Cine Dica: Em Cartaz – 'A Odisseia'

Sinopse: "A Odisseia" acompanha Odisseu (Matt Damon) em sua jornada de 20 anos para retornar à ilha de Ítaca após a Guerra de Troia.

A primeira vez que ouvi a palavra verossimilhança foi na edição especial do DVD do clássico "Superman" (1978), de Richard Donner. Verossimilhança é a característica daquilo que parece verdadeiro, que é crível ou semelhante à realidade. Donner usou essa palavra como guia durante as filmagens para nos fazer crer que um homem poderia voar — mesmo em uma época na qual as técnicas de efeitos visuais tinham limitações severas.

Talvez essa palavra seja também a que melhor define o talento de Christopher Nolan ao abraçar projetos em que realidade e ficção estão separadas por uma linha tênue. Na trilogia "O Cavaleiro das Trevas" (2005–2012), ele reconstruiu do zero a imagem de um ícone da cultura pop e nos fez acreditar que um homem poderia, sim, vestir-se de morcego para combater o crime em uma cidade em decadência. Em "A Origem" (2010), a viagem pelos sonhos parecia crível; o mesmo aconteceu com a exploração espacial em busca da salvação da humanidade em "Interstellar" (2014).

"Oppenheimer" (2023) foi a prova definitiva de que o realizador sabia como ninguém atrair multidões: afinal, quem imaginaria que um drama de três horas sobre o pai da bomba atômica arrebataria até os mais céticos? Parecia que Nolan havia atingido o teto, provocando o questionamento se seria capaz de superar a si mesmo. A resposta vem com força avassaladora em "A Odisseia" (2026), espetáculo baseado em um dos maiores clássicos da literatura ocidental e que certamente será lembrado por muito tempo.

Inspirado no poema épico atribuído a Homero, o filme narra as provações do herói grego Odisseu (Matt Damon) para retornar ao lar após a queda de Troia, onde sua esposa Penélope (Anne Hathaway) o aguarda. Em seu percurso, o rei de Ítaca enfrenta deuses e criaturas míticas, cruzando o caminho do Ciclope Polifemo, das Sereias e da feiticeira Circe.

Quem acompanha a filmografia de Nolan sabe que o diretor evita ao máximo o uso de efeitos digitais, priorizando os efeitos práticos do cinema tradicional. Imaginar um épico mitológico sem o uso massivo de CGI parecia impensável — mas não para um cineasta cujo perfeccionismo faz o impossível ganhar sentido. Visualmente, o filme é um espetáculo em que o fantástico adquire contornos tão realistas que nos faz crer que gigantes realmente pisaram na Terra.

Se resta alguma dúvida, basta aguardar a sequência em que Odisseu e seus soldados adentram a caverna do Ciclope Polifemo — criação que se posiciona desde já entre os maiores feitos técnicos da carreira do diretor. É um ponto de encontro perfeito entre ação e horror, no qual a figura monstruosa emerge das sombras e nos faz perguntar como Nolan alcançou tal nível de realismo. Aqui, a verossimilhança não é apenas um conceito, mas o motor de toda a narrativa.

Além da passagem marcante pela ilha do Ciclope, Nolan surpreende na sequência em que os soldados caem nas garras da feiticeira Circe. A atmosfera se torna angustiante pelo uso exemplar de maquiagem tradicional e efeitos práticos. Vale destacar a atuação de Samantha Morton, que entrega um show em tela mesmo com pouco tempo de cena, provando que um grande talento aliado a uma direção precisa faz toda a diferença.

Aliás, cabe ressaltar a força do elenco estrelado. Nomes como Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong'o, Zendaya, Charlize Theron, Jon Bernthal e Elliot Page interpretam figuras cruciais para a jornada de Odisseu. Mesmo nas participações mais breves, a presença em cena é marcante. O grande destaque, contudo, vai para Matt Damon. Sem se intimidar com o peso do personagem já adaptado inúmeras vezes, ele entrega um Odisseu visceral, humano e profundamente falho.

