Sócio e divulgador do Clube de Cinema de Porto Alegre, frequentador dos cursos do Cine Um (tendo já mais de 100 certificados) e ministrante do curso Christopher Nolan - A Representação da Realidade. Já fui colaborador de sites como A Hora do Cinema, Cinema Sem Frescura, Cinema e Movimento, Cinesofia e Teoria Geek. Sou uma pessoa fanática pelo cinema, HQ, Livros, música clássica, contemporânea, mas acima de tudo pela 7ª arte.
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Sinopse: Para alegrar um amigo em crise, um grupo de professores decide testar a ousada teoria de que serão mais felizes e bem-sucedidos vivendo com um pouco de álcool no sangue.
O clássico "Farrapo Humano" (1945) foi um dos primeiros filmes em abordar o vício do álcool e suas consequências como um todo. A partir daí, começou a ser lançados ao longo da história diversos filmes em que se aborda diversos vícios e retratando os protagonistas que transitam em estar no fundo do poço para se reerguer ao longo do tempo. Curiosamente, é raro vermos um filme em que se debata até onde essas drogas podem ser usadas para colaborar na melhora da vida da pessoa, desde que mostre de forma lógica o outro lado dessa moeda.
O filme Dinamarquês "Druk - Mais Uma Rodada" (2021), do diretor Thomas Vinterberg, o mesmo de "A Caça" (2013) procura em retratar pessoas com determinados dons, mas que desejam ir muito além disso e, portanto, experimentando drogas que podem ajuda-los, mas até certo ponto. O filme conta a história de quatro professores com problemas em suas vidas, testando a teoria de que ao manter um nível constante de álcool em suas correntes sanguíneas, suas vidas irão melhorar. De início, os resultados são animadores, porém, no decorrer da experiência, eles percebem que nem tudo é tão simples.
Há quem diga que a Dinamarca é um dos países em que o povo mais bebe no mundo e, portanto, não é de se estranhar, por exemplo, o prólogo onde retrata jovens estudantes disputando um desafio de corrida alinhado com altas doses de álcool. Após isso, o filme retrata o dia a dia dos protagonistas, que transitam entre um bom profissionalismo em suas profissões como professores com uma vida rotineira e, por vezes, sem graça. É a partir dessa rotina em que os mesmos testam a teoria de que grandes artistas e políticos do passado usaram álcool e outras drogas para conseguir obter inspiração em seus trabalhos, mesmo quando corriam um sério risco de serem descobertos.
Curiosamente, Thomas Vinterberg procura nos explicar com bastante lucidez de que grandes talentos do passado chegaram aonde chegaram com um pouco da ajuda de determinadas drogas como no caso do álcool. Quando o cineasta chega neste ponto, por exemplo, ele acaba se tornando corajoso ao colocar na tela políticos do mundo real que chegaram ao poder, mas que não conseguiam esconder em determinados momentos que usavam certas drogas ilícitas para conseguir falar com o povo ou a imprensa. Se por um lado surpreende pela coragem, do outro, se torna sarcasticamente previsível quando surge na tela o ex-presidente dos EUA Bill Clinton, pois o escândalo sobre o que ocorria no salão oval daqueles tempos se tornou algo conhecido mundialmente.
Dos quatro protagonistas, Martin, interpretado pelo ótimo Mads Mikkelsen, aceita em participar do experimento, mas sempre com a mão no freio, mesmo quando surgem elementos que o poderiam tentá-lo em jogar tudo para alto. Se do primeiro ato até ao início do segundo o experimento dá certo resultado, porém, logo em seguida se percebe que é inevitável que os quatro comecem a cair no desfiladeiro do alcoolismo e cabe o bom senso de cada um ali saberem quando se deve parar antes que seja tarde demais.
