Sócio e divulgador do Clube de Cinema de Porto Alegre, frequentador dos cursos do Cine Um (tendo já mais de 100 certificados) e ministrante do curso Christopher Nolan - A Representação da Realidade. Já fui colaborador de sites como A Hora do Cinema, Cinema Sem Frescura, Cinema e Movimento, Cinesofia e Teoria Geek. Sou uma pessoa fanática pelo cinema, HQ, Livros, música clássica, contemporânea, mas acima de tudo pela 7ª arte.
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Sinopse: O filme gira em torno de um jovem coelho que tenta construir a toca de seus sonhos.
O estúdio Pixar é conhecido pela sua criatividade na realização dos seus longas metragens. Porém, os estúdios nos surpreendem ainda mais na questão de curtas metragens e que beiram a ser ainda mais originais e criativos do que as suas grandes produções. "Burrow" (2020) é mais um exemplo dessa leva de genialidade do estúdio.
Feito em animação tradicional, o filme conta a história de um pequeno coelho que decide criar a sua toca embaixo da terra. Porém, há vizinhos dos mais diversos tipos pelo caminho e ele não quer se misturar com eles. Contudo, ele terá que aprender que a união faz a força quando ele se mete em uma grande encrenca.
Embora com meros seis minutos de duração, o curta é divertido em sua imagem cheia de detalhes e que remete aos velhos contos de fadas que os nossos pais contavam quando a gente era criança. Com traços simples, o curta é complexo em sua mensagem, ao nos dizer em jamais criar muros contra aqueles que são diferentes, pois pode uma hora precisarmos deles. O ápice do curta é quando o pequeno protagonista começa a ter medo de algo que não vê, quando na verdade a figura misteriosa se torna a sua verdadeira salvação e que o ligará para uma união para salvar a toca.
Indicado ao prêmio de Melhor Curta Metragem de Animação no Oscar, "Burrow" é divertido, mas que também passa uma mensagem positiva para essa nova geração e da qual eles tanto precisam.
Sinopse: Um sensível guarda prisional (Oscar Isaac) é transferido para sala onde ficam guardadas as cartas escritas para os presidiários.
Filmes em que a trama se passa em prisões é um subgênero forte dentro do cinema, seja pelo fato dos protagonistas tentarem escapar, como no caso de a trama explorar os seus dramas em situações irreversíveis. Porém, há casos que a simplicidade se torna fator pulsante para a qualidade da trama e que faz com que o cinéfilo se veja preso nela. O curta "The Letter Room" (2021) une a simplicidade com sensibilidade para moldar uma história comum, porém, contagiante.
Dirigido pela cineasta Elvira Lind, o filme conta a história de um guarda prisional (Oscar Isaac), que é transferido para sala onde ficam guardadas as cartas escritas para os presidiários. Lá ele acaba tendo acesso as cartas enviadas para um preso esperando a sentença de morte e desenvolve um laço de empatia pela história do homem. Não demora muito para que o seu lado profissional fique de lado e despertando o seu lado mais humano.
Com um bom ritmo, o filme gira tudo em torno do personagem Isaac, onde testemunhamos a sua mudança de comportamento na medida em que ele tem acesso as cartas que as pessoas de fora vão enviando para os seus parentes que estão presos no presídio. Se em um primeiro momento o protagonista tenta se esquivar, do outro, logo ele percebe que o lado profissional somente funciona até certo ponto e que é preciso o lado mais humano aflorar em situações ruim que podem sim serem evitados.
Embora sendo somente um curta metragem, Oscar Isaac nos brinda com uma ótima atuação, cuja a sua mudança física para interpretar esse personagem acaba sendo um verdadeiro contraste se formos compará-lo ao personagem heróico que ele atuou na nova trilogia de "Star Wars". Isaac nos passa através do olhar do seu personagem uma doçura do qual representa a sua preocupação por pessoas que ele mal conhece, mas que acaba se tornando facilmente ligados a eles. Um grande desempenho para um pequeno projeto.
Indicado ao prêmio de melhor Curta Metragem no próximo Oscar, "The Letter Room" é um sensível curta metragem que merece ser descoberto e analisado mais de perto.
Sinopse: Pai e filha saem de casa para comprar um presente para a esposa, mas terão adversidades ao longo da jornada.
