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Sapucaia do Sul/Porto Alegre, RS, Brazil
Sócio e divulgador do Clube de Cinema de Porto Alegre, frequentador dos cursos do Cine Um (tendo já mais de 100 certificados) e ministrante do curso Christopher Nolan - A Representação da Realidade. Já fui colaborador de sites como A Hora do Cinema, Cinema Sem Frescura, Cinema e Movimento, Cinesofia e Teoria Geek. Sou uma pessoa fanática pelo cinema, HQ, Livros, música clássica, contemporânea, mas acima de tudo pela 7ª arte. Me acompanhem no meu: Twitter: @cinemaanosluz Facebook: Marcelo Castro Moraes ou me escrevam para marcelojs1@outlook.com ou beniciodeltoroster@gmail.com

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quinta-feira, 3 de julho de 2014

Cine Especial: TIM BURTON: O POETA DAS SOMBRAS: FINAL


Nos dias 03 e 04 de Julho, eu estarei participando do curso Tim Burton: O Poeta das Sombras, criado pelo Cena Um e ministrado pelo Crítico de cinema Robledo Milani. Enquanto o curso não chega, por aqui estarei fazendo uma retrospectiva das melhores momentos da carreira desse cineasta, que se mantém fiel ao seu cinema autoral e sombrio.

  

                            Alice No País das Maravilhas


Sou admirador incondicional de Tim Burton, sempre o admirei sua fidelidade pelo filmes com visual  sombrio, onírico e personagens estranhos, como os vistos em  Fantasmas se Divertem, Edward mãos de tesoura e Peixe Grande. Contudo, Burton sabe a palavra que move a indústria do cinema: “bilheteria" e para isso nada melhor do que encher os cofres dos engravatados com superproduções e Burton arriscou em filmes como Batman, Planeta dos Macacos e Fantástica Fabrica chocolate. São filmes no qual ele injetou sua visão própria, mas não teve uma total liberdade criativa. No filme Alice no País das Maravilhas se encaixa bem nesse segundo grupo. Voltando a fazer um filme para Disney depois de vários anos afastado, Burton faz um filme para a família toda como ninguém, mas não espere mais do que isso. A trama em si tem começo, meio e fim, previsível, algo um tanto que frustrante para aqueles que são fãs de carteirinha da obra de Lewis Carroll. Contudo, é de se tirar o chapéu pelo desafio cumprido pelo diretor em conseguir tal feito em fazer um filme baseado em um livro com tantos símbolos, significados e charadas no escuro que ainda hoje deixam inúmeros leitores intrigados.
Mas diferente do que muitos imaginam, essa historia é uma espécie de continuação mostrando acontecimentos após Alice ter ido para o mundo das maravilhas quando pequena, agora com 17 anos, Alice busca compreender o que esta acontecendo em sua volta, se é um sonho, fruto de uma possível loucura sua ou pura realidade. Ao mesmo tempo em que essa nova aventura irá lhe servir como uma espécie de lição de como saber lidar com o mundo normal onde vive. E por ser um mundo mágico cheio de cores, Burton quis usar ao máximo a ferramenta do momento que é o 3D, e pelo visto fez a lição de casa, pois nunca um mundo mágico se tornou tão vivo como esse. Assim como Avatar, nos sentimos dentro da floresta onde flores e lagartas falam com maior naturalidade. E o que dizer do elenco? Tenho pouco a dizer sobre Mia Wasikowska como Alice, pois sua interpretação como a personagem não ajuda, mas também não atrapalha e talvez fosse exigir demais dela em seu primeiro papel de destaque. Já não posso dizer a mesma coisa sobre a dupla que o diretor gosta tanto de trabalhar: Depp e Carter. Enquanto o primeiro interpreta um chapeleiro maluco que por vezes é insano e por vezes controlado e com boas motivações, Helena Bonham Carter da um show de excentricidade com sua Rainha de copas e seu cabeção descomunal. Suas aparições em cena são os melhores momentos do filme (a parte do porco que é usado de uma maneira inusitada é digna de nota). Já Anne Hathaway faz uma curiosa Rainha Branca que a primeira vista parece uma verdadeira princesa saída dos contos de fadas, mas possui uma pequena dose de excentricidade, principalmente em fazer determinados chás. Com isso, Anne prende a atenção do espectador numa personagem menos conhecida da obra de Lewis Carroll. 
Mesmo com as velhas lições de moral sobre escolhas e o bem vence o mal impregnado no decorrer do ato final, o filme com certeza irá agradar o publico jovem pouco exigente e que busca somente duas horas de boa diversão, mesmo que para alguns seja um tanto que frustrante depois de tamanha expectativa, mas que esta muito longe de ser um filme ruim. Talvez seja o melhor filme de Burton em termos de superprodução e se não foi agora que ele teve total liberdade criativa, com certeza terá, devido ao sucesso desse filme. Burton é mais que um diretor, é um autor que fala por si, mas com uma determinada sintonia da forma que as coisas funcionam, principalmente no mundo do cinema: "agrade os grandes primeiro e domine depois", talvez esse seja seu lema. Talvez não tenha sempre uma total liberdade com suas obras, mas quanto mais contem, melhor será o recheio quando for liberado e esperamos ansiosos Sr Burton. 