No final das contas, Thomas Vinterberg não procura suavizar a questão das bebidas ilícitas, mas sim nos dizer que todos nós somos seres humanos destinados a experimentar tudo que vier pelo nosso caminho. Porém, cabe a nós sermos adultos e dizermos a nós mesmos quando se deve parar. O epílogo, por exemplo, nos mostra os sobreviventes de um círculo de eventos da trama comemorando com tudo o que tem direito, mas todos ali tendo a consciência dos seus próprios atos.
Indicado ao Oscar de Melhor Longa Internacional, "Druk - Mais Uma Rodada" é sobre pessoas talentosas, porém, não menos que humanas e que carregam para si os seus erros e acertos na vida.
Sinopse: Três homens, um lugar e um acontecimento que vai mudar a vida de todos. Supernova analisa como a essência de uma pessoa pode mudar baseada em um fato do acaso e do destino.
Em tempos de crise política, pandêmica e descrença que nós sentimos perante aos nossos líderes, constatamos que cada vez mais o lado bestial do ser humano está se aflorando, ao ponto que corremos um sério risco de adentrarmos um caminho sem retorno. Curiosamente, esse caminho está inundado de trevas, mas também de luz e da qual nem mesmo ela pode consertar o estrago que já está sendo feito. O filme Polonês "Supernova" (2019) é uma representação do mundo atual prestes a ter um ataque de nervos e do qual corremos sério risco de testemunharmos.
Dirigido estreante Bartosz Kruhlik, o filme é baseado num fait divers no qual o diretor diz ter se inspirado quando leu sobre o trágico atropelamento de uma família, em uma estrada vicinal do campo polonês, em nota de pé de página de jornal. Assistimos uma jovem com os seus dois filhos fugindo do seu marido bêbado, mas ela e as crianças são atropeladas por um determinado político. Com a chegada da polícia e dos paramédicos se tem início a diversas situações em um único ponto da estrada.
Em pouco mais de uma hora de duração, Bartosz Kruhlik nos convida para adentrarmos em uma trama cuja a mesma se passa em um dia ensolarado, como se não houvesse razão nenhuma para acontecer algo trágico. Curiosamente, o prólogo começa em um Plano-sequência, onde gradualmente avistamos a mulher, seus filhos e o marido bêbado tentando convencê-la a não ir embora. Só por essa cena já imaginamos diversos desdobramentos, mas todos eles acabam se tornando errados, pois a realidade acaba sendo muito mais crua do que nós imaginamos.
Há uma curiosa interligação dos personagens uns com os outros na medida em que eles vão surgindo, provocando a sensação para alguns que aquilo pode ser um tanto que inverossímil, mas se tornando coerente na medida que vamos conhecendo as suas motivações, seja do policial, do seu superior, ou dos demais que vão surgindo na tela. É a famosa teoria sobre o efeito borboleta, mesmo que aqui seja em menor escala, mas que a própria cresce na medida em que a situação foge do controle. É algo similar ao que já havia sido visto no filme "Babel" (2007), de Alejandro González Iñárritu, em escalas menores, mas sintetizando o fato de que qualquer mudança na água pode gerar uma onda maldita.
Com a câmera na mão, Bartosz Kruhlik nos passa uma sensação de uma obra quase documental sobre os fatos, como se aquilo estivesse realmente acontecendo. Curiosamente, foram poucos atores profissionais que foram contratados, sendo que a maioria que provoca ali a multidão que irá desencadear o descontrole são apenas moradores comuns da região em que foi feita a obra. O resultado é a transição do lado amador para o perfeccionismo da situação, onde qualquer passo em falso poderia ser benéfico para o resultado final da obra como um todo.
"Supernova" se encaminha facilmente na mesma fileira onde se encontra filmes recentes como "Parasita" (2019) ou "Coringa" (2019), pois são obras que dialogam com a sociedade atual cada vez mais sobrecarregada devido aos diversos problemas em que o mundo se encontra, seja ele moral, político ou de um desprezo cada vez maior das classes dominantes que se acham no dever de menosprezar um lado mais sociável. O epílogo, aliás é simbólico, pois ele fala de um eventual fim do mundo vindo através de uma supernova vinda do espaço, mas bem da verdade ele já está ocorrendo aqui embaixo e o que resta é, ou intervir, ou manter o pouco que nos resta nestes tempos indefinidos.
