Cine Dica: Em Cartaz – 'Coyote vs. Acme'

Sinopse: Após os produtos da Acme falharem vezes demais em sua incansável perseguição ao Papa-Léguas, Wile E. Coyote decide contratar um advogado de porta de cadeia para processar a Acme Corporation.

"Uma Cilada Para Roger Rabbit" (1988) ainda é a maior referência quando se trata da interação entre atores reais e animação, sendo apontado por muitos como a obra-prima desse subgênero. Houve, claro, boas tentativas posteriores — como o ótimo "Tico e Teco: Defensores da Lei" (2022) —, mas sem atingir o patamar de perfeição alcançado pela obra de Robert Zemeckis. Eis que surge "Coyote vs. Acme" (2026), um longa que, embora não atinja esse estado de perfeição, diverte com inteligência e nos brinda com ótimas doses de reflexão.

Dirigido por Dave Green, o filme nos reapresenta a Wile E. Coyote no deserto, obstinado como sempre em capturar o Papa-Léguas. Contudo, ao se dar conta de que todos os aparatos da ACME Corporation falham sistematicamente, ele decide ir à cidade para processar a empresa. Ao contratar o advogado Kevin Avery (Will Forte), ambos logo percebem que enfrentar um gigante corporativo está longe de ser uma tarefa simples.

Chuck Jones foi, sem sombra de dúvida, o maior gênio por trás do enorme sucesso dos Looney Tunes na Era de Ouro da animação, quando os curtas eram exibidos nas salas de cinema. O curioso é que, mesmo sendo figuras caricatas, os personagens transbordavam carisma e conquistavam a empatia imediata do público. No entanto, talvez nenhum deles tenha gerado tanta identificação quanto o Coyote.

Em sua persistência inabalável para capturar a ave, o personagem tornou-se um símbolo involuntário da perseverança de uma sociedade que busca seus objetivos a despeito dos obstáculos. O detalhe irônico é que o obstáculo principal acaba sendo justamente a tralha vendida pela ACME — e é a partir dessa premissa simples, porém brilhante, que o filme captura a nossa atenção do início ao fim.

A partir desse gancho, os realizadores constroem uma crítica ácida contra grandes corporações que manipulam a sociedade pelo consumo para inflar suas próprias contas bancárias. O roteiro toca em feridas ainda mais profundas ao revelar que os personagens animados funcionam como meras cobaias para a ACME testar seus produtos — uma metáfora corajosa e reveladora. Não é à toa que a própria Warner tenha relutado em lançar o filme nos cinemas; felizmente, graças à comoção do público, o longa finalmente encontrou a luz do dia.

O charme da produção reside, em grande parte, no resgate nostálgico. O roteiro abre espaço para reverenciarmos os clássicos curtas do Coyote, despertando aquela memória afetiva tão cara ao espectador. Tecnicamente, o cuidado com a interação entre o elenco em carne e osso e a animação tradicional é notável, chegando perto da fluidez vista em Roger Rabbit. Além disso, há excelentes referências à história do cinema — a própria aparição do Pernalonga serve de gancho para uma sátira primorosa ao clássico "Todos os Homens do Presidente" (1976).

Infelizmente, nem tudo funciona perfeitamente. O núcleo humano não tem o mesmo carisma do elenco animado. Por mais que se esforce, Will Forte acaba resultando em uma presença pálida diante do brilhantismo do Coyote em cena, oscilando entre a comédia bobajona e momentos dramáticos um pouco forçados. Quem se sai melhor é John Cena na pele de um dos executivos da ACME: seu estilo caricato e canastrão casa perfeitamente com o tom cartunesco da narrativa.

"Coyote vs. Acme" chega em um momento em que os grandes estúdios se transformaram em conglomerados frios, cujos executivos priorizam o lucro em detrimento da qualidade artística. Torna-se poético e irônico ver um filme debochar justamente dessa indústria do entretenimento controlada por gigantes. No fim, o Coyote nos ensina a nunca desistir, mesmo quando enfrentamos corporações que insistem em tratar o público como mero gado consumidor.