Ao reconhecer seu papel central na destruição de Troia, o protagonista passa a carregar um fardo sufocante. Sua caminhada parece menos uma luta pelo regresso e mais a busca por um castigo autopromovido — interpretação que ganha força na hipnotizante cena do canto das Sereias. Esse sentimento de culpa também torna enigmática a figura de Atena (Zendaya). Nolan constrói os deuses de forma ambígua, aproximando-se do tom adotado por Wolfgang Petersen em "Troia" (2004): fica a dúvida se são os deuses que guiam o destino do herói ou se são as próprias ações de Odisseu que moldam sua punição.

Desde "Amnésia" (2000), nota-se a predileção do cineasta por personagens atormentados pelo passado, cuja busca por redenção raramente atinge um desfecho pleno. Odisseu guarda conexões diretas com "Oppenheimer": o Cavalo de Troia trouxe morte e devastação, tornando-se o fantasma que o assombra. Nolan sugere, assim, que os perigos da jornada não são meros acasos do destino, mas provações arquitetadas pelo próprio íntimo do herói para que ele se torne merecedor do retorno ao lar.

Esse tom psicológico é elevado pela trilha sonora de Ludwig Göransson, que constrói a tensão de forma progressiva. A música nos guia pela aflição do protagonista; metade da grandeza de sequências como o ataque a Troia deve-se ao casamento perfeito entre a composição épica e a precisão técnica da direção.

A invasão de Troia também serve como ponto de ancoragem para a estrutura não linear do filme. Nolan vai e volta no tempo, montando um quebra-cabeça entre o passado e o presente do rei de Ítaca. Embora a montagem possa soar um pouco confusa em um primeiro momento, tudo se encaixa com precisão à medida que a jornada se aproxima do clímax.

No fim das contas, parece que Christopher Nolan aborda cada projeto como se fosse o seu último, ao mesmo tempo em que o utiliza como laboratório para o passo seguinte. "Dunkirk" (2017) pavimentou o caminho para "Tenet" (2020), que por sua vez abriu portas para "Oppenheimer" (2023) — culminando agora no que talvez seja o ápice de sua carreira em termos de escala, realismo e rigor estético.

Apoiado por uma direção de arte impecável, figurinos precisos e uma fotografia deslumbrante, "A Odisseia" é um triunfo cinematográfico. Um encontro raro entre a fantasia mitológica e o rigor da verossimilhança que apenas um cineasta no topo de seu domínio criativo poderia entregar.

  Faça parte:

 

Mais informações através das redes sociais:

E-mail: ccpa1948@gmail.com

Facebook: www.facebook.co m/ccpa1948

twitter: @ccpa1948 

Cine Dica: Fronteiras do Documentário

 INSCRIÇÕES ABERTAS

Curso

FRONTEIRAS DO DOCUMENTÁRIO:

SEXO, IMAGEM E VERDADE

de Luciana Tubello

* Datas: 15 e 16 / Agosto (sábado e domingo)

* Local: Cinemateca Capitólio (Rua Demétrio Ribeiro, 1085 - Centro - Porto Alegre - RS)

* Horário: 14h30 às 17h30

Apresentação

Na contemporaneidade, as redes sociais, as práticas audiovisuais experimentais e as produções documentais tornaram-se palcos centrais para a expressão da identidade. Multiplicam-se, hoje, os gestos de exposição de si que atravessam diretamente o corpo e o desejo. Investigar o cinema documentário contemporâneo sob essa ótica exige compreendê-lo não apenas como um registro passivo da realidade, mas como uma prática poderosa de produção de subjetividade.

Objetivos

O curso Fronteiras do Documentário: Sexo, Imagem e Verdade, ministrado por Luciana Tubello, propõe abordar o documentário contemporâneo a partir das relações entre sexo, imagem e regimes de verdade no audiovisual, tensionando as concepções tradicionais do gênero como mera representação do real.

Ministrante: Luciana Tubello

Mestra em Educação pela UFRGS com nas áreas de cinema, educação e formação de públicos. Assistente de produção executiva do projeto RodaCine, voltado à difusão do audiovisual, e responsável pela curadoria e produção da Sessão Quintaninha, dedicada ao público escolar e integrada à programação da Cinemateca Paulo Amorim. Desenvolveu projetos de formação e produção audiovisual com financiamento do Pró-Cultura RS FAC. Atualmente, pesquisa as relações entre sexo, imagem e constituição do sujeito no documentário contemporâneo.

