 2008, a Ordem Nacional da Legião de Honra, com a qual foi condecorada pelo presidente francês Nicolas Sarkozy em 2010, e a Excelentíssima Ordem do Império Britânico, sendo condecorada com o título de Dama do Império Britânico em 2017 por serviços prestados às artes, tornando-se, então, aos quase 101 anos, a mais velha mulher a receber esta condecoração.
Olivia também tornou-se defensora dos direitos de atores e atrizes, tendo sido criada, por sua iniciativa, uma lei que leva o seu nome, validada com o objetivo de assegurar aos mesmos importantes direitos que estes devem ter como garantia. Em 1999 ela foi nomeada uma das 500 grandes lendas do cinema pelo American Film Institute.
Morreu enquanto dormia  aos 104 anos, em Paris.


Fontes: Wikipédia, Cinema Clássico.

Também se foi John Saxon (1936 - 2020)


Filho de imigrantes italianos nos Estados Unidos, Saxon nasceu em 5 de agosto de 1936 em Nova York. Teve uma carreira que durou 60 anos e atuou em filmes de grande sucesso como 'A Hora do Pesadelo' (1984) e Operação Dragão (1973), clássico de Bruce Lee, que trouxe filmes de artes marciais para o mainstream. Antes, Saxon era conhecido por ser ídolo teen, estrelando filmes ao lado de Esther Williams, Mamie Van Doren e Sandra Dee.
Em 1967, ele foi indicado ao Globo de Ouro por sua interpretação em ‘Sangue em Sonora’, ao lado de Marlon Brando. Mais recentemente, atuava na série ‘Dinastia’.

Fontes (com modificações): Claúdia e Isto é.

sexta-feira, 24 de julho de 2020

Cine Especial: 'Farenheit 451' - O Conhecimento em Chamas


“— O que faz nas horas de folga, Montag? 
— Muita coisa... corto a grama... 
— E se fosse proibido? 
— Ficaria olhando crescer, senhor. 
— Você tem futuro". 
Diálogo entre Montag e seu superior no esquadrão 

O maior temor dos governos autoritários é o conhecimento, principalmente vindos de pessoas que se posicionam contra as suas regras e que passam os seus pensamentos para as demais pessoas que possam rever os seus posicionamentos políticos. Não é à toa que, por exemplo, Adolf Hitler mandou incinerar diversos livros durante o seu governo ditatorial nos tempos da Alemanha Nazista e gerando assim um temor ao redor do mundo contra aqueles que defendiam o conhecimento a todo custo. Não me surpreenderia, portanto, que o escritor Ray Bradbury tivesse esse grande temor, mas que acabou servindo de inspiração na realização do seu conto "Fahrenheit 451" lançado em 1953.
Muito próximo da ideia já vista no clássico literário "1984" de George Orwell, o romance de Ray Bradbury apresenta um futuro onde todos os livros são proibidos, opiniões próprias são consideradas antissociais e hedonistas, e o pensamento crítico é suprimido. O personagem central, Guy Montag, trabalha como "bombeiro" (o que na história significa "queimador de livro"). O número 451 é a temperatura (em graus Fahrenheit) da queima do papel, equivalente a 233 graus Celsius.
Durante anos o livro já passou por diversas releituras e até hoje se encontra mais atual do que nunca. Certa vez, Bradbury declarou que "Fahrenheit 451" não trata exatamente da censura, mas de como a televisão destrói o interesse pela leitura. Mal ele sabia que hoje a tv estaria obsoleta e perdendo o seu espaço para internet que, infelizmente, se encontra inundada por fake news e que ameaça a verdadeira informação dos fatos sobre o mundo em que nos rodeia. 