Trata-se de uma grata surpresa que alinha entretenimento de qualidade a uma crítica madura contra a Hollywood atual — um ecossistema cada vez mais perdido em suas próprias marcas e franquias inesgotáveis.

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Cine Dica: Clube de Cinema: "Nacionalidade do Imigrante" (03/09, quinta-feira) na Sala Redenção

Nesta quinta-feira (03/09), às 19h, o Clube de Cinema de Porto Alegre dá continuidade ao ciclo temático "Nouvelle Vague e suas influências", promovido em parceria com a Sala Redenção da UFRGS.

O filme da vez é Nacionalidade do Imigrante, de Sidney Sokhona. Realizado a partir da experiência de trabalhadores africanos em Paris, o filme combina elementos documentais e ficcionais para abordar as condições de vida e trabalho dos imigrantes, o racismo e as dificuldades impostas pela burocracia e pela precariedade habitacional. Produzido de maneira independente e com recursos bastante modestos, o longa transforma uma experiência concreta de organização dos trabalhadores em um filme de forte dimensão política.

Após a sessão, teremos ainda um bate-papo com Walter Lippold, historiador e professor da UFRGS, especialista em História da África e pensamento anticolonial. O ciclo "Nouvelle Vague e suas influências" é uma ação de extensão da Sala Redenção (UFRGS) em parceria com o Clube de Cinema de Porto Alegre, oferecendo certificados de participação aos inscritos e possibilitando o aproveitamento de horas complementares aos estudantes. Inscreva-se!

Confira os detalhes da sessão:

SESSÃO DE QUINTA-FEIRA NO CLUBE DE CINEMA

📅 Data: 03/09 (quinta-feira), às 19h

📍 Local: Sala Redenção – UFRGS

R. Eng. Luiz Englert, 333 – Bairro Farroupilha, Porto Alegre

🎤 Sessão comentada com Walter Lippold

🎟️ Entrada franca e aberta à comunidade

Nacionalidade do Imigrante (Nationalité immigré)

França e Mauritânia, 1976, 70min

Direção e roteiro: Sidney Sokhona

Elenco: Sidney Sokhona, Jacques Ruisseau, Constant Hames

Sinopse: Sidi, um trabalhador mauritano empregado na França, enfrenta, como tantos outros imigrantes, condições precárias de trabalho e exploração por parte dos patrões. Diante do racismo e da exploração econômica, ele e outros trabalhadores começam a se organizar para enfrentar essas condições.

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Cine Dica: Cinesemana de 3 a 9 de setembro de 2026

A primeira cinesemana de setembro apresenta duas estreias na nossa programação. Uma das novidades é A QUINTA PORTUGUESA, coprodução entre Espanha e Portugal e com Maria de Medeiros como protagonista. O outro lançamento é o documentário brasileiro NEM TUDO É PAZ E AMOR, que reúne depoimentos de filhos de artistas que cresceram influenciados pelas ideias de paz e amor dos anos 1970. Nesta semana, também apresentamos a Mostra Sedac/Iecine de Longas Gaúchos, que reúne os cinco filmes apresentados no Festival de Cinema de Gramado.

Em segunda semana, o público pode conferir MUITO PRAZER, de Jorge Furtado, sobre três jovens que tentam reabrir um motel decadente e apostam em estratégias pouco convencionais, além de NOSSO SEGREDO, de Grace Passô, filme vencedor do Festival de Cinema de Gramado. Dois longas franceses continuam em cartaz: O APEGO, que conquistou o prêmio César de melhor filme em 2026, e AS CORES DO TEMPO, dirigido por Cédric Klapisch.

O público ainda tem a oportunidade de conferir dois sucessos da nossa bilheteria: ACAMPAMENTO MIASMA - SEXO, ADOLESCÊNCIA E MORTE, um filme de terror slasher dirigido por Jane Schoenbrun; e O CONVITE, da diretora Olivia Wilde, sobre dois casais que discutem as relações. 