Informações / Inscrições

https://cinemacineum.blogspot.com/2026/07/fronteiras-do-documentario.html

Cine Dica: Próximo Cine Debate – 'Risa e o Telefone do Vento'

Sinopse: Após o desaparecimento do pai, Risa, de 10 anos, descobre um telefone quebrado que lhe dá a chance de falar com os mortos.

Filmes sobre a vida pós-morte já não são nenhuma novidade no decorrer da história do cinema. Se por um lado o cinema norte-americano tem o seu clássico "Ghost: Do Outro Lado da Vida" (1990), por outro, o próprio cinema brasileiro explorou o assunto com força no início dos anos 2010, como nos casos de "Chico Xavier" (2010) e "Nosso Lar" (2010). Diante disso, "Risa e o Telefone do Vento" (2026) surge como uma singela e sensível história sobre o poder da inocência perante um tema, por vezes, inexplicável.

Dirigido por Juan Cabral, o longa acompanha a pequena Risa, que perdeu o pai quando ainda era muito nova. A sua rotina muda quando ela encontra uma cabine telefônica isolada, através da qual consegue conversar com as vítimas de um incêndio na cidade. Esses espíritos desejam passar mensagens finais para os seus entes queridos que ainda estão vivos, e essa comunicação inesperada fará a protagonista encarar uma realidade que ela nunca imaginou ser possível.

Embora o filme tivesse todos os elementos para ser rodado de forma convencional, é fascinante observar como Juan Cabral constrói as cenas com um rigor quase perfeccionista. Cada ação e reação dos personagens carrega um subtexto, assim como certos objetos repletos de simbolismo que surgem no decorrer do enredo. A cidade onde os eventos ocorrem parece semi-morta, habitada por sobreviventes que se mantêm abraçados à esperança gerada pela cabine telefônica — o que acaba despertando a atenção da pequena protagonista. O filme prende o espectador pelo óbvio, mas alinha a narrativa a elementos imprevisíveis e às reais facetas das personagens principais.

Neste quesito, talvez o melhor exemplo seja o próprio Esteban, interpretado brilhantemente por Diego Peretti. Apresentado inicialmente como uma figura duvidosa, ele logo revela a sua verdadeira essência à medida que passa a se importar com Risa e com aquilo em que ela acredita. O seu visual, inclusive, remete fortemente ao inesquecível Harry Dean Stanton no clássico "Paris, Texas" (1984); em comum, ambos os personagens buscam a redenção através da inocência de uma criança.

O roteiro não se preocupa em dar uma explicação lógica ou plausível para o fenômeno, mas, ao mesmo tempo, tudo soa verossímil. A escolha de não utilizar efeitos visuais mirabolantes para moldar o teor fantástico fortalece a obra, deixando o foco na ideia primordial que movimenta as relações humanas. É interessante notar que este longa argentino estreia em um momento delicado, no qual a cultura do país vizinho enfrenta o sucateamento sob o governo Milei. A produção, portanto, torna-se um belo exemplo de que a criatividade faz toda a diferença, mesmo diante da escassez de recursos.

Em suma, "Risa e o Telefone do Vento" é um longa tocante em que o realismo e o gênero fantástico se alinham perfeitamente. Uma obra que ensina que a empatia e a prática do bem fazem toda a diferença, conduzindo os personagens centrais rumo a uma necessária e bela redenção.

  Faça parte:

 

Mais informações através das redes sociais:

E-mail: ccpa1948@gmail.com

Facebook: www.facebook.co m/ccpa1948

twitter: @ccpa1948 

Cine Dica: Próxima Sessão Cineclube Torres - "Entre dois mundos"

 Sessão do Cineclube Torres de segunda-feira, dia 20 às 20h, com o filme francês "Entre dois mundos" (2025) de Emmanuel Carrère.