Logicamente o livro ganharia mais cedo ou mais tarde alguma adaptação para o cinema e coube essa tarefa para François Truffaut. Ao lado de alguns diretores de cinema, como no caso de Jean-Luc Godard, François Truffaut construiu uma carreira sólida na França ao fazer parte do movimento "Nouvelle vague", do qual não só mudaria a forma de se fazer cinema naquele país, como também serviria como forte influência para o mundo a fora. Em território inglês, François Truffaut realizou adaptação de "Fahrenheit 451" (1966) e que até hoje é apontada como a melhor versão do romance até aqui.
Abertura já começa com uma boa sacada de Truffaut, já que os créditos da direção e dos demais envolvidos não são apresentados de forma escrita na tela, mas sim em off e se casando com perfeição com a proposta principal da obra. Ao mesmo tempo, as imagens dão destaque as antenas externas de televisão e sintetizando com relação ao pensamento do escritor com relação ao papel dos aparelhos naqueles tempos. A partir dali somos apresentados ao protagonista Montag (Oskar Werner), que tem a ingrata tarefa como bombeiro que, ao lado de seus colegas, de queimar qualquer tipo de material impresso, pois foi convencionado que literatura um propagador da infelicidade.
A partir daí, François Truffaut apresenta aquele mundo autoritário, mas que não se encontra muito distante do nosso. Embalado com a trilha do compositor Bernard Herrmann (compositor favorito de Alfred Hitchcock), Truffaut faz questão de realizar a cenas dos livros sendo queimados como se fossem verdadeiras chacinas e dando destaque as capas de grandes clássicos da literatura enquanto são devorados pelas chamas. Curiosamente, a revista Cahiers du Cinéma, revista na qual o diretor escrevia, se encontra em um determinado momento de uma das cenas.
Embora o filme possua uma estética meio que ultrapassada da maneira de como retratavam determinados futuros alternativos naquela época, é notório que alguns pontos até hoje não envelheceram e nos surpreendendo ao revisita-los. Na casa de Montag, por exemplo, vemos como as pessoas daquele futuro se interagem com outras através da televisão, da qual é a única forma de entretenimento, mas sendo uma forma de ferramenta para aliená-los. Revisto hoje, essa cena possui um peso maior, principalmente em tempos em que muitas pessoas se dedicam cada vez mais em assistir somente vídeos pelo Youtube do que ler um bom livro.
Essa alienação, por sua vez, faz com que as pessoas daquele futuro se encontrem cada vez mais em uma espécie de transe, como se os sentimentos, lembranças e sensações começassem a desaparecer aos poucos. Isso é representado muito bem pela esposa de Montag, interpretado pela atriz Julie Christie e conhecida mundialmente pela sua atuação no filme "Doutor Jivago" (1965). Aqui, a sua personagem se encontra consumida pela alienação que ela absorve através da televisão, ao ponto que suas energias são consumidas em um determinado ponto da história.
Ao mesmo tempo, Montag conhece Clarisse sua vizinha e que é também interpretada pela atriz Julie Christie. Clarisse é o oposto da esposa de Montag, ao ponto que sentimos nela uma predileção pelos livros que são caçados naquele mundo, mas não deixando isso explícito em um primeiro momento. Segundo o diretor, o motivo de a atriz fazer as duas personagens e a de que o bombeiro Montag vive seus desafios acompanhados por duas figuras femininas, onde uma é a imagem invertida da outra.

Porém, ao meu ver, cada um tem a sua interpretação com relação qual das duas influenciou as escolhas dele com relação ao seu posicionamento a favor dos livros que foi logo revelado ao longo da trama. No meu entendimento, Montag passou a cada vez mais se sentir sufocado naquela realidade em que ler e escrever eram proibidos, passando então a ler livros escondidos e assim obter a sua saúde mental intacta. Talvez a sua escolha não precisaria necessariamente da influência das duas personagens, pois aquela realidade já era mais do que o suficiente para ele tomar uma iniciativa de forma independente.
Assim como no livro, o filme também possui passagens poderosas como aquela em que uma senhora decide sucumbir as chamas juntos com os seus livros. Aqui, o conhecimento impresso sendo extinto ao lado de um ser humano nos diz que um não vive sem o outro, sendo que o conhecimento não existe se não houver alguém para obtê-lo, assim como a vida não faz um menor sentido quando se perde o conhecimento.  Porém, a reta final da história nos mostra que ainda há esperança como um todo.
Com simplicidade e sem muita pirotecnia da época, Truffaut adapta com perfeição a mensagem final do livro, do qual nos diz que os governos autoritários podem até destruir ou alienar muitos, mas não significa que serão todos. Testemunhamos então o protagonista se inserindo em uma sociedade clandestina, onde os apaixonados pelos livros decoram os mesmos para serem guardados em suas mentes. Feito isso, os livros são queimados para que o governo autoritário não consiga achá-los, mas suas histórias permaneceram a salvas nas mentes daquelas pessoas.
Curiosamente, há uma rápida cena em que Montag presencia a sua própria execução na televisão através das autoridades. Tanto essa passagem lida no livro, como também vista no filme, sintetiza o fato de que esses governos autoritários alimentam o povo através da mentira e fazendo com que os mesmos não se sintam mais satisfeitos só com a verdade, pois ela acaba não se tornando mais suficiente. Em tempos em que o Brasil e outros países que são governados pela extrema direita, da qual se alimenta através das fake news, essa cena revista hoje em dia tem um peso muito maior.
François Truffaut declarou certa vez que ficou decepcionado com a versão original do filme, pois não gostou de alguns diálogos em inglês. Truffaut declarou ainda que preferia a versão dublada em francês do filme, cuja tradução foi inclusive supervisionada por ele. Polêmicas à parte, tanto o livro como a sua versão cinematográfica faz de "Farenheit 451" uma obra obrigatória para ser vista e revista por todas as gerações e das quais precisam despertar da alienação imposta pelos seus próprios governantes que se acham os donos da verdade.