 

SOMBRAS DA NOITE 


Na maioria dos casos, personagens incompreendidos e que sempre sofrem perante a sociedade comum, são sempre os verdadeiros protagonistas dos filmes de Tim Burton e em Sombras da Noite o quadro não é nenhum pouco diferente. Baseado fielmente de uma novela exibida na tevê americana nos anos 60, a produção (como toda obra autoral do cineasta), carrega inúmeras cenas góticas, que remetem o melhor da era do expressionismo alemão. Com isso, não é de se surpreender, que inúmeras cenas remetem aqueles clássicos, principalmente Nosferatu, contudo, o filme enlaça esse visual com o colorido dos anos 70, onde o protagonista acorda, depois de vários anos embaixo da terra. As cenas em que ele se levanta e se depara com o novo mundo é hilário, com o direito de ele chamar o tão conhecido símbolo de Mcdonald de Mefistófoles! 
Feito essa sequência, vemos Barnabas se ajustar a essa realidade, ao lado da nova geração de sua família, liderada por Elizabeth (Michele Pfeiffer, ainda no auge da beleza), mas além de ter que se acostumar a esse novo mundo, ele precisara se confrontar com seu algoz do passado, que é uma bruxa totalmente obcecada por ele, interpretada de uma forma bem à vontade pela atriz Eva Green, que desde que surgiu no reboot de 007, não tinha um papel tão significativo como esse. Mas como é de costume, Johnny Depp é que sempre da um show de interpretação, mesmo quando o seu desempenho, carrega algumas características de seus personagens anteriores, mas que sempre é ajustado de acordo com o universo que o cineasta cria para ele.
Embora oscile de um cinema autoral para um comercial (principalmente em seu ato final), Sombras da Noite agradara em cheio os fãs de longa data do diretor. Muito embora ainda estejam na espera por uma historia 100% original, que já faz um bom tempo que o cineasta esta devendo. 


  