Segue o ciclo de filmes de julho com protagonistas femininas ligadas a trabalhos de limpeza e faxinas, na Sala Audiovisual Gilda e Leonardo. Uma renomada escritora francesa chamada Marianne Winckler (Juliette Binoche) decide se infiltrar por seis meses no mundo do trabalho precarizado, em barcos de passageiros, com a intenção de registrar e investigar as condições da classe trabalhadora. O longa do diretor e escritor Emmanuel Carrère é uma adaptação do livro de não ficção "A Faxineira" da jornalista francesa Florence Aubenas, que realmente se infiltrou como trabalhadora temporária para investigar a insegurança econômica do setor.

No filme, prêmio do Público de Melhor Filme Europeu no prestigiado Festival de San Sebastián, Juliete Binoche brilha no papel da protagonista contracenando com reais mulheres trabalhadoras do serviço de limpeza nos barcos de travessia do canal da Mancha. "O longa cumpre com competência o papel de provocar um olhar mais atento e crítico sobre realidades muitas vezes invisibilizadas, sendo especialmente relevante para suscitar debates sobre os limites da representação, da ética jornalística e da exploração estética da miséria alheia." (Ângelo Cordeiro, Rolling Stone)

A sessão é realizada na Sala Audiovisual Gilda e Leonardo, na rua Pedro Cincinato Borges 420, em parceria com a Up Idiomas Torres e com entrada franca até a lotação do espaço. Segue entretanto a 3a Mostra de Arte, na Galeria Ten Caten, com uma amostra dos mais de 100 cartazes elaborados para as atividades do Cineclube Torres; a visitação da mostra, que apresenta obras de varios artistas, ocorre aos sábados e domingos, das 14 às 18h, 

O Cineclube Torres é uma associação sem fins lucrativos, em atividade desde 2011; Ponto de Cultura certificado pela Lei Cultura Viva federal e estadual; Ponto de Memória pelo IBRAM; Biblioteca Comunitária no Mapa da Cultura, Sala de Espetáculos e Equipamento de Animação Turística certificada pelo Ministério do Turismo (Cadastur); Selo Destaque no Turismo da Georrota Cânions do Sul.

Serviço: 

O que: Exibição do filme "Entre Dois Mundos" (2021) de Emmanuel Carrère (França)

Onde: Sala Audiovisual Gilda e Leonardo, junto à escola Up Idiomas, Rua Cincinato Borges 420, Torres

Quando: Segunda-feira, 20/7, às 20h

Ingressos: Entrada Franca, até lotação do local (aprox. 22 pessoas).

Cineclube Torres

Associação sem fins lucrativos

Ponto de Cultura – Lei Federal e Estadual Cultura Viva

Ponto de Memória – Instituto Brasileiro de Museus

Sala de Espetáculos e Equipamento de Animação Turística - Cadastur

CNPJ 15.324.175/0001-21

Registro ANCINE n. 33764

Produtor Cultural Estadual n. 4917

Cine Especial: Clube de Cinema - 'Uma Mulher Sob Influência'

 Nota: Filme exibido para os associados no último dia 12/07/26.

Há quem diga que a Nova Hollywood se iniciou a partir de filmes como "Bonnie e Clyde" (1967) e "Sem Destino" (1969). O primeiro, por sua vez, foi dirigido por Arthur Penn, que já havia dado sinais de como seria o novo cinema norte-americano através de obras realistas como "O Milagre de Anne Sullivan" (1962) — um filme que me chocou pelo realismo e pela entrega absoluta do elenco. No centro dessa metamorfose pela qual o cinema dos Estados Unidos passava, um nome curioso chamava a atenção: John Cassavetes.

Sinceramente, só fui conhecê-lo primeiro como ator, em produções como "O Bebê de Rosemary" (1968), mas ele era também diretor, produtor e roteirista do cinema independente. Mesmo com pouco dinheiro no bolso, realizou obras que se destacavam pela ousadia e que escancaravam a realidade nua e crua da época, como no caso de "Faces" (1968). Porém, sem sombra de dúvida, "Uma Mulher Sob Influência" (1974) é a sua maior obra-prima.