Confira a programação completa da Cinemateca no site oficial clicando aqui. 

Cine Dica: Em Cartaz – 'Acampamento Miasma: Adolescência, Sexo e Morte'

Sinopse: Jovem cineasta vai ao encontro de uma atriz reclusa para convencê-la a voltar a participar de uma franquia slasher.

O gênero slasher foi um dos mais explorados entre o final dos anos 1970 e toda a década de 1980. Já moribundo no início dos anos 1990, esse tipo de filme foi revitalizado a partir do primeiro "Pânico" (1996), o que fez com que os estúdios voltassem a explorá-lo à exaustão para obter grandes lucros. Porém, mais do que filmes de horror, essas produções carregavam uma metáfora impregnada em seus projetos.

Na trama, sempre víamos jovens na mais pura azaração, dispostos a fazer sexo de qualquer jeito. Contudo, havia sempre aquela jovem inocente e virgem que se tornava a única sobrevivente da história. Olhando para trás, observa-se que o assassino era uma espécie de representação do temor em relação aos tempos da AIDS: bastava os personagens fazerem sexo para logo serem punidos. Por mais violentos que fossem, esses filmes não deixavam de ser conservadores — alinhados com uma mentalidade que, hoje, seria politicamente incorreta, para dizer o mínimo.

"Acampamento Sinistro" (1983), por exemplo, seria uma produção completamente inviável nos dias de hoje, já que poderia facilmente ser taxada como transfóbica. Porém, assim como o primeiro Pânico, esses longas podem ser revitalizados desde que se explorem os acertos e erros de sua época, tornando a obra uma leitura curiosa para as novas plateias. "Acampamento Miasma: Adolescência, Sexo e Morte" (2026) não é somente uma homenagem a esse subgênero do horror, mas também uma crítica ácida sobre a mentalidade de tempos passados e da própria Hollywood.

Dirigido por Jane Schoenbrun (de "Eu Vi o Brilho da TV", 2024), o longa acompanha a história de uma jovem cineasta queer (Hannah Einbinder) contratada para comandar os bastidores de um reboot da franquia de terror conhecida como Camp Miasma. Ela, por sua vez, decide reencontrar a atriz que protagonizou as cenas finais do longa original — interpretada por Gillian Anderson — e busca nela uma forma de fazer uma nova releitura do clássico. Porém, acontecimentos estranhos fazem com que ela enxergue uma nova realidade, despertando nela algo antes adormecido.

O público acostumado com as velhas regras de um determinado gênero fica tão preso ao convencional que, quando surge um filme que quebra essas fórmulas, ele se torna, em um primeiro momento, incompreensível. Em "A Natureza da Violência" (2024), por exemplo, assistimos à história pela perspectiva do monstro, e não de suas vítimas. "Acampamento Miasma: Adolescência, Sexo e Morte" vai por um caminho similar ao desconstruir o gênero e criar uma nova visão sobre o assunto.

Logo no início do filme, Jane Schoenbrun brinca com o universo slasher ao explorar o quanto os estúdios exploram em potência máxima um determinado sucesso para gerar continuações intermináveis, spin-offs, refilmagens, reboots e produtos para a massa usufruir. Já o cenário principal da trama é explicitamente falso, como se a realizadora nos dissesse para não levarmos aquilo a sério, mas sim os pontos que desconstroem o gênero. Quando a protagonista finalmente se encontra com a atriz reclusa, o filme mostra a que veio.

Conhecida mundialmente como a protagonista da série "Arquivo X" (1993–2002), Gillian Anderson é uma presença que domina a cena assim que surge. Seu olhar peculiar não esconde o fato de ter descoberto, logo cedo, o que realmente move as engrenagens de um estúdio que apenas explorava o lado erótico das jovens moças do passado. Carregando essa bagagem, ela acaba influenciando a percepção da jovem cineasta dentro da trama, além de saber lidar com a própria sexualidade de forma mais aberta. Curiosamente, é notório que a diretora faz um paralelo da personagem de Gillian Anderson com a figura de Norma Desmond, do clássico "Crepúsculo dos Deuses" (1950), tornando essa observação ainda mais rica para os cinéfilos que apreciam o cinema clássico.