FRANKENWEENIE



 Quando se vê um filme de Tim Burton, sempre você vera características que ele usou em outros filmes, ou seja, uma obra sombria, embalada com um toque de humor negro e protagonizada por personagens excêntricos e sombrios. Os filmes dele, nada mais são do que uma forma do cineasta se expressar sobre o que ele é e foi quando criança, que cresceu assistindo a filmes clássicos de horror e ficção B. Tudo isso se viu antes e se verá novamente neste Frankenweenie, refilmagem de um dos seus primeiros curtas criado dentro do estúdio Disney, mas que havia sito vetado por ser considerado sombrio demais para as crianças na época. Como o diretor encheu o bolso do estúdio com Alice no País das Maravilhas, era mais do que natural dele ganhar sinal verde e realizar, o que talvez seja a sua obra mais pessoal desde o Peixe Grande. 
Interessante observar, como por exemplo, que quando ele criou Edward: Mãos de Tesoura no inicio dos anos 90, ele quis passar um contraste entre o seu protagonista gótico, com os cidadãos comuns de uma cidade comum, que se vestiam e agiam da forma mais comum e chata possível. Os tempos são outros, onde ser diferente se tornou legal, e Burton sabendo disso, não se intimidou em criar cada personagem de Frankenweenie com um visual sinistro, que tanto lembram as suas obras anteriores, como também os clássicos de horror do expressionismo alemão e dos filmes de horror da Universal dos anos 30. Portanto, o cinéfilo atento, irá contar com inúmeras referencias, que vão desde o Gabinete do Dr. Gargali, Drácula, Frankenstein (e a sua Noiva), Múmia e O Homem Invisível. Mas as homenagens não param por ai, porque fiel como ele é com os seus ídolos antigos, ele chega ao cumulo de criar um personagem importante para a trama, que nada mais é do que uma copia perfeita do jaz falecido mestre do horror Vincent Price e que caso ele ainda estivesse vivo com certeza ficaria orgulhoso.
Claro que o marinheiro de primeira viagem, talvez não compreenda todas essas referencias saltando na tela a todo momento, mas esse problema logo é contornado, não só graças ao belíssimo visual gótico em preto branco que enche os nossos olhos, como também a delicada historia que nos conquista, sobre o menino solitário e seu cão amigo inseparável. A partir do momento em que ocorre a morte do animal, Burton é gênio de tratar esse assunto com delicadeza, pois mesmo hoje, com cada vez mais crianças maduras e aprendendo rápido sobre diversos assuntos, a morte ainda é tabu no qual elas não gostam de ouvir, mas que no final das contas, para o bem ou para o mal, é algo que é preciso ser explicado e compreendido. Talvez Burton tenha passado por algo parecido quando era pequeno e quis passar esse sentimento da sua maneira para nos, de que um dia todos nos temos que enfrentar essa dor, mas que devemos acreditar acima de tudo, que nossos entes queridos mesmo partindo, irão viver no nosso coração.

Com um final que nos reserva várias outras homenagens, como referencias explicitas a Godzilla e Gremlins, Frankenweenie é um filme que facilmente faz com que qualquer um solte lágrimas dos olhos, mesmo quando a trama solte soluções fáceis para não tornar tudo tão triste, mas é algo compreensível, porque é um filme para ser visto por todos, mesmo aqueles não acostumados com o estilo de Burton, que aqui cria uma obra particular e com amor acima de tudo.





Falando em animações, não poderia me esquecer (na verdade me esqueci nas postagens anteriores) O Estranho Mundo de Jack: com argumento e co-produção de Tim Burton, este é um projeto pessoal do diretor que injeta sangue novo na arte da animação de bonecos. Apesar de não inovar na técnica, a história com pitadas góticas, trabalha com uma estética incomum e pode agradar tanto as crianças como os adultos com sua trama simples e divertida.
 

Curiosidades: Tim Burton declarou que teve a idéia do poema em que O Estranho Mundo de Jack é baseado ao ver uma placa publicitária do Halloween sendo substituída, em uma loja, por uma do Natal.O teaser de O Estranho Mundo de Jack o anunciava como sendo distribuído pela Walt Disney Pictures, enquanto que seu trailer já dizia que a distribuição era da Touchstone Pictures, uma divisão do grupo Disney. A mudança ocorreu devido a Michael Eisner, CEO da Disney na época, que considerava o filme "sombrio demais" para ser acoplado à marca Disney.


Leia também: Partes 1, 2 e 3.  