NOTA: O filme será revisto e analisado pela minha colega Tânia Cardoso em uma live pelo Instagram. Mais informações segue abaixo.  



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quinta-feira, 23 de julho de 2020

Cine Dica: O suspense brasileiro “Disforia” está no Amazon Prime


Sinopse: Dário sofre pela dificuldade em se recuperar de um acontecimento assustador de seu passado. Ao se aproximar da menina Sofia, as emoções e a culpa tomam conta da vida de Dário, a partir das sensações estranhas e perturbadoras que a menina causa nas pessoas ao seu redor. Atormentado, ele precisa encarar o passado e o mistério envolvendo a família de Sofia.
Confira o trailer clicando aqui.  
FICHA TÉCNICA:
Direção: Lucas Cassales
Empresa Produtora: Sofá Verde Filmes
Empresa co-produtora: Epifania Filmes
Roteiro: Lucas Cassales, Thiago Wodarski
Produção executiva: Mariana Mêmis Muller
Direção de produção: Martina Zanetello
Direção de fotografia: Arno Schuh
Montagem: Daniel Almeida
Direção de arte: Maurício Bispo, Richard Tavares
Som direto: Tomaz Borges
Desenho de Som: Tiago Bello
Trilha sonora original: Tiago Abrahão
Elenco: Rafael Sieg, Isabella Lima, Vinícius Ferreira, Juliana Wolkmer, Janaina Kremer, Ida Celina Weber

SOBRE A DISTRIBUIDORA – LANÇA FILMES:
A Lança é uma empresa distribuidora de conteúdo audiovisual. Trabalha em parceria com produtoras e exibidores. Entre seus títulos destacam-se: A Cidade dos Piratas (2019), Aventura em Miniatura (2019), Meditation Park (2019), Tamara (2019), Yonlu (2018), Entre-Laços (2018) e Sobre Viagens e Amores (2017).

Assessoria de Imprensa
Anna Luiza Muller
Marcela Salgueiro – marcela@primeiroplanocom.com.br
21 2266-0524 / 2286-3699
Twitter: @Primeiro_Plano /  Instagram: @Primeiroplanocom

quarta-feira, 22 de julho de 2020

Cine Dica: Durante a Quarentena Assista: 'ADÚ'

Sinopse: Adú conta a história comovente da busca de uma criança de seis anos para chegar à Europa depois de escapar da sua cidade nos Camarões, em África 