Hannah Einbinder nos brinda com uma atuação ainda mais complexa do que se imagina. Ela se apresenta como alguém de mente aberta em relação aos relacionamentos e ao sexo, mas que ainda não liberou seu verdadeiro eu por completo. Sua adoração pelo slasher clássico seria uma forma de reprimir seus verdadeiros desejos, mesmo tendo consciência das mensagens subliminares e conservadoras daquela época. A atuação de ambas juntas em cena é digna de nota: o desejo nasce de forma gradual, nada impulsiva, indo na contramão de quem espera algo imediatamente explícito.

O filme pode ser interpretado das mais diversas formas, inclusive de maneira surreal. Basta pegarmos como exemplo a cena em que as duas personagens centrais assistem ao clássico dentro da trama: o assassino surge no lago e começa a matar os jovens do acampamento de forma absurdamente cartunesca, despertando um riso involuntário. Ao mesmo tempo, é por essa passagem que o filme faz uma crítica certeira aos meios politicamente incorretos de se criar uma história de horror em outros tempos.

Jane Schoenbrun acerta ao homenagear e alfinetar o slasher, que por muito tempo usou a figura de jovens mulheres para despertar o monstro da trama — quando, na verdade, o próprio monstro era uma alusão a tempos mais conservadores e hipócritas. Na reta final, a obra cai de cabeça na mais pura metalinguagem ao sugerir que talvez tenhamos culpa por alimentar Hollywood a produzir tantas franquias intermináveis, seja no horror ou em qualquer outra fórmula de sucesso. Quando vemos as duas protagonistas despertas em relação a isso, elas cruzam com uma sociedade alienada e consumista, que já não se importa com o que assiste ou consome, desde que continue entretida em suas bolhas particulares.

"Acampamento Miasma: Adolescência, Sexo e Morte" funciona tanto como uma bela homenagem ao gênero slasher quanto como uma inteligente crítica construtiva sobre a mentalidade politicamente incorreta desse tipo de cinema e da indústria hollywoodiana.

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Cine Dica: Newsletter Cinemateca Capitólio - 3 a 9 de setembro de 2026

 Festival de documentários, estreia brasileira e cinema ucraniano em destaque na Cinemateca Capitólio

A semana da Cinemateca Capitólio entre 3 e 9 de setembro será movimentada, com atrações que incluem lançamento exclusivo de longa brasileiro premiado, festival de documentários, programação infantil, mostra de filmes ucranianos e nova edição da sessão Clássicos. Até sábado, 5 de setembro, a Capitólio segue recebendo a programação do festival de documentários POA Doc.

Na quinta-feira acontece a estreia exclusiva de um dos títulos brasileiros mais elogiados do ano, Aquele que Viu o Abismo, de Gregorio Gananian e Negro Leo. O filme teve sua estreia durante a Mostra de Cinema de Tiradentes em 2024, onde recebeu o prêmio de Melhor Filme na mostra Olhos Livres. Após exibições em diversos festivais e mostras no país (incluindo o festival Cine Esquema Novo em 2024), o filme finalmente chega aos cinemas. Com uma atmosfera magnética a partir de um visual alucinante e de uma trilha sonora perturbadora, a trama se projeta em um futuro distópico, dominado por uma organização misteriosa que recruta civis sob a promessa de uma vida melhor. Bebendo diretamente na fonte do cinema de invenção brasileiro, o filme desafia as narrativas convencionais para propor uma experiência profundamente sensorial.