"Supernova" transita entre a insanidade e a estupidez humana atual perante as situações que poderiam ser evitadas.
Onde Assistir: NOW, Looke e outras plataformas de aluguel.
Sinopse: Daniel experimenta uma transformação espiritual durante o tempo em que passa em um centro de detenção para jovens.
Jan Komasa tem chamado atenção da crítica especializada mesmo com uma curta filmografia. Em "A Rede do Ódio" (2020), por exemplo, ele toca em um assunto universal que é na questão das fake news, mas também nos falando um pouco do que é moldado a Polônia atual e da qual transita entre o conservadorismo e a liberdade individual. Em "Corpus Christi" (2020) ele toca agora na questão da religião e revelando uma sociedade hipócrita que se esconde através da fé e das regras da igreja das quais eles dizem que não irão quebrar.
O filme conta a história de Daniel (Bartosz Bielenia), um rapaz de 20 anos que experimenta uma transformação espiritual enquanto vive em um Centro de Detenção para Jovens. Ele quer se tornar padre, mas isso é impossível por causa de sua ficha criminal. Quando é enviado para trabalhar na oficina de um carpinteiro em uma cidade pequena, na chegada, ele se veste de padre e acidentalmente assume a paróquia local. A chegada do jovem e carismático pregador é uma oportunidade para a comunidade local iniciar o processo de cura após uma tragédia que aconteceu na região.
Durante boa parte do filme acompanhamos a cruzada do jovem protagonista, que procura se encontrar na vida, mas tendo que enfrentar as regras impostas contra ele. Além disso, ele precisa ter que contornar uma realidade conservadora, mas que também não esconde o seu lado mais sombrio na formação das pessoas através de uma fé cega. Portanto, o protagonista possui um olhar inocente perante a realidade moldada pela fé, mas ao mesmo tempo estando preparado pelos duros golpes que irá sofrer.
Daniel é uma representação do jovem rebelde atual, do qual transita entre a anarquia e o bom senso, mas correndo um sério risco de voltar à estaca zero. Ao se disfarçar de padre, ele se encaminha para uma estrada desconhecida, mas que o conduz a ter que usar as palavras que haviam sido ensinadas para ele ao longo de sua vida. Por conta disso, ele conhece essas pessoas que vivem nesta pequena comunidade, que se dizem cidadãos do bem, mas que não sabem perdoar o próximo e, ao mesmo tempo, cometendo atos errôneos e acreditando que estarão a salvos ao confessarem os seus pecados.
Bartosz Bielenia está ótimo interpretando Daniel, mesmo em cenas em que o seu personagem não diz nada, mas cujo o seu olhar fala por si e representando muito bem o conflito interno que ele vai enfrentando ao longo desse percurso. Jan Komasa, por sua vez, cria enquadramentos únicos, dos quais se destaca a presença do protagonista como um todo e fazendo com que o mesmo se case com aquela nova realidade em que ele vai convivendo. Atenção para a belíssima cena em que ele segura a carestia, desde já uma das melhores partes do filme.
Mas diferente do que se imagina, o filme não procura criticar a igreja em si, mas sim uma sociedade hipócrita que a procura, moldada pela ambição do capitalismo e não sabendo como administrar uma realidade dividida entre a fé e o dinheiro. Daniel transita entre esses dois pólos, dos quais ele enfrenta com certo êxito, mas tendo que enfrentar a seguir as consequências dos seus atos. Na sua reta final, testemunhamos um Daniel despreocupado de qualquer arrependimento, pois a própria sociedade que o machuca é que deve um pedido de desculpas.