Na trama, Nick Longhetti (Peter Falk) está sobrecarregado devido ao seu trabalho braçal em um estaleiro. Sua esposa, Mabel (Gena Rowlands), passa por uma fase difícil, vivendo em constante desequilíbrio emocional, o que a leva a uma profunda crise. Quando os filhos começam a ser afetados pelo estado de Mabel, Nick se vê obrigado a hospitalizá-la, o que o força a assumir sozinho o controle do lar.

Isso é apenas um resumo da potência da obra. John Cassavetes constrói um filme com um teor quase documental, principalmente na cena de abertura, onde vemos os operários no estaleiro, o que nos dá a dimensão do peso daquele tipo de trabalho. Ao mesmo tempo, a vida de dona de casa de Mabel também não é nada fácil: ela tenta cuidar ao máximo dos filhos, mas não esconde a frustração do dia a dia e a solidão por não ter o marido por perto da maneira como desejaria. Mabel é a representação da mulher em uma época de transição; ao não se sentir satisfeita, sai à noite com outro homem, mas depois não sabe ao certo como administrar as consequências de seu ato.

Nick, por sua vez, é o típico marido de uma geração patriarcal, que procura mandar e desmandar perante a esposa, o que não significa que ele seja de todo mau. Lembramos que é o início dos anos setenta, época em que era comum as mulheres ficarem restritas ao lar cuidando da família. Portanto, quando ocorrem as mudanças de comportamento de uma geração que não quer mais se esconder atrás da propaganda dos bons costumes, há uma colisão que deixa todos com os nervos à flor da pele. Sentimos raiva, mas ao mesmo tempo pena de Nick ao vê-lo fracassar na tentativa de encontrar uma fórmula para trazer o equilíbrio de volta à esposa — sendo que a própria Mabel quer apenas se expressar à sua maneira, mas não consegue achar o tom exato para agradar o marido.

O longa nos brinda com momentos que geram uma tensão similar à que sentimos quando assistimos a um filme de suspense, mesmo sendo um drama urbano. É o realismo cru que faz toda a diferença. O primeiro grande momento de tensão é, sem dúvida, quando Nick convida seus colegas de trabalho para almoçar em sua casa; o que começa como um encontro descontraído logo caminha para a pura explosão. Tudo é filmado de forma que possamos captar cada microexpressão que os intérpretes estão nos passando, simbolizando que algo está prestes a sair totalmente do controle.

Esses momentos nos passam a nítida impressão de que tudo foi improvisado, como se o realizador apenas ligasse a câmera para ver como os atores reagiriam ao que estava escrito no roteiro. Em determinado instante, por exemplo, surgem planos-sequência que parecem decididos na hora, como se o cineasta não esperasse que os atores saíssem do cenário, mas aproveitasse o imprevisto como a ação que ele tanto buscava. Uma maneira brilhante de elaborar a transição entre a ficção e o lado documental de se filmar uma história.

Casada com o diretor na época, a atriz Gena Rowlands nos brinda com o que talvez seja o melhor trabalho de sua carreira. Sua Mabel é uma força da natureza enjaulada não somente entre quatro paredes, mas perante um sistema de regras conservador de uma época em que a moral e os bons costumes já não podiam mais ser sustentados por contos de fadas ultrapassados. O desequilíbrio da personagem funciona como uma síntese de uma nova geração de mulheres que ansiavam para sair do casulo de uma vez por todas e dizer "não" a esse sistema.

Já Peter Falk constrói um personagem que procura, a todo custo, manter a sanidade e a estrutura familiar, mesmo quando coloca em prática métodos politicamente incorretos e que hoje seriam intoleráveis. Em um determinado momento, notamos o seu olhar perder o foco em meio ao turbilhão de emoções, procurando achar dentro de si uma doçura que ele raramente exercita. Por isso, as cenas em que ele precisa conviver mais intimamente com os filhos são louváveis, ainda que vistas hoje por um olhar questionador e crítico.