Pelo fato de estarmos enfrentando uma grande pandemia, infelizmente, alguns governos se mostraram ineficazes no combate contra a doença e principalmente ao não conseguir disfarçar que há sim uma divisão de classes e credo entre as pessoas. Porém, essa divisão já existe a muito tempo, independente de qual região do globo, mas que basta um pequeno gesto para se fazer a diferença ao longo do percurso. "O Presente" (2021) mostra que a inocência ainda é principal força contra a insanidade da intolerância.
Dirigido por Farah Nabulsi, o filme conta a história do palestino Yusef e sua filha Yasmine enquanto eles tentam comprar um presente de aniversário de casamento para a esposa Noor. O curta explora de maneira sútil o efeito que a intervenção militar israelense tem na população da Palestina. Por um pequeno gesto, porém, se faz a diferença.
O filme já começa retratando a divisão que a Palestina e Israel criou para a sociedade, onde vemos diversas pessoas divididas entre muros e filas e fazendo da vida de lá muito mais complexa. Em meio a isso, ao vermos a pequena família de Yusef, constatamos que não importa qual caminho que um governo decide contra ou a favor do povo, pois a própria pode ainda viver em harmonia mesmo que o mundo possa vir a cair aos pedaços. Porém, um simples passeio para se fazer uma compra desencadeia um processo onde sintetiza a intolerância e desigualdade vinda do próprio ser humano.
Na divisa entre Palestina e Israel, a diretora Farah Nabulsi cria um cenário de pura tensão, já que Yusef tenta se controlar para não prejudicar a filha, mas não esconde a sua raiva perante soldados incapazes de praticar o que é certo e errado e culminando em momento que poderia facilmente ser evitado. Por outro lado, o filme mostra que ainda há esperança naquele cenário, seja pelo gesto do vendedor da geladeira, ou até mesmo da pequena Yasmine que se torna o coração do curta.
Nos minutos cruciais da trama, uma simples decisão poderia custar a vida dos protagonistas. Porém, um gesto simples desencadeia um outro cenário e culminando em um final surpreendente. Indicado ao prêmio de melhor Curta Metragem no Oscar 2021, "O Presente" fala em pequenas façanhas perante a intolerância que existe hoje em dia.
Nota: O texto a seguir eu publiquei em 09 de Agosto de 2018.
Sinopse: O CASO DO HOMEM ERRADO conta a história do jovem operário negro Júlio César de Melo Pinto, que foi executado pela Brigada Militar, em 1987, em Porto Alegre/RS. O crime ganhou notoriedade após a imprensa divulgar fotos de Júlio sendo colocado com vida na viatura e chegar, 37 minutos depois, morto a tiros no hospital.
Embora alguns ainda neguem os fatos, estamos vivendo em tempos de retrocesso, onde pessoas que praticam um lado mais socialista acabam sendo calados por únicamente abraçar um bem maior em ajudar o próximo. O recente caso do assassinato da vereadora Marielle Franco, não é somente uma situação em que sintetiza o estado de calamidade em que o nosso país se encontra como também ele reflete uma realidade que perdura já em décadas. Por coincidência, chega ao cinema O Caso do Homem Errado, onde explora o lado racista e despreparado de uma polícia que ainda carrega resquícios dos tempos da ditadura.
Dirigida por Camila Moraes, o documentário investiga passo a passo, através de depoimentos, sobre o caso do jovem operário negro Júlio César que, durante um confronto entre a brigada militar e bandidos no centro de Porto Alegre, acabou sendo levado pelos primeiros sem ao menos saber do por que. Pouco mais de meia hora depois, Júlio César chega morto ao hospital, sendo que ele nem estava armado e dando a entender que a brigada havia lhe executado. Através dos depoimentos, como de um jornalista da época, por exemplo, acabamos então encarando a trágica e real verdade sobre o corrido.
Diferente da maioria dos documentários, a diretora Camila Moraes não moldou a sua obra com imagens da época sobre o acontecido, mas que, através dos depoimentos de pessoas em cena, obtemos então uma construção de imagens surgindo em nossas mentes e se criando certa tensão de acordo com o andamento das entrevistas. O depoimento emocionado do fotógrafo Ronaldo Bernardi, que havia fotografado Júlio César jaz morto na maca do hospital, sintetiza bem esse clima mórbido e do qual não é preciso de uma representação ou de imagens a todo o momento sobre o que havia acontecido. Bastam então as palavras emocionadas para então termos a dimensão da trágica verdade.