Para a criançada, a atração da Sessão Vagalume de setembro é o clássico Babe, o Porquinho Atrapalhado, com sessões sábado e domingo, às 15h. Dirigido por Chris Noonan, o filme é uma adaptação do romance The Sheep-Pig (1983), também conhecido nos Estados Unidos como Babe: The Gallant Pig, do escritor britânico Dick King-Smith. O enredo gira em torno de um porquinho que deseja fazer o trabalho de um cão pastor. Centenas de animais foram necessários para a produção do filme. Os animais centrais foram interpretados por uma combinação de porcos reais com réplicas animatrônicas. Um filme que marcou mais de uma geração de jovens cinéfilos.

Mostra de cinema ucraniano

No domingo, dia 6 de setembro, às 19h, a Cinemateca Capitólio inaugura a mostra Dias de Cinema Ucraniano, que vai apresentar ao público portoalegrense uma cinematografia pouco conhecida no Brasil. A abertura será com o clássico Sombras dos Ancestrais Esquecidos, de Sergei Paradjanov. A mostra, que se estende até o dia 16 de setembro, está passando por 8 cidades brasileiras (Brasília, Curitiba, Prudentópolis, Ribeirão Preto, Belo Horizonte, Salvador, Rio de Janeiro e Porto Alegre). A realização é da Fundação de Caridade Dveri, de Kiev, e conta com o apoio da Embaixada da Ucrânia no Brasil, da Agência Estatal de Cinema da Ucrânia, da Representação Central Ucraniano-Brasileira, da Associação Ucraniano-Brasileira de Relações e Artes, da Aliança Francesa e do Goethe-Institut.

A mostra Dias de Cinema Ucraniano traz ao público brasileiro a diversidade do cinema da Ucrânia, com filmes que abordam história, identidade, tradição, sociedade e cultura, buscando ampliar as percepções sobre o país no Brasil nestes tempos de guerra, revelando a força de uma cinematografia com estética própria, humor, memória histórica e diferentes formas de experimentação artística.

A mostra na Cinemateca Capitólio exibe seis longas metragens (quatro ficções e dois documentários), incluindo títulos recentes com passagem por festivais importantes como Cannes (Pamfir) e Visions du Réel (Fragmentos de Gelo).

Confira a programação completa no site oficial da Cinemateca clicando aqui. 

Cine Especial: Clube de Cinema - 'Franz'

 Nota: Filme exibido para os associados no dia 30/08/26

Sinopse: O filme acompanha Franz Kafka em diferentes momentos de sua vida, da infância aos anos de maturidade, abordando seus conflitos familiares, relacionamentos e o trabalho burocrático que dividia espaço com sua verdadeira vocação literária.

Franz Kafka foi um dos maiores gênios da literatura mundial, cujo reconhecimento pleno só veio após sua morte precoce. Entender as raízes de sua obra exige uma análise profunda — mesmo que, por vezes, até os estudos mais dedicados arranhem apenas a superfície. "Franz" (2025) opta por uma abordagem que se envereda para o lado humano do escritor, oferecendo uma clara noção de suas motivações ao conceber determinadas histórias.

Dirigida por Agnieszka Holland, a trama acompanha Kafka desde a infância em Praga até sua morte na Áustria, no período pós-Primeira Guerra Mundial. Testemunhamos seus primeiros passos na escrita, a difícil relação com o pai — que exigia sua dedicação ao escritório de seguros —, o início da amizade com seu editor Max Brod e os complexos relacionamentos amorosos com Felice Bauer e Milena Jesenská. Aos poucos, fica claro para aqueles ao seu redor que ninguém é capaz de controlá-lo.

Holland constrói uma linha narrativa peculiar, em que passado, presente e futuro se cruzam sem prévio aviso, exigindo atenção constante do espectador. Acompanhamos a infância dura do protagonista e seu amadurecimento ao colocar em prática o que verdadeiramente anseia, mesmo quando vai contra as expectativas paternas. Nesse aspecto, cabe destacar a atuação de Peter Kurth, que constrói uma figura paternal autoritária, mas de forma surpreendente, revelando uma dinâmica entre pai e filho muito mais complexa do que se poderia imaginar.