"Corpus Christi" é um filme sobre uma sociedade conservadora alienada, transitando entre a fé e o dinheiro e fazendo do primeiro uma mera desculpa para esconder os seus piores pecados.
Sinopse: Entre trabalho, natação e sexo anônimo, Sandro vive uma vida bastante monótona na extensão quente e árida de Goiás no Brasil.
Desde o primeiro momento do filme "Vento Seco", o diretor Daniel Nolasco coloca tudo na mesa, ao deixar bem claro onde deixará a sua câmera fixa sem excitar: no sexo sem censura. Por conta disso, há uma fixação, como se não houvesse de nenhuma maneira da câmera recuar, pois ela sempre vai estar lá para testemunhar cenas que, por vezes, irão chocar até mesmo aquele que possui a cabeça mais liberal.
São imagens que falam por si, das quais carregam uma forte potência e que não deve nada para outros títulos do gênero como, por exemplo, "Um Estranho no Lago" (2013), ou "Love" de Gaspar Noé. Contudo, é curioso que ficamos sempre na dúvida sobre o que observamos, já que acompanhamos o enredo sempre pelo olhar de Sandro (Leando Faria Lelo), onde constatamos o seu desejo por outros homens, mas fazendo a gente ficar na dúvida sobre o que ocorre na tela. Seria tudo real ou fantasias eróticas do seu interior?
Seguindo esta lógica, não é apenas o plano-detalhe o único artifício usado por Nolasco para direcionar o espectador ao mesmo olhar de Sandro. Em diversas cenas, por exemplo, um personagem passa por outro e a câmera segue aquele corpo, como se não houvesse chance de desviarmos disso. De mesmo modo, quando o motoqueiro Maicon (Rafael Theophilo) surge pela primeira vez, há uma apresentação gradual do seu corpo, como se a câmera nos obrigasse em observar cada detalhe, desde ao visual retro, como também pelo uso da roupa de borracha.
Além disso, a câmera é usada em planos fechados, como se fosse uma representação do nosso olhar de estarmos somente nós testemunhando um momento particular do protagonista. Bom exemplo disso é a cena da montanha russa, onde o mesmo, ao lado do seu mais novo desejo, compartilha juntos uma situação de pura adrenalina e da qual se mistura com os desejos do protagonista. Ou seja, é justamente através dos artifícios cinematográficos que eles ganham forma, privilegiando o cinéfilo que assiste naquele momento.
Se esta cena já explora certa liberdade criativa, este é o caminho no qual o filme vai caindo de cabeça gradualmente. Afinal, se o desejo de Sandro é contido devido a realidade de sua volta, há de ser liberada no seu universo do sonhar. Por conta disso, muitas cenas de sexo explícito são jogadas na tela sem nenhuma censura, como não houvesse ninguém ali para reprimi-las, a não ser nós se no caso de nos sentirmos incomodados com elas.
Ao nível de comparação, como já mostrado acima, é possível ver em "Vento Seco" diversos traços de um cinema mais liberal como era visto nos filmes de baixo orçamento dos tempos do cinema mudo, mas que foram perseguidos e destruídos pelos conservadores de plantão daqueles tempos. O filme chega em um momento em que o fascismo, travestido de conservadorismo, está avançando e desejando silenciar aqueles que desejam ser apenas eles mesmos. Por conta disso, talvez seja um dos filmes mais corajosos de 2020, mesmo que surja alguns detratores que irão dizer ao contrário.
"Vento Seco" talvez seja o último sopro de resistência e coragem vindo do nosso cinema brasileiro recente e cabe essa coragem ser repassada para aqueles que desejam passar a sua mensagem.
Onde Assistir: Informações sobre quando o filme estará disponível vocês encontram na página oficial do filme no facebook clicandoaqui.