O que indigna mais o caso do assassinato de Júlio César é que ele não estava somente no lugar errado ou na hora errada, mas somente pelo fato de ser negro, foi julgado em poucos minutos e sendo sentenciado à morte de uma forma tão sem sentido. O mais chocante, porém, é do fato dele ter caído nesse olho do tornado de uma forma tão estúpida, moldada pelas palavras de pessoas inconsequentes que se encontravam no local e que o julgaram somente pela sua cor de pele. Um acontecimento criado de uma forma errônea e catastrófica.
Embora Camila Moraes não deixe de uma forma mais explícita, ela foi hábil em nos colocar numa situação que ressoe o clima da época de nosso país. Ouvindo os depoimentos nos colocamos então em 1987, época em que a recém o povo havia reconquistado a democracia, tendo o desmonte final da ditadura, mas ao mesmo tempo, havia ainda aqueles resquícios de um tempo em que a brigada militar ainda se sentia com o direito de fazer o que bem entender contra a vida daqueles que eles acreditavam serem minorias. Rapidamente me veio então na mente o clássico curta metragem O Dia em que Dorival Encarou a Guarda, de Jorge Furtado, obra que havia sido lançada um ano antes da morte de Júlio César e que sintetizava a imagem falida de uma brigada militar dependente de métodos errôneos e tão pouco humanos.
A sensação que passa é que, entre o final dos anos 80, até os dias de hoje, tivemos um grande avanço, mas sendo então freado e nos colocando então na estaca zero. É como se os recursos dos dias de hoje como, por exemplo, as redes sociais da internet, cujo recurso poderia nos dar mais benefício, se tornam então um palco para o nascimento de depoimentos preconceituosos e de até mesmo de alguns manifestando o desejo pelo retorno dos tempos de chumbo. Em um país pós-golpe, onde há um desejo cada vez maior pelo controle do capitalismo, os direitos humanos acabam, infelizmente, se tornando algo secundário pelo olhar dos que se dizem poderosos.
O documentário O Caso do Homem Errado, felizmente, veio para nos dizer que as vozes de Júlio César, assim como a de Marielle Franco e de muitos inocentes jamais se calarão, mas sim soarão fortes e muito além da eternidade.
Sinopse: O ex-capelão militar Toller sofre pela perda do filho que ele encorajou a se alistar nas forças armadas. Um outro desafio começa quando faz amizade com a jovem paroquiana Mary e o marido dela, que é um ambientalista radical. Toller logo descobre segredos nebulosos de sua igreja com relação a empresas inescrupulosas.
Paul Schrader foi um de muitos nomes que se consagraram nos tempos da “Nova Hollywood” (1967 – 1980), não exatamente sentado na cadeira de direção e sim como roteirista de filmes que entraram para a história da sétima arte. Tanto “Taxi Drive” (1976), como “Touro Indomável” (1980), ambos de Martin Scorsese, foram filmes em que o roteirista fazia com que os seus protagonistas colocassem os seus demônios para fora e enfrentasse um mundo distorcido que eles enxergavam com os seus próprios olhos. Na cadeira de diretor, Paul Schrader coloca os ingredientes que sempre usou em seus roteiros. criou em “Fé Corrompida” uma trama sobre o homem vs capitalismo desenfreado, que pode leva-lo à sua própria destruição.
O filme conta a história de um ex-militar, e agora padre, Toller (Ethan Hawke), que sofre pela perda do filho que apoiou ao se alistar nas forças armadas. Um outro desafio começa quando ele faz amizade com a jovem paroquiana Mary (Amanda Seyfried) e seu marido, um ambientalista. Toller logo descobre segredos escondidos de sua igreja com relação às empresas poluidoras e começa a questionar o seu próprio papel.
Paul Schrader tinha uma visão muito clara com relação aos anos 70, por conta disso, criava personagens que tinham gosto de ir contra o sistema daquele período. Em “Fé Corrompida” não é muito diferente, vemos personagens atormentados diante de situações que, gradualmente, vão corroendo a realidade em que eles vivem. O padre Toller, aos poucos, percebe que é colocado em teste, uma vez que testemunha situações que os demais ignoram, mas que lhe corroem por dentro.