Além disso, a cineasta surpreende ao colocar o protagonista diante do próprio futuro: vemos Kafka observar pessoas do século XXI contemplando seu legado em um museu. Em minha leitura, Holland cria um paralelo com a forma como o escritor enxergava o mundo — através de seus textos, é possível vislumbrar suas expectativas em relação ao futuro, quase nenhuma delas agradável. Embora obstinado em seguir seu destino, é inegável que ele não via com bons olhos o amanhã que se avizinhava, especialmente com a ascensão nazista a partir de 1933.

Curiosamente, os personagens próximos a Franz quebram a quarta parede para relatar, sob suas próprias perspectivas, as ações do escritor e seus passos seguintes, à medida que ele frustrava as expectativas de todos. Embora seja um recurso bastante explorado no cinema recente, aqui ele cumpre a função de dar ritmo à narrativa, ainda que pontualmente passe a sensação de que algumas passagens poderiam ser dispensadas. Nesse apuro técnico guiado pela direção, Idan Weiss busca construir um Kafka próprio, alinhado à proposta autoral da cineasta.

Talvez o filme desaponte apenas os leitores mais fervorosos do autor, já que seus livros não ganham um aprofundamento direto, ficando em segundo plano ao longo do longa. Há de se notar, contudo, que boa parte de suas criações se deu em um momento no qual a humanidade se desgastava com os impactos da Primeira Guerra e já se desenhava para um segundo conflito ainda mais devastador. Mesmo partindo antes dessa tragédia, Kafka parecia antever o que viria pela frente, inserindo em suas páginas não apenas fragmentos de si mesmo, mas também a trilha fraturada de toda uma geração — que as seguintes tentariam compreender por meio de seus livros e em museus de história.

"Franz" é poderoso em sua proposta, ainda que corra o risco de ser visto como aquém do esperado por quem busca uma transposição direta de seu grandioso legado literário.

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Cine Dica: “Olhares alemães” apresenta novos e consagrados diretores do cinema de língua alemã

Entre os dias 31 de agosto e 10 de setembro, a Sala Redenção, em parceria com o Goethe-Institut Porto Alegre, apresenta a mostra “Olhares alemães”. Com entrada franca e aberta à comunidade em geral, a programação reúne sete longas-metragens recentes de diretores consagrados e de nomes em ascensão no mundo cinematográfico.

A programação tem início no dia 31, segunda-feira, às 16h, com “Sissi e eu” (2023), segundo filme de Frauke Finsterwalder. A produção atualiza a história da rainha Sissi da Áustria por meio de uma narrativa de amor sáfico. Às 19h do mesmo dia, é a vez de “Undine” (2020), de Christian Petzold, um dos expoentes do movimento cinematográfico contemporâneo conhecido como Escola de Berlim. Na trama – que rendeu o Urso de Prata de Melhor Atriz para Paula Beer –, uma guia do Museu de Berlim e um mergulhador criam um vínculo intenso ao passo que ela enfrenta um antigo romance difícil de superar.

Outro destaque da mostra é “Paris calligrammes” (2020), da diretora Ulrike Ottinger – uma das principais vozes da vanguarda e do Novo Cinema Alemão dos anos 1970. O documentário é um poema audiovisual que tem Paris como protagonista. Em pouco mais de duas horas, a cineasta rememora a época em que morou na cidade, na década de 1960.

Em homenagem a Alexander Kluge, conceituado diretor, crítico social e escritor que faleceu em março deste ano, aos 94 anos, a Sala Redenção apresenta “Happy Lamento” (2018) em sessão única no dia 3, quinta-feira, às 16h. O documentário musical, concebido por Alexander junto ao filipino Khavn de la Cruz, é uma miscelânea inusitada de elementos aparentemente distantes: elefantes elétricos, artistas circenses, Elvis Presley, King Kong e luas azuis.

A Sala Redenção está localizada no Campus Centro da UFRGS, com acesso mais próximo pela Rua Eng. Luiz Englert, 333. A mostra “Olhares alemães” tem apoio do Goethe-Institut Porto Alegre.

Confira a programação completa no site oficial da sala clicando aqui.