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Cine Dica: RIO EU TE AMO GANHA TRAILER OFICIAL

RIO EU TE AMO GANHA TRAILER OFICIAL
Filme brasileiro da franquia “Cities of Love” tem estreia nacional nos cinemas em 11 de setembro
Dirigido por alguns dos mais consagrados diretores, Rio, Eu Te Amo, tem o trailer divulgado. O vídeo reúne cenas do filme que retratam os mais diversos tipos de relações e de amores: os jovens, os roubados, os não correspondidos, os relâmpagos e até os tímidos. As 23 estrelas nacionais e internacionais que integram o elenco, entre elas, Fernanda Montenegro, Rodrigo Santoro, Vincent Cassel, Jason Isaacs, Cláudia Abreu, John Turturro, Emily Mortimer, Marcelo Serrado, Harvey Keitel e Vanessa Paradis, vivem histórias emocionantes nos principais cenários da Cidade Maravilhosa, como a Praia de Copacabana, o Pão de Açúcar, as ruas do Vidigal e o Theatro Municipal. 
  Com estreia marcada para 11 de setembro, o filme brasileiro da franquia “Cities of Love” é produzido pela Conspiração Filmes, Empyrean Pictures e BossaNovaFilms terá lançamento nacional, nas principais cidades brasileiras. Além do longa-metragem, foi criado um movimento de amor ao Rio chamado #RIOEUTEAMO que incentivou os amantes da cidade a se mobilizarem em intervenções e eventos. 
“Reunimos algumas das maiores mentes criativas do cinema mundial e um elenco estrelar para realizar esse projeto. E o resultado é uma bela homenagem à Cidade Maravilhosa partindo dos mais variados pontos de vista”, afirma o produtor Leonardo Barros. 
A franquia “Cities of Love” foi iniciada com a produção de “Paris, Eu Te Amo”, que abriu o Festival de Cannes em 2006. O sucesso deste primeiro trabalho convenceu Emmanuel Benbihy, criador do projeto, de que ele deveria percorrer outros continentes e cidades, como Nova York e Xangai. Assim, o segundo filme “Nova York, Eu Te Amo” ficou pronto em 2009. A partir daí, o produtor começou a licenciar a franquia para produtores estrangeiros, como ocorreu no caso do Rio, Eu Te Amo. O filme teve patrocínio de O Boticário (patrocinador-master), Nextel, Santander, Unilever, Fiat e Brasil Kirin; e apoio da RioFilme/Prefeitura do Rio. Rio, Eu Te Amo é parcialmente financiado por recursos obtidos através dos incentivos fiscais federais da Lei 8.685/93. A distribuição no Brasil e na América Latina é da Warner Bros. Pictures e as vendas internacionais estão a cargo da WestEnd Films, de Londres.
 #RioEuTeAmo
Lançado em outubro de 2012, o movimento de amor à cidade que virou filme – #RioEuTeAmo – tem mobilizado milhões de pessoas. No Facebook são mais de um milhão de fãs e no Instagram quase 60 mil fotos foram postadas com a hashtag #rioeuteamo. As ações também se espalham por todos os cantos da cidade: apresentação de Orquestra Sinfônica Ambulante no Complexo do Alemão, show flutuante para o público da mureta da Urca, flashmob na estação Siqueira Campos do metrô (na hora do rush), distribuição gratuita de mais de cinco mil flores na Lagoa Rodrigo de Freitas, feijoada com a Velha Guarda da Mangueira, entre outras.

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quarta-feira, 2 de julho de 2014

Cine Especial: TIM BURTON: O POETA DAS SOMBRAS: Parte 3

Nos dias 03 e 04 de Julho, eu estarei participando do curso Tim Burton: O Poeta das Sombras, criado pelo Cena Um e ministrado pelo Crítico de cinema Robledo Milani. Enquanto o curso não chega, por aqui estarei fazendo uma retrospectiva das melhores momentos da carreira desse cineasta, que se mantém fiel ao seu cinema autoral e sombrio.
 
Retorno as raízes
Já em 99, Burton fez sua lição de casa e garantiu um grande sucesso em A Lenda do Cavaleiro Sem Cabeça, filme que é baseado num antigo conto sombrio norte americano e ao mesmo tempo uma homenagem a um média metragem clássico da Disney. Novamente com Jhony Depp, o filme foi um grande sucesso de bilheteria, ganhou o Oscar de Edição de Arte e ainda teve tempo do diretor desenterrar uma das maiores lendas dos filmes de horror, Christopher Lee em uma pequena mas ótima ponta que acabou servindo para o ator voltar aos holofotes.