Embora alguns críticos tenham questionado as suas atuações ao longo do tempo, Ethan Hawke nos brinda aqui com o melhor desempenho de sua carreira. Na medida em que o seu personagem começa a questionar os males vindo de sua própria realidade, Ethan Hawke consegue a façanha de transmitir, em todas as suas expressões, um ser atormentado por dentro e que não consegue mais se manter preso à regras vindas, inclusive, da própria igreja. Ignorado no último Oscar, Ethan Hawke merecia um reconhecimento melhor, mas o tempo há de reconhece-lo.
Curiosamente, “Fé Corrompida” possui uma rara história com relação a fé e a natureza, que são temas que se encontram distantes no cinema, mas que aqui caminham de mãos dadas e em harmonia. Claro que há sempre liberdades poéticas com relação ao tema que, aqui, soa um tanto forçadas. Porém, tudo é compensado, tanto devido atuação de Hawke, como também dos demais atores, em especial atriz Amanda Seyfried, que desde “Os Miseráveis” (2012) não atuava em filme digno de nota.
Na medida que o filme avança, o cineasta cria situações que nos faz crer que tudo se encaminhará para uma situação irreversível. Porém, os minutos finais farão muitos questionar as soluções que o cineasta e roteirista decidiu criar para que, talvez, pudesse agradar diversos públicos, seja ele conservador, ou aqueles que optam por um lado mais libertador. Um final que renderá uma roda de debates e que essa, talvez, tenha sido a intenção de Paul Schrader.
“Fé Corrompida” é uma pequena obra sobre fé e que coloca em teste a própria sanidade do homem contemporâneo diante de situações que ele próprio não consegue controlar.
Sinopse: Frances é uma jovem cuja mãe acabou de falecer. Ela se muda para Manhattan e, cheia de problemas com o pai, faz uma amizade improvável com Greta, viúva e bem mais velha que ela. As duas se tornam melhores amigas, mas as atenções de Greta se mostram muito mais sinistras do que Frances imaginava.
O cineasta Neil Jordan possui uma predileção por personagens que não se encaixam na realidade e que, por vezes, possuem o desejo obsessivo pela “não solidão”. Em “Entrevista Com Um Vampiro” (1994), por exemplo, vemos seres imortais poderosos, mas cuja a ideia de ficarem sozinhos se torna um terrível pesadelo. Em “Obsessão” esse pensamento vai aos limites, em um suspense que explora personagens solitárias no mundo, mas cada uma tendo uma forma diferente de lidar com isso.
O filme conta a história de Frances (Chloë Grace Moretz) de “A Invenção de Hugo Cabret” (2011), que acabou de perder a sua mãe e vive os seus dias de luto ao lado da melhor amiga de faculdade chamada Erica (Maika Monroe) do filme “Corrente do Mal” (2014). Certo dia ela acha no vagão do trem uma bolsa perdida e decide devolver para Greta (Isabelle Huppert) de “Elle” (2016), uma viúva solitária e que deseja manter uma amizade com Frances. Porém, não demora para Frances notar que Greta começa a ficar obsessiva por ela, nascendo então um verdadeiro jogo de perseguição e com desdobramentos imprevisíveis.
Com uma fotografia mórbida, Neil Jordan faz questão de retratar aquele universo particular das personagens principais de uma forma que não se torne nenhum pouco acolhedor e fazendo com que Frances, por exemplo, se torne uma presa fácil. Porém, uma vez que ela descobre mais sobre Greta, é então, o início dos desdobramentos começando no primeiro ato da trama. Curiosamente, há um ritmo acelerado na medida que Frances tenta fugir de Greta o que faz com que a tensão aumenta na medida em que a trama avança.
Temos aqui, ao menos, uma trindade formada por personagens que lidam com atos e consequências de uma forma distinta. Se por um lado temos Frances que não soube desvencilhar da dor devido a solidão, do outro, temos a sua amiga Erica que, embora aparente ter um desejo em manter a sua melhor amiga sempre ao seu lado, não esconde também uma segurança de estar bem consigo mesma. Já Greta nada mais é do que uma pessoa fria e calculista, cuja a ideia de ficar sozinha a faz provocar situações que a levam por um caminho sem volta.