Sinopse: Corrompido pelo poder do livro negro de Cipriano, um jesuíta e seus seguidores iniciam um reinado de terror no Brasil colonial, até serem amaldiçoados a viver eternamente presos sob os túmulos de um cemitério.
Rodrigo Aragão se tornou sinônimo de cinema de horror brasileiro gore, já que os seus filmes transitam entre muita violência, sangue, mas tudo misturado com a cultura e folclore brasileiro. "Mangue Negro" (2008), "A Noite do Chupa Cabra" (2011) e Mar Negro" (2013) são filmes que rapidamente ganharam status de cult para aqueles que apreciam uma boa obra de horror escapista. "O Cemitério das Almas Perdidas" (2020) não foge muito dessa regra e sendo um entretenimento de primeira para aqueles que procuram um cinema puramente trash.
A trama em si não traz muitas novidades, pois ela não é muito diferente do que muitos títulos que exploram rituais de magia negra e zumbis. Porém, é delicioso observar as referências que o cineasta incrementa, que vai desde a Roger Corman, Mario Bava e algumas pinceladas que nos lembra os bons tempos do estúdio Inglês Hammer. Ao mesmo tempo, há também uma boa dose de folclore brasileiro e que remete certos contos antigos contados pelos nossos avôs do passado.
Curiosamente, Rodrigo Aragão é esperto ao falar um pouco do nosso Brasil atual e cuja a situação não deve em nada a um filme de horror. Ao vermos, por exemplo, o massacre de um povo indígena, ou palavras vindas de uma fanática religiosa, nada mais é do que uma metáfora de uma visão geral que o Brasil atual se encontra. Se no passado José Mojica Marins enfrentou o preconceito e o fanatismo religioso na criação de seus filmes, hoje essa luta é muito bem representada por Rodrigo Aragão e que não falha em colocar o dedo na ferida.
Tecnicamente, o filme possui um grande salto em termos de orçamento se for comparado as obras anteriores do cineasta. Se em "Mar Negro" a gente se divertia com a sua tosquice, aqui se percebe um cuidado maior, tanto no figurino, como também nas pesadas maquiagens que remetem como se fazia monstros de horror de antigamente. Claro que se percebe um furo de continuidade lá e aqui, mas isso é deixado de lado quando já nos encontramos absorvidos por esse universo gótico.
Com uma pequena e justa homenagem a José Mojica Marins no primeiro minuto de filme, "O Cemitério das Almas Perdidas" é prato cheio para aqueles que procuram um entretenimento puramente trash brasileiro e que não deve em nada para os gringos.
Onde Assistir: Informações sobre quando o filme estará disponível vocês encontram na página oficial do filme no facebook clicandoaqui.
NOTA: A minha análise a seguir não faz comparação alguma com a versão de “Liga da Justiça” de 2017, que acabou sendo mutilada pelo estúdio e por Joss Whedon. Essas comparações, aliás, já têm mais do que o suficiente pelos sites e redes sociais por aí e decidi não fazer parte disso, mas sim ir para um caminho inverso. A minha intenção aqui é fazer uma análise do filme imaginando como teria sido se caso o corte final de Zack Snyder não tivesse sido cancelado, mas sim tendo sido lançado para os cinemas na época e dando continuidade ao universo compartilhado que o estúdio tanto queria.
Caso queiram, confiram também a minha crítica sobre a versão do filme de 2017 ao final do texto.
'LIGA DA JUSTIÇA - SNYDER CUT' (2021)
Sinopse: Depois de restaurar sua fé na humanidade e inspirado pelo ato altruísta do Superman, Bruce Wayne convoca Diana Prince para combater um inimigo ainda maior, recém-despertado. Juntos, Batman e Mulher-Maravilha buscam e recrutam um time de meta-humanos, mas mesmo com a formação da liga de heróis sem precedentes -- Batman, Mulher-Maravilha, Aquaman, Ciborgue, e Flash -- poderá ser tarde demais para salvar o planeta de um catastrófico ataque.