Embora superproduções americanas de grande alcance como, por exemplo, “Pantera Negra” (2018) toquem no assunto sobre os muros em volta que dividem o muro, isso acaba ainda não sendo o suficiente para que o assunto continue sendo debatido e estendido por um bom tempo. O que falta, talvez, seja uma obra que trate do tema sobre os imigrantes atuais de uma forma mais crua, mas que consiga dialogar com a massa que, infelizmente, se encontra alienada sobre o que acontece no mundo real em sua volta. “Adú” pode até ser considerado um filme romanceado por alguns, mas não foge de uma proposta mais crua e que devemos sim experimentá-la.
Dirigido pelo espanhol Salvador Calvo, o filme começa em Adú, numa cidade autônoma de Melilla no norte da África pertencente à Espanha. Um Guarda Civil chamado Mateo tem a tarefa de proteger o arame farpado que divide a cidade do resto da África, evitando a entrada de imigrantes. Coincidentemente, em uma reserva de Mbouma no Senegal, um consultor externo chamado Gonzalo deve impedir a matança de elefantes por caçadores ilegais, mas falha ao tentar salvar o mais importante da reserva. Com isso, o jovem Alika e seu irmão mais novo Adu são forçados a fugir de sua pequena cidade em Mbouma e precisam lidar com a perseguição por testemunharem acidentalmente o assassinato.
Embora o roteiro nos pregue coincidências, por vezes, demais ao longo da história, isso é contornado graças a sua proposta principal, ao falar sobre um mundo cada vez mais dividido, desumano e sugado por um sistema nenhum pouco socialista. O cenário miserável, por exemplo, é carregado de simbolismos do ocidente, onde marcas como a Coca Cola, ou celebridades do esporte, estão espalhados por todo o lugar, mas que se tornam meros enfeites de distração para alegrar aquele povo que vive da fome e guerras infinitas que perduram até hoje. Se a massa do restante do mundo sabe sobre assunto somente pela superfície, ao menos, isso acaba por então tendo um choque ao constatar que tem muito ainda a ser aprendido.
O pequeno protagonista Adú se torna o coração do filme, ao representar as milhares de crianças que fogem de suas terras para obter a felicidade do novo mundo, mas que dão de encontro com as regras de um sistema já a muito tempo viciado. Sua cruzada, aliás, é dolorosa, mas que não deixa de ser uma aventura a ser contada e que dificilmente uma pessoa do ocidente um dia irá experimenta-la. Se por um lado vemos Adú aprendendo logo cedo as dificuldades do mundo atual, por outro lado, temos os personagens do ocidente, que se inserem nesta realidade para ajudar, mas mal sabem sobre o verdadeiro significado da palavra.
Temos então Gonzalo (Luís Tosar) que tenta proteger os elefantes a todo custo, mas que desconhece as reais necessidades daquele povo. Ao mesmo tempo recebe a visita da filha Sandra (Anna Castilho), garota rebelde, alienada, mas que tenta compreender a realidade do pai que o fez ele se afastar de sua vida. Sandra, aliás, seria uma representação da massa branca do ocidente de vida vazia, que acredita ter problemas pessoais, mas mal sabendo o que é realmente passar por necessidades e descobrindo, mesmo que superficialmente, uma nova realidade.
O filme não veio somente para querer denunciar sobre os desleixos das autoridades do mundo sobre o que acontece em países em que os seus povos são obrigados a abandoná-los, como também é um retrato de pessoas comuns em busca de sua própria redenção em meio a esse cenário. Porém, o filme é falho na questão do guarda Mateo (Álvaro Servantes), que busca uma forma de se redimir por um ato falho no passado, mas cuja a solução vista no ato final acaba soando artificial, como se a intenção ali fosse fazer dele o homem branco salvador.
Porém, esse artificialismo logo é abandonado para dar lugar a um cenário que perdura até hoje e que, infelizmente, não terá um final tão cedo. Ao vermos o destino em aberto de Adú na reta final da trama, constatamos que não é somente para dele, como também de milhares de crianças que são jogadas nesta realidade sem muitas perspectivas para um futuro melhor. Tudo que nos resta é torcer para que, um dia, ocidente possa mudar o seu sistema com relação em ajudar essas pessoas desamparadas, mesmo quando esse milagre ainda possa parecer um tanto distante de nossa realidade.
Mesmo romanceado em alguns pontos, “Adú” é retrato cru de uma realidade em que a sociedade alienada gosta de ignorar, mas que é preciso um dia testemunhar. 

Onde Assistir: NETFLIX 

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terça-feira, 21 de julho de 2020

Cine Dica: XVI Fantaspoa será totalmente online e gratuito


O XVI Fantaspoa será realizado de forma totalmente online, na plataforma Darkflix (www.darkflix.com.br), e gratuita, entre os dias 24 de julho à 2 de agosto de 2020. 89 curtas e 48 longas-metragens serão disponibilizados ao público no Brasil com legendas em português, quando não falados nesta língua. Com obras advindas de mais de 35 países, o festival reforça sua missão de disponibilizar ao público um panorama representativo da produção fílmica mundial recente na seara do cinema fantástico. 
Mais informações sobre o festival acompanhem no site oficial clicando aqui. 

segunda-feira, 20 de julho de 2020

Cine Dica: Durante a Quarentena Assista: 'Lost Girls - Os Crimes de Long Island'

Sinopse: O drama sobre uma mãe desesperada para encontrar a sua filha desaparecida e que encontra resistência na polícia, que não se dedica com afinco a investigar o que aconteceu com ela.