Almas Gêmeas sombrias
Em 2001 Burton fez Planeta dos Macacos, uma espécie de uma nova visão da famosa obra de ficção cientifica mas não uma refilmagem do clássico de 68 que muitos acharam que era na época. Apesar de não ser um dos melhores do diretor, o filme serviu para Burton conhecer sua alma gêmea Helena Bonham Carter. Atriz já era conhecida pelo grande publico por papeis peculiares e sombrios como em O Clube da Luta e Frankenstein: De Mary Shelley's. Casada com o diretor, Helena atuou em praticamente todos seus filmes seguintes, seja com papel secundário ou principal e para muitos formam um belo par por serem muito parecidos um com o outro.

Reconciliação
Em 2003 Tim Burton faz Peixe Grande que conta a historia Ed Bloom é um grande contador de histórias. Quando jovem, Ed saiu de sua pequena cidade-natal, Ashton no Alabama, para realizar uma volta ao mundo. A diversão predileta de Ed, já velho, é contar sobre as aventuras que viveu neste período, mesclando realidade com fantasia. As histórias fascinam todos que as ouvem, com exceção de Will, filho de Ed. Até que Sandra, mãe de Will, tenta aproximar pai e filho, o que faz com que Ed enfim tenha que separar a ficção da realidade de suas histórias. Para muitos, Burton quiz fazer esse filme em memória ao pai que morreu pouco antes dessa produção.


Criatividade e sucesso
Ao longo dos anos Burton se dividiu entre super produções e obras mais pessoais, um bom exemplo disso foi em 2005 quando o diretor dirigiu a Super produção A Fantástica Fabrica de Chocolate e uma obra mais autoral Noiva Cadáver. O primeiro, uma refilmagem de um clássico dos anos 70 e que acabou se tornando, não só melhor que o primeiro mas também um grande sucesso de bilheteria. Já o segundo é uma visão pessoal do diretor com relação a morte em forma de brincadeira, auxiliada com a ótima técnica de Stop Motion para contar a criativa historia.

UMA SINFONIA DE HORROR
Apesar de sempre manter sua visão pessoal nos seus filmes, o diretor também consegue um espaço para inovação e aqui ele cria algo no mínimo novo. Em 2007, Sweeney Todd conta a historia de um barbeiro chamado Benjamim Barker que levava uma vida comum e feliz com sua esposa Lucy e sua filha bebê, Johanna. Até que o juiz Turpin se interessa pela mesma. Decidido a tomar a mulher para si, ele ordena que prendam Barker sob falsa acusação e que o exilem.
Quinze anos depois, ao voltar do exílio na Austrália, o barbeiro retorna a Londres, agora sob o nome de Sweeney Todd, e com sede de vingança. Ao voltar, descobre que o juiz Turpin adotou sua filha, agora com 15 anos e o que aconteceu com sua mulher.Em Londres, Barker (ou Sweeney Todd), logo faz sucesso devido a ser um ótimo barbeiro, e encontra Mrs. Lovett, uma cozinheira que possui uma pequena loja de tortinhas muito suja e pouco movimentada, sendo assim, sem dinheiro para comprar a carne e poder fazer suas iguarias. Sweeney Todd, em parceria com a dona do estabelecimento, decide se vingar do juiz Turpin, que arruinou sua vida. O mesmo passa a "treinar" sua vingança em seus clientes, matando-os com suas queridas navalhas de prata. Mrs. Lovett aproveita a idéia do amigo e, para não levantar suspeitas, passa a utilizar a carne das vítimas para produzir o recheio de suas tortinhas, que por sinal fazem muito sucesso.
Baseado em fatos verídicos e de um famoso musical da Broadway, o filme é ousado por misturar musical com terror e entregar uma dos melhores desempenhos de Johnny Depp que acabou ganhando o Globo de ouro de melhor ator de musical ou comédia, além do próprio filme ganhar o Oscar de melhor edição de arte.