Zack Snyder é um tipo de cineasta que faz falta na Hollywood atual, da qual essa última prega por não arriscar e produzir franquias para render rios de dinheiro, mas cuja algumas obras não possuem os ingredientes necessários para que possam sobreviver ao teste do tempo. Snyder, por sua vez, procura sempre criar filmes de acordo com o seu pensamento e sua visão pessoal com relação ao mundo ao redor, mesmo que para isso corra o sério risco de dividir a opinião da crítica e o público. "Batman vs Superman: A Origem da Justiça" (2016) já nasceu polêmico por não apenas colocar os dois maiores heróis do planeta frente a frente um contra o outro, como também em acender a discussão se seria uma bênção ou uma maldição se esses super seres realmente existissem em nosso mundo real.
Quase sempre sendo retratados como uma luz de esperança, Sack Snyder, por sua vez, procura retratar esses super seres com uma personalidade muito próxima da nossa, ou seja, humana e seres humanos possuem tanto as suas qualidades como também dúvidas e falhas. Portanto, as ações desses heróis acabam por pesar mais, principalmente em situações em que eles não têm exatamente um exato controle de suas forças e gerando destruição enquanto tentam derrotar os seus antagonistas. Pode parecer uma visão pessimista vinda do cineasta, mas que nos faz a gente pensar e conseguindo assim obter a nossa atenção até o fim de suas obras.
O problema maior é que o diretor pega toda essa bagagem de discussão por meio de personagens tão conhecidos pelos fãs. Se por um lado isso foi fácil em "Watchmen" (2009), cujo os personagens não eram conhecidos pelo grande público, do outro, o mesmo não se pode dizer sobre Batman, Superman e Mulher Maravilha, que existem a décadas, possuem uma legião de fãs ferrenha e que não aceita os seus personagens preferidos ultrapassarem a linha. Mas Snyder já havia atravessado em "O Homem de Aço" (2013), prosseguiu com isso em "Batman Vs Superman" e expandindo por fim em "Liga da justiça - Snyder Cut" de uma forma corajosa, polêmica e que irá gerar discussões enquanto o tempo passar.
O filme começa exatamente no ápice de "Batman Vs Superman", onde vemos o herói se sacrificando para salvar a humanidade, mas ao mesmo tempo algo poderoso desperta ao redor do mundo. Temendo um grande mal que se aproxima, Batman (Ben Affleck) decide se reencontrar com Diana (Gal Gadot), para que assim ambos possam reunir pessoas com dons especiais e juntos consigam combater o perigo iminente. Surge então Barry Allen, codinome Flash (Ezra Miller), Arthur Curry, codinome Aquaman (Jason Momoa) e Victor Stone, codinome Cyborg (o estreante Ray Fisher).
Com quatro horas de duração, Zack Snyder não tem pressa em apresentar os seus personagens principais, tanto que os mesmos são moldados de acordo com a sua visão autoral haja o que houver. Com uma fotografia quase acinzentada, vemos esse mundo ainda em luto pela perda do Superman, mas ao mesmo tempo retratando os super seres ocupados demais em pensar em outra coisa, a não ser sobreviver. Se por um lado ainda temos uma Diana, cuja a sua fé pela humanidade se manteve mesmo após o triste final de "Mulher Maravilha" (2017), do outro, temos um Aquaman pouco se lixando pelas suas raízes da realeza, ou pelo perigo que está por vir e somente tendo o desejo de ajudar pessoas que passam realmente por grandes necessidades.
Porém, é por meio de Batman, talvez o herói mais falho e humano da equipe, que nasce um incentivo para que esses super seres venham a se unir. Antes disso, porém, é criado um cenário realmente amedrontador com a chegada do vilão Lobo da Estepe (Ciarán Hinds), que embora seja um lacaio de uma força maior que está por vir que é Darkseid, por outro lado, é preciso reconhecer que sua força e presença é realmente ameaçadora. Se por um lado é incrível presenciarmos a grande guerra dos Deuses e heróis do passado contra Darkseid, do outro, é sufocante a batalha do presente entre as Amazonas contra Lobo da Stepe e fazendo do sacrifício dessas heroínas o primeiro ponto alto do filme.