Não é fácil para determinados documentaristas passar a experimentar novos rumos na carreira, como no caso, por exemplo, transitar para os filmes de ficção. Liz Garbus é uma ótima cineasta no ramo dos documentários, pois basta assistir ao "What Happened, Miss Simone?", baseado na vida da lendária cantora e ativista Nina Simone, para constatarmos isso. Ao fazer o seu primeiro filme de ficção, "Lost Girls - Os Crimes de Long Island" ela nos apresenta um filme com alguns defeitos, mas com uma carga bastante pesada e reflexiva sobre a realidade impune em que nós vivemos.
Baseado no livro do escritor e repórter Robert Kolker, o filme conta a história de Mari Gilbert (Amy Ryan), que está desesperada para encontrar sua filha, que desapareceu em Long Island. Com isso, ela acaba ajudando a polícia a descobrir diversos casos de assassinatos não resolvidos.
Tanto o livro como o filme são baseados nos casos reais dos assassinatos de jovens garotas que foram brutalmente assassinadas e cujas as histórias de cada uma renderia um material farto até mesmo para uma série documental. Ao invés disso, Liz Garbus opta por um longa-metragem de pouco mais de uma hora e meia e fazendo com que várias subtramas sobre as outras vítimas ficassem de fora. Se por um lado ficamos um tanto que frustrados ao imaginarmos sobre como teria sido melhor executado essas histórias neste outro formato, por outro lado, esse problema é contornado quando filme não se torna uma mera trama policial.
Ao invés disso, o filme gira em torno do drama da figura de Mari, de suas filhas e dos atos e consequências que elas obtiveram ao longo da vida. Mari, por exemplo, é a típica norte americana que se vira sozinha, mãe solteira e moldada pelo machismo atual que lhe cuspiram na cara. Amy Ryan, indicada ao Oscar pelo filme "Medo da Verdade" (2007), dá um show de interpretação ao carregar o filme nas costas, ao sintetizar a dor física e mental de uma mulher consciente dos seus erros, mas não permitindo que lhe pisem como um todo.
A sua presença em cena compensa a falta de experiência de Liz Garbus na direção deste tipo de obra, mesmo quando essa última se esforça em nos passar algo que nos faz pensar ao fim da sessão. Em resumo, é um filme sobre o universo das mulheres que tentam viver de forma independente, mas que sofrem nas mãos, tanto de homens criminosos, como também de homens da justiça incompetentes e que as tratam como lixo. O ato final não nos traz nenhum conforto, principalmente com relação ao destino de alguns personagens, mas não tinha como ser diferente.
"Lost Girls - Os Crimes de Long Island" é sobre casos criminais sem solução contra as mulheres e cujas as suas vozes não podem serem caladas pelo lado sombrio dos homens. 

Onde Assistir: Netflix. 

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domingo, 19 de julho de 2020

Cine Especial: 'Cinema Paradiso' - Paixão Imortal

Sinopse: O menino Toto se encanta pelo cinema e inicia uma grande amizade com o projecionista de sua pequena cidade. Já adulto e agora um cineasta bem-sucedido, Toto volta a lembrar de sua infância ao descobrir que seu velho amigo faleceu.