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Cine Dica: El Padre de Gardel e Avanti Popolo em cartaz até 9 de julho

El Padre de Gardel e Avanti Popolo em cartaz no CineBancários até 9 de julho
Segue em cartaz até dia 9 de julho no CineBancários El padre de Gardel de Ricardo Casas. Documentário que tem obtido uma excelente acolhida do público e imprensa uruguaios, investiga Carlos Escayola, que entre 1860 e 1890 dominou a vida política e cultural de Tacuarembó, no interior do Uruguai, foi fazendeiro e chefe político, construiu um teatro, conquistou muitas mulheres e deixou um grande segredo - um escândalo familiar que até hoje a cidade se recusa a comentar.
El padre de Gardel de Ricardo Casas. Uruguai, documentário, 2013, 75 minutos 
Avanti Popolo, longa de estreia do cineasta Michael Wahrmann, segue em cartaz no CineBancários até 9 de julho. Recebeu quatro prêmios no 46º Festival de Brasília do Cinema Brasileiro, sendo escolhido como melhor diretor (Michael Wahrmann), melhor ator coadjuvante para Carlos Reichenbach (1945-2012), melhor filme pelo voto da crítica (Prêmio Abraccine) e o Prêmio Saruê (concedido pela editoria de cultura do jornal Correio Brasiliense para o melhor momento do festival), também para cineasta Carlos Reichenbach.
Através do resgate de imagens Super-8mm captadas pelo seu irmão nos anos 70, André tenta reavivar a memória do seu pai, que há 30 anos espera seu filho desaparecido durante a ditadura militar.
Todos os personagens de “Avanti Popolo” são baseados nos atores que os representam. As características físicas e pessoais de cada um dos intérpretes criam um diálogo com suas personagens fictícias, o que faz com que realidade e ficção se misturem nas representações. O único ator profissional do filme é a Estopinha, a cadela que representa Baleia, estrela do programa Dr. Pet.
AVANTI POPOLO de Michael Wahrmann. Brasil 2012 , ficção, 72 minutos, Cor
Elenco: Carlos Reichenbach, André Gatti, Eduardo Valente, Marcos Bertoni e a cachorra Estopinha
GRADE DE HORÁRIOS: 
1º de julho (terça-feira)
15h - El padre de Gardel
17h - Avanti Popolo
19h - El padre de Gardel
2 de julho(quarta-feira)
15h - El padre de Gardel
17h - Avanti Popolo
19h - El padre de Gardel
3 de julho(quinta-feira)
15h - El padre de Gardel
17h - Avanti Popolo
19h - El padre de Gardel
4 de julho(sexta-feira)
*Não haverá sessão
5 de julho(sábado)
15h - El padre de Gardel
17h - Avanti Popolo
19h - El padre de Gardel
6 de julho(domingo)
15h - El padre de Gardel
17h - Avanti Popolo
19h - El padre de Gardel
8 de julho(terça-feira)
15h - El padre de Gardel
17h - Avanti Popolo
19h - El padre de Gardel
9 de julho(terça-feira)
15h - El padre de Gardel
17h - Avanti Popolo
19h - El padre de Gardel
INGRESSOS: R$ 6,00 para o público geral e R$ 3,00 para estudantes, idosos, bancários sindicalizados e jornalistas sindicalizados.
CineBancários
(51) 34331204 / 34331205
Rua General Câmara, 424, Centro - POA

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terça-feira, 1 de julho de 2014

Cine Dica: Em Blu-Ray e DVD: Pais e Filhos




Sinopse: Esta é a história de um grande homem de negócios, obcecado pelo dinheiro e pelo sucesso. Sua vida sofre uma grande transformação quando ele descobre que está criando o filho de outro homem há seis anos, já que seu filho biológico foi trocado por engano na maternidade.
 