Mas como eu disse acima, Zack Snyder não tem pressa, ao ponto de dar um destaque maior para os personagens que não haviam sido apresentados anteriormente. Se por um lado dá a entender que as origens e motivações de Aquaman serão exploradas em um filme solo futuramente, do outro, tanto Flash como Cyborg têm um destaque maior, sendo que esse último é um personagem trágico, humano, mas que possui um poder incalculável. De longe um dos melhores personagens e cujo o atrito que tem contra o seu pai faz disso se tornar o coração do filme.
Até aqui, se percebe que há todo um cuidado, tanto na apresentação dos personagens, como também na elaboração de uma boa história. Porém, Zack Snyder não esquece da parte técnica, desde ao uso expressivo de câmera lenta até mesmo nos momentos de calmaria, como também na preocupação do uso de efeitos visuais para não poluírem a trama, sendo que neste último caso possui um uso maior somente no embate final. Mas é em sua trilha sonora, composta pelo compositor Junkie XL, que faz com que o filme ganhe ares de grande épico, onde sintetiza a visão pessoal de Zack Snyder quando ele compara esses super seres aos grandes Deuses do passado.
Embora com uma visão tanto sombria, o filme também fala sobre a esperança em tempos de escuridão, o que faz o retorno do Superman ser verossímil, mesmo quando a solução parece um tanto que forçada para dizer o mínimo. Porém, isso é contornado graças aos momentos de dramaticidade, principalmente em uma situação que foge do controle quando os heróis o trazem de volta a vida e culminando em um momento trágico e até mesmo imprevisível. A partir daqui se tem o ato final cheio de ação, onde se potencializa ao máximo o poder dos personagens e nos brindando com cenas inesquecíveis.
Mas embora seja um filme autoral de um cineasta, o filme é pensado também para fazer parte de uma grande franquia e por conta disso o prólogo é cheio de pontas soltas que terão somente continuidade em eventuais sequências. Mas, independentemente disso, eu acredito que o cineasta tenha concluído a sua visão pessoal com relação a esse universo, onde vemos seres poderosos com o desejo de salvar o mundo, mas que também não escondem as suas falhas como um todo e tendo que enfrentar os resultados em um possível futuro sombrio. Falando nisso, os minutos finais transitam entre as trevas e a luz, onde a morte e a loucura estão incrustadas em terra firme, mas sendo iluminadas com a aparição de um novo personagem e gerando esperança para um futuro cheio de incertezas.
"Liga da justiça - Snyder Cut" é sobre luz e trevas, onde super seres buscam um equilíbrio entre a união e a esperança para um futuro melhor.
Confira a minha crítica sobre a primeira versão clicando aqui.
Onde Assistir: Google Play, PlayStation Video, Sky Play, Vivo Play, YouTube.
O curso online PLANETA DOS MACACOS: A CONSTRUÇÃO DE UM CLÁSSICO, ministrado pelo escritor Saulo Adami (que há 40 anos pesquisa o tema), vai oportunizar aos participantes uma viagem de volta aos bastidores da produção do filme "O Planeta dos Macacos" (1968), de Franklin J. Schaffner, que marcou o início da cinessérie produzida por Arthur P. Jacobs a partir do livro de Pierre Boulle, o mesmo autor de "A Ponte do Rio Kwai".
Serão abordados temas como: o livro, roteiros propostos, maquiagem, figurino, cidade cenográfica, espaçonave e demais atrativos que levaram milhões de espectadores às salas de projeção e o estúdio a investir em outros sete filmes para cinema e dois seriados de televisão.