O cinema não vai morrer, não agora e talvez isso nunca venha acontecer. Mas aqui fala alguém que ama a sétima arte, que ama apreciar um belo filme ao lado de pessoas, mesmo quando essas sejam desconhecidas, pois não tem coisa melhor do que apreciar algo ao lado de alguém que tem o mesmo pensamento. Portanto trate de ficar com um pé atrás com relação ao que eu falo, pois sou suspeito, um amante do cinema e que vezes essa paixão cega.
A morte do cinema sempre esteve à espreita, talvez desde quando essa arte foi criada. Os seus criadores, os irmãos Lumière, não deram crédito a sua própria criação, veio então o cinema sonoro, cinema a cores, a televisão, vídeo cassette, DVD, Blu-Ray e, enfim, a Netflix. Tudo isso não foi o suficiente para matar o cinema, pois há um público sempre fiel para manter o seu coração pulsando e não permitindo que isso aconteça. Infelizmente vivemos a sombra do Coronavírus, o que obrigou vários cinemas a fecharem suas portas e fazendo com que muitos cinéfilos fiquem em prontidão pela retomada.
Será como antes? Difícil responder essa pergunta, mas o cinema sempre estará ali a nossa espera, pois a nossa história nos mostra que as artes prevalecem perante aos ventos da mudança, ou até mesmo da ignorância que nos cerca. O próprio cinema já lançou obras primas que são verdadeiras declarações de amor com relação a essa arte de contar histórias. Em um desses casos, o clássico do cinema italiano "Cinema Paradiso" (1988) é sem sombra de dúvida o exemplo mais genuíno.
Dirigido por Giuseppe Tornatore, do filme "Malena" (2001) o filme se passa nos anos que  antecederam a chegada da televisão em uma pequena cidade da Sicília, o garoto Toto (Salvatore Cascio) ficou hipnotizado pelo cinema local e iniciou uma amizade com Alfredo (Philippe Noiret), projecionista que se irritava com certa facilidade, mas tinha um enorme coração. Todos estes acontecimentos chegam em forma de lembrança quando Toto (Jacques Perrin), agora um cineasta de sucesso, recebe a notícia de que Alfredo faleceu.
Giuseppe Tornatore tinha a intenção de que esse filme fosse uma espécie de "obituário" dos cinemas tradicionais e da indústria cinematográfica em geral. Porém, após o sucesso do filme, ele nunca mais mencionou isso. E com razão, pois o filme não é sobre a extinção sobre o cinema, mas sim como a sua magia prevalece através das memórias daqueles que sempre apreciaram a sétima arte. O pequeno Toto é uma espécie de representação de todo o cinéfilo que cresceu e levou essa paixão consigo, mesmo quando os ventos da mudança vem para destruir tudo.
O filme fala sobre a magia da infância, sobre épocas mais douradas, mas dando lugar ao amadurecimento, paixões não correspondidas e sobre os dilemas que o passado nos ensina. A relação de amor e amizade de  Toto com o projecionista Alfredo é o coração pulsante do filme e é através dele que a sala de cinema vista no filme ganha vida a cada projeção vista na tela. Não deixa de ser apaixonante ver diversos clássicos na tela servindo, tanto como ingredientes crucias dentro da trama, como também símbolos que nos provoca pura nostalgia.
Nostalgia, aliás, que se torna o motor que move em diversos momentos do filme, principalmente quando a trilha sonora composta pelo mestre  Ennio Morricone dispara em nossos ouvidos e fazendo a gente se emocionar como um todo. Assim como no clássico "Era Uma Vez no Oeste" (1968) a sua trilha sonora nos passa a sensação sobre o começo do fim das coisas, sobre a morte e o nascimento de uma nova ideia. No ato final do filme nós sentimos na pele a morte do cenário principal da trama, mas ficamos aliviados quando no epílogo constatamos que as nossas memórias pela sétima arte jamais serão destruídas.
Curiosamente, eu havia comprado esse filme em DVD anos atrás, mas havia colocado na minha prateleira particular e me esquecendo então de assistir. Foi então que o mestre  Ennio Morricone veio a falecer dias atrás e decidi assistir aos filmes que ele havia composto as suas trilhas sonoras. Devo agradecer a mim mesmo pelo meu desleixo, pois se eu tivesse assistido a esse filme antes, talvez, não teria o mesmo impacto.
Assistir "Cinema Paradiso"  agora, em um momento em que todos os cinemas se encontram fechados, faz ele ser mais atual do que nunca, mesmo quando o maior vilão contra essa arte seja bem diferente do que foi visto nos anos oitenta. Eu chorei junto com o protagonista, pois amor talvez seja a única forma de manter essa nossa paixão intacta e desfrutar futuramente ao lado de várias pessoas que sentem essa mesma sensação boa. "Cinema Paradiso" é uma declaração de amor a todos cinéfilos e que desejam sempre que as salas de cinema sobrevivam mesmo em tempos nebulosos que nos assombram.  

Onde Assistir: Em DVD e Google Play Filmes. 

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sexta-feira, 17 de julho de 2020

Cine Dica: Festival de Cinema de Gramado se reinventa e apresenta 48ª edição on-line

Mostras competitivas serão exibidas no Canal Brasil.