Se Isabelle Huppert já causa arrepios em outros papéis, cujo os filmes, às vezes, nem sequer são do gênero suspense, aqui ela está mais do que a vontade em colocar todos os seus demônios para fora fazendo da sua personagem uma entidade do caos, sempre em movimento constante. E se por um lado temos uma atuação econômica de Chloë Grace Moretz, do outro, Maika Monroe surpreende em todas as cenas, ao criar uma personagem lúcida e que sabe jogar diante das adversidades de uma cidade grande e opressora.
Nas mãos de outros realizadores, “Obsessão” terminaria como um suspense raso, já que a história em si não traz muito frescor de originalidade dentro do gênero. Porém, é graças a direção segura e perfeccionista de Neil Jordan, que faz toda a diferença, ao criar situações que testam as nossas próprias expectativas. O ato final, aliás, é digno de nota, ao criar uma tensão sem limites sem devendo nada para os melhores filmes de suspense de antigamente.
“Obsessão” é um filme de suspense elegante, que surpreende pelo seu ritmo e que não cai na vala comum do esquecimento cinematográfico.
Sinopse: Uma adolescente educada em casa começa a suspeitar que sua mãe esconde segredos sombrios.
Aneesh Chaganty chamou atenção da crítica e do público através do filme "Buscando" (2018), sendo que era um filme de suspense todo construido através do que os protagonistas viam na tela do computador. Portanto, era uma questão de tempo para saber qual seria a mirabolante nova trama que ele poderia, novamente, nos surpreender. Eis que chega "Fuja" (2021), filme de suspense que usa das mesmas fórmulas de sucesso de outros clássicos, mas conseguindo manter a nossa atenção até o seu final.
O filme conta a história de Chloe (Kiera Allen), uma adolescente que está confinada a uma cadeira de rodas e é educada em casa por sua mãe, Diane (Sarah Paulson). No entanto, o comportamento estranho apresentado pela matriarca começa a deixar a jovem desconfiada. Quando ela vasculha alguns medicamentos um tanto que suspeitos que ela dá para ela. A partir disso, a jovem começa a desconfiar de tudo o que Diane faz, suspeitando que algo muito mais sinistro está por trás de tudo.
Bebendo da fonte de clássicos como "O Que Terá Acontecido a Baby Jane?" (1962) e "Louca Obsessão" (1990), o filme é um suspense psicológico, do qual explora os laços familiares ao extremo, ao ponto que coloca para fora o pior do ser humano. É bem da verdade que o filme é um pequeno estudo sobre a dependência doentia paternal perante ao fato da possibilidade dos filhos saírem de casa para seguir com as suas próprias vidas. É um assunto que, por vezes, a maioria não gosta de tocar no assunto, mas que é preciso ser tratado antes que tudo se eleve para algo mais obsessivo.
Para um olhar mais antenado de um cinéfilo, o filme quase não possui nenhuma novidade dentro do gênero, mas tendo sido bem conduzido obteve grande êxito. Aneesh Chaganty está longe de ser um mestre como Alfred Hitchcock, mas é preciso reconhecer que ele possui certo talento com o movimento de sua câmera, onde ela se torna uma representação do nosso olhar perante certas situações que a personagem Chloe não presencia. Reparem, por exemplo, a cena em que ela está pesquisando na internet, para logo em seguida a câmera focar algo que está no fundo e fazermos estar há um passo a frente da personagem.
Além de uma ótima trilha sonora que aumenta o clima de tensão, o filme possui também uma fotografia fria, da qual sintetiza o clima mórbido na medida que em que a trama avança. Porém, o filme jamais funcionaria se a sua dupla principal não funcionasse em cena. Se por um lado Sarah Paulson cumpre novamente com louvor ao interpretar uma complexa personagem em cena, do outro, a estreante Kiera Allen surpreende na medida em que a sua personagem vai descobrindo aos poucos a verdade sobre toda a sua vida e mudando drasticamente as suas atitudes para poder escapar com vida.
É claro que o cinéfilo veterano sempre irá desvendar determinadas cenas antes delas acontecerem. Porém, confesso que certas revelações da história me surpreenderam muito, mas isso graças a edição de cenas criada pelo cineasta, da qual alinhada com determinadas peças secretas desse tabuleiro faz com que a revelação se torne uma verdadeira jogada de gênio e criando um xeque-mate. Nada mal para um segundo longa metragem na carreira.
Com um final que é uma verdadeira virada de mesa, "Fuja" é um verdadeiro prato cheio para aqueles que procuram altas doses de suspense, mas alinhado com muita criatividade.