Acima de tudo, é um filme que retrata não somente as mudanças de costumes de uma geração, mas também o declínio moral de uma família cujos segredos desconstroem a vida de cada um. Embora algumas revelações nunca sejam verbalizadas, fica evidente que certas cicatrizes emocionais nunca fecham, fazendo com que o desgaste siga em frente mesmo quando se alcança alguns minutos de cessar-fogo. Ao final, John Cassavetes procura nos entregar um desfecho um pouco mais reconfortante, mas sem esconder que aquele cenário familiar dificilmente encontrará o equilíbrio necessário.

"Uma Mulher Sob Influência" é uma obra-prima, um retrato fiel de seu tempo e a prova de que, ao menos em alguns pontos, a humanidade evoluiu se compararmos os dias de hoje àqueles tempos já longínquos.

  Faça parte:

 

Mais informações através das redes sociais:

E-mail: ccpa1948@gmail.com

Facebook: www.facebook.co m/ccpa1948

twitter: @ccpa1948 

Cine Dica: Clube de Cinema: "Criadas" (18/07) no Cine Bancários

Neste sábado (18/07), o encontro do Clube de Cinema de Porto Alegre será no Cine Bancários, às 10h15 da manhã, onde exibiremos o recente longa-metragem brasileiro Criadas, dirigido por Carol Rodrigues. Partindo do reencontro entre duas primas marcadas por trajetórias muito distintas, o filme investiga como o racismo estrutural e a herança escravocrata atravessam as relações familiares e persistem na memória, combinando drama psicológico e elementos de realismo fantástico para abordar questões ainda profundamente presentes na sociedade brasileira.

Confira os detalhes da sessão:

SESSÃO DE SÁBADO NO CLUBE DE CINEMA

📅 Data: Sábado, 18/07, às 10h15 da manhã

📍 Local: Cine Bancários

Rua General Câmara, 424 – Centro Histórico – Porto Alegre

Criadas

Brasil, 2025, 105min

Direção e roteiro: Carol Rodrigues

Elenco: Ana Flavia Cavalcanti, Mawusi Tulani, Sarito Rodrigues

Sinopse: Ao retornar à casa onde cresceu para procurar fotografias de sua mãe, uma antiga empregada doméstica, Sandra reencontra a prima Mariana. O convívio faz ressurgir lembranças da infância e revela marcas deixadas pelo racismo, pelos silêncios familiares e pelas desigualdades que moldaram a vida das duas.

  Faça parte:

 

Mais informações através das redes sociais:

E-mail: ccpa1948@gmail.com

Facebook: www.facebook.co m/ccpa1948

twitter: @ccpa1948 

Cine Dica: Cinesemana de 16 a 22 de julho de 2026

A programação da cinesemana de 16 a 22 de julho apresenta uma estreia e um relançamento em nossas salas. A estreia é do longa-metragem francês A DIVINA SARAH BERNHARDT, em que Sandrine Kiberlain dá vida a uma das maiores atrizes de todos os tempos. A reestreia marca o retorno do clássico brasileiro XICA DA SILVA aos cinemas, em comemoração aos seus 50 anos de lançamento.

Segue em cartaz o elogiado O CONVITE, filme dirigido e protagonizado por Olivia Wilde e que coloca em cena dois casais que discutem as relações. Outros filmes que continuam na programação são o belíssimo PRIMAVERA, primeiro longa-metragem do diretor de óperas.

Damiano Michieletto, e UMA INFÂNCIA ALEMÃ, em que o cineasta Fatih Akin mostra as consequências da guerra a partir do olhar de um menino de 12 anos.Também seguem com horários à tarde dois filmes baseados na vida e obra de grandes autores. FRANZ é uma elogiada produção da polonesa Agnieszka Holland sobre o escritor Franz Kafka, enquanto FANON destaca o trabalho do psiquiatra Franz Fanon na Argélia. Esta é a última semana para conferir o longa brasileiro HERANÇA DE NARCISA, produção de gênero que competiu no Fantaspoa e tem a assinatura de Clarissa Appelt e Daniel Dias, e o filme belga NÓS ACREDITAMOS EM VOCÊS, drama de tribunal assinado por Charlotte Devillers e Arnaud Dufeys.

Confira a programação completa no site oficial da cinemateca clicando aqui.