Após anunciar a mudança de data de agosto para setembro, o 48º Festival de Cinema de Gramado se reinventa. O evento programa para este ano uma edição on-line e com exibição no Canal Brasil. A decisão, mesmo exigindo adaptações e novas regras, parte do entendimento de que é necessário manter a realização, mas de forma segura, diante do cenário de pandemia, e como importante janela para o setor audiovisual, já bastante impactado. “Até aqui, foram 47 edições apoiando a produção nacional, mesmo nos momentos mais difíceis, desde a valorização dos curtas, escola e porta de entrada para grandes cineastas. Mais do que nunca, é hora de honrarmos a nossa tradição e mantermos a cooperação e parceria com realizadores. Além disso, o modelo é totalmente inovador, inédito no país. É mais um desafio para Gramado, no ano em que temos novos curadores (Pedro Bial e Soledad Villamil, que passam a compor a curadoria ao lado de Marcos Santuario), equipe reduzida e patrocinadores afastados, no momento. Nosso compromisso é inovar e evoluir”, avalia o gerente de projetos da Gramadotur, autarquia municipal responsável pela realização do Festival, Diego Scariot.
Vale salientar que o Festival de Cinema de Gramado e a cidade de Gramado sempre mantiveram uma relação estreita com o audiovisual brasileiro. “É um compromisso assumido pelo Festival ao longo de sua história, entendemos que realizar essa edição com tantos e novos desafios é uma responsabilidade que devemos levar adiante, ainda mais considerando o difícil momento vivido pelo segmento já antes da pandemia e que só se agravou no atual cenário”, complementa Diego.
Para viabilizar o novo formato, a organização buscou a parceria do Canal Brasil, como exibidor das Mostras Competitivas - longas-metragens brasileiros e estrangeiros e curtas-metragens brasileiros. Além da exibição inédita, o Canal mantém sua cobertura jornalística e a transmissão ao vivo da cerimônia de premiação. O conteúdo terá espaço no canal de tv por assinatura, disponível pelas principais operadoras de TV por assinatura do país. Os conteúdos, incluindo o Prêmio Assembleia Legislativa de Cinema – Mostra Gaúcha de Curtas, ficarão ainda disponíveis por 24h também no Canal Brasil Play, transmitido via streaming.
"O Canal Brasil sempre esteve com o Festival de Gramado, não só fazendo a cobertura jornalística e oferecendo o Prêmio Canal Brasil, como transmitindo ao vivo para todo o país a cerimônia de premiação. Ficamos muito felizes quando o Festival nos procurou propondo este formato e será uma honra poder levar para o público a programação da 48ª edição. Vamos escrever juntos mais esse capítulo da nossa parceria. Vida longa ao Festival de Gramado", diz Carlos Wanderley, gerente de produção do Canal Brasil.
A cerimônia de premiação deve acontecer no palco do Palácio do Festivais, em formato que atenda todos os protocolos de segurança à disposição em setembro.
“Entendemos que na mesma medida do nosso desafio, essa é também uma grande oportunidade de expandirmos o alcance do Festival. Estamos muito felizes em levar produções incríveis e inéditas para todo o Brasil. É uma maneira de democratizar o evento. Sabemos que vamos retomar nosso formato presencial, com público na cidade, mas por agora, levar uma programação tão valiosa para um número sem limite de pessoas têm nos empolgado muito. Vamos realizar e mais uma vez fazer história na trajetória do evento que já enfrentou com sucesso tantas outras crises”, comenta a diretora de eventos da Gramadotur, Iara Sartori.
A relação do Canal Brasil com o Festival de Gramado começou antes mesmo do canal ir ao ar pela primeira vez, há 22 anos. Foi em Gramado que, em 1998, aconteceu o primeiro Prêmio Aquisição Canal Brasil de Curtas-Metragens – que em 2013 passou a se chamar Prêmio Canal Brasil de Curtas. Os 10 filmes premiados foram exibidos na primeira seleção da faixa “Curta na Tela”. Desde então, o canal esteve presente em todas as edições do Festival, seja com o Prêmio Canal Brasil de Curtas, seja como coprodutor de filmes - já que é o principal coprodutor de cinema brasileiro da América Latina, com 333 longas-metragens coproduzidos em uma década -, e ainda através da cobertura jornalística e da transmissão ao vivo em rede nacional da cerimônia de encerramento do festival. O cinema brasileiro é parte expressiva do DNA do Canal Brasil, que já exibiu mais de 5 mil filmes, entre longas e curtas-metragens, além de diversos programas que abordam o tema e suas infinidades.
Inscrições para longas gaúchos iniciam nesta sexta, 17
As inscrições para a mostra competitiva de Longa-metragem Gaúcho (LMG) iniciam nesta sexta-feira, 17, e seguem até o dia 29. Com intuito de valorizar a produção do Rio Grande do Sul, o Festival de Cinema de Gramado promove desde 2018 a mostra exclusiva para títulos regionais. Os interessados devem acessar o site http://www.festivaldegramado.net/