Dirigido por Kore-eda Hirokazu, o drama japonês conta a história de duas famílias que descobrem, após seis anos, que seus bebês foram trocados na maternidade. A partir daí vários questionamentos começam a surgir. Será que ser pai significa ter o mesmo sangue ou pai é aquele que cria?
Embora estejamos em pleno século 21, a discussão ainda é um tanto que delicada  em nossa sociedade, o que faz com que a produção se aproxime muito de nossa realidade e nos faz querer imaginar estar no lugar dos personagens e se perguntando o que a gente faria no lugar deles. O sangue realmente é um laço forte para determinar que o filho se torne igual ao seu pai verdadeiro mesmo após ser criado por outra pessoa? Ou nós temos a capacidade de ficarmos mais próximos com as pessoas que vivem com a gente, seja marido, parceiro, pai ou filho?
Depois de ver o filme, é impossível não se colocar naquele dilema duramente cru e real. Como você se comportaria se isto acontecesse com você? O desfecho em si pode até soar previsível, mas trata-se de uma decisão que talvez todos nós com bom senso iria tomar. Mas esse é o grande charme desse filme, está na diferença de escolhas, sendo que cada uma delas gera perdas e vitórias, mas representa tanto um passo em falso como o caminho correto.     
Vale a pena ver e rever esse belo filme e se deixar levar pelas emoções destes assuntos tão espinhosos. Quem tem filhos vai sentir ainda mais o peso emocional das escolhas que os personagens tomam. Ótimo filme e com um final que nos enche os olhos.




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Cine Dica: Sessão Aurora exibe clássico de Jerzy Skolimowski

SESSÃO AURORA EXIBE CLÁSSICO DE JERZY SKOLIMOWSKI


A Sessão Aurora exibe neste sábado, 5 de julho, às 19h, Ato Final (Deep End, 1970), um dos grandes filmes do cultuado cineasta polonês Jerzy Skolimowski. Com entrada franca e exibição digital em alta definição, a sessão será comentada pelos editores do Zinematógrafo.  
Realizado durante o exílio do cineasta na Inglaterra, com canções de Cat Stevens e do grupo Can, Ato Final faz um retrato brilhante do cotidiano londrino do início dos anos 1970, a partir da história de um jovem de quinze anos de idade  (John Moulder-Brown) que consegue trabalho em um local de banhos públicos e se apaixona por uma colega de trabalho, interpretada por Jane Asher. A cada dia mais obcecado pela garota, o rapaz começa a persegui-la de forma obstinada e paranóica, algo que levará o relacionamento dos dois a um destino inesperado.
Jerzy Skolimowsky é o maior talento da geração polonesa dos anos 1960, germinada na Escola de Lodz, que revelou outros nomes fundamentais do cinema moderno como Andrzej Wajda, Roman Polanski e Jerzy Kawalerowicz. Pintor, poeta, ator e lutador de boxe, Skolimowski destacou-se pela inclinação surrealista e autobiográfica de seus primeiros filmes, como Walkover (1965) e Barriera (1966), após escrever os roteiros de obras essenciais do chamado Novo Cinema Polonês, como Os Inocentes Charmosos (1960), de Wajda, e Faca na Água (1962), de Polanski. Proibido de filmar no país após Mãos ao Alto! (1967), que usava criticamente imagens de Stalin, o cineasta seguiu para a Bélgica, onde realizou Le Départ (1967), com Jean-Pierre Léaud e Catherine-Isabelle Duport, a dupla protagonista de Masculino-Feminino (1966), de Jean-Luc Godard. Em 1970, já radicado na Inglaterra, realiza Ato Final, considerado por muitos críticos como sua obra-prima. Segue realizando filmes marcantes como o enigmático O Estranho Poder de Matar (1978), Classe Operária (1982) e O Sucesso É a Melhor Vingança (1984), os dois últimos retomando o olhar à situação política da Polônia. Seu último longa, Matança Necessária (2010), com Vincent Gallo no papel principal, ganhou o Prêmio Especial do Júri no Festival de Veneza daquele ano.    

Ato Final (Deep End, 1970)
Direção: Jerzy Skolimowski
Inglaterra/Alemanha Ocidental
92 minutos
Elenco: John Moulder-Brown, Jane Asher, Karl Michael Vogler e Christopher Sandford
Exibição digital em alta definição

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