Assessoria de Imprensa:
Pauta – Conexão e Conteúdo | (51) 99992-7654 | (54)99950-2615 https://pautaassessoria.com.br/
Vera Carneiro | vera@pautaassessoria.com.br
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Gramado, 16 de julho de 2020.

Cine Dica: Clássicos do terror compõem mostra online da Sala Redenção pelas próximas semanas


Contando com quatro longas de terror que marcam suas épocas, Mistérios da Meia-Noite é o novo ciclo online da Sala Redenção pelas próximas duas semanas. A primeira parte da mostra é construída com filmes que estão gratuitamente disponíveis no site The Internet Archive, e vai até a próxima sexta-feira (17/07), encerrando com um debate virtual.


MISTÉRIOS DA MEIA-NOITE

Como uma celebração dos cantos escuros da alma, a Sala Redenção, de 10 a 17 de Julho de 2020, apresenta a mostra Mistérios da Meia-Noite, com uma curadoria formada por quatro produções que de certa forma nos mostram o potencial do terror como gênero cinematográfico. Seja ao refletir os nossos medos coletivos como sociedade ou apenas construindo uma atmosfera angustiante que suga o espectador para dentro dessa aventura macabra, o cinema de terror fala não através de palavras, mas através de uma ambientação, explorando seus temas a um nível quase primitivo.
Os filmes disponíveis nesta mostra estão disponíveis no Internet Archive, um acervo digital de conteúdos gratuitos liberados para acesso livre e aberto, composto por livros, filmes, discos e milhões de outros materiais que estão em domínio público.Comecemos com A Casa dos Maus Espíritos, de 1959, dirigido por William Castle. Com o Mestre do Macabro Vincent Price no papel de um milionário excêntrico que convida cinco pessoas para uma festa assombrada, prometendo 10 mil dólares a quem sobrevivesse a uma noite na casa. Se esforçando ao máximo para não ser levado a sério, é uma amálgama de efeitos práticos retirados de atrações de circo, onde somos surpreendidos e cativados a cada truque e trapaça.
Angustiante é um bom termo para descrever o segundo filme da mostra, O Parque Macabro. Envolto em uma atmosfera de estranhamento, vemos a protagonista, recém chegada a uma nova cidade para assumir “só um emprego…” como organista de igreja, literalmente incomunicável com os locais, totalmente desconectada de sua realidade. Produzido de forma independente pela equipe de uma produtora de vídeos educativos, esse filme assombra e desorienta, continuando com o espectador por um bom tempo depois de terminados os créditos.
A Noite dos Mortos-Vivos dispensa introduções: essa obra-prima de George Romero está, por bem ou por mal, impressa na história cultural de nossos tempos, inspirando incontáveis obras, tanto dignas quanto profanas. Independentemente de sua influência na cultura pop, é um filme reflexivo, um retrato levemente distorcido da nossa realidade, levado a seu extremo, onde é explorado o limite da sociedade e os horrores provocados – por humanos vivos, diga-se de passagem – em resposta a uma crise.
Finalizando esse percurso, temos Hausu, um festival psicodélico de horrores do outro lado do mundo. É um caleidoscópio formado por imagens alegóricas e subconscientes desenvolvidas pelo diretor em parceria com a sua filha pequena, antigas lendas e monstros folclóricos japoneses, construído a partir de uma constante experimentação, propositalmente surreal. Uma experiência tanto bizarra quanto impressionante.

Texto: Vitor Cunha, bolsista na Sala Redenção e curador da mostra.
Confira a programação online da sala no site oficial clicando aqui.