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Sapucaia do Sul/Porto Alegre, RS, Brazil
Sócio e divulgador do Clube de Cinema de Porto Alegre, frequentador dos cursos do Cine Um (tendo já mais de 100 certificados) e ministrante do curso Christopher Nolan - A Representação da Realidade. Já fui colaborador de sites como A Hora do Cinema, Cinema Sem Frescura, Cinema e Movimento, Cinesofia e Teoria Geek. Sou uma pessoa fanática pelo cinema, HQ, Livros, música clássica, contemporânea, mas acima de tudo pela 7ª arte. Me acompanhem no meu: Twitter: @cinemaanosluz Facebook: Marcelo Castro Moraes ou me escrevam para marcelojs1@outlook.com ou beniciodeltoroster@gmail.com

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quinta-feira, 25 de junho de 2020

Cine Especial: 'TUBARÃO' - 45 ANOS DEPOIS


Se um filme sobrevive ao longo do tempo muito se deve ao empenho e perfeccionismo dos envolvidos. Muito disso, claro, se deve ao cineasta que se dedica de corpo e alma ao projeto, não para obter somente o lucro, mas sim para a obra ser lembrado conforme o tempo vai passando. Quarenta e cinco anos já se passaram, mas "Tubarão" (1975) continua sendo uma obra criada pelo esforço e determinação e isso muito se deve a Steven Spielberg.
Contratado pelos produtores Richard D. Zanuck e David Brown, Steven Spielberg estava vindo do sucesso que colheu pela sua realização do telefilme "Encurralado" (1971), do qual contava a história de um cidadão comum sendo perseguido sem motivo algum por um caminhão controlado por um motorista que jamais vimos o seu rosto ao longo da história. Com planos-sequências mirabolantes, além de pitadas de suspense bem ao estilo Alfred Hitchcock, Spielberg chamou atenção dos produtores logo de cara e recebendo carta branca para fazer da sua maneira o filme baseado no livro "Tubarão" escrito por Peter Benchley. Porém, mal sabia ele dos percalços que teria para realizar a sua primeira grande obra prima.
Além das dificuldades de se filmar em alto mar, os realizadores tiveram um grande problema de controle do tubarão mecânico em alto-mar, pois a água salgada fazia com que ele não funcionasse direito durante as filmagens. A solução para contornar esse problema foi criar uma verdadeira aura de suspense, onde no primeiro ato da trama quase não se vê a imagem da criatura, mas sim somente a sua barbatana e suas terríveis consequências. Dentre outras soluções também foi o uso dos barris amarelos dentro da trama e substituindo o uso do tubarão mecânico em muitas tomadas.
Basicamente o filme é dividido em dois atos, onde no primeiro é apresentado o cenário dos acontecimentos, seus personagens principais e a situação até então inédita na fictícia praia  Amity. Já o segundo ato é onde começa a caçada iminente, onde os três protagonistas, o xerife Martin (Roy Scheider), o pesquisador Hooper (Richard Dreyfyss) e o caçador Quint (Robert Shaw) vão a caça do tubarão em alto-mar. Em ambos os casos há cenas inesquecíveis, onde se há uma construção de suspense caprichada e fazendo a gente temer pelo próximo ataque que irá ocorrer.
Cinéfilo como ninguém, Steven Spielberg não esconde o seu carinho pela forma como Alfred Hitchcock filmava os seus filmes que se tornaram verdadeiros clássicos, principalmente com relação a sua obra prima "Vertigo" (1959). É por esse filme, por exemplo, que Spielberg se inspirou ao usar o mesmo recurso que o mestre do suspense havia usado, em sequência de zooms e afastamento da câmera, que dá ao público a sensação profundidade. Isso pode é visto na sequência em que uma criança se torna a segunda vítima do tubarão durante a trama.
Mas sem sombra de dúvida, em termos técnicos, o maior trunfo do filme se encontra em sua trilha sonora composta pelo mestre John Williams. Com apenas duas notas sinistras, Williams criou mais do que uma trilha sonora, como também uma espécie de alerta para toda vez que o tubarão se aproxima e fazendo com que o público fique a frente dos protagonistas com relação a sua aproximação. Em várias ocasiões Steven Spielberg sempre deixou muito claro que metade do sucesso do filme se deve ao trabalho de Williams e do qual ganhou um Oscar pela categoria merecidamente.
Mas é claro que nenhum grande filme não se sustenta se não houver um bom elenco e é isso que esse grande clássico possui através do seu trio central de protagonistas. Tanto Roy Scheider como Richard Dreyfyss estão ótimos em seus respectivos personagens, sendo ambos os dois lados da mesma moeda com relação a uma situação que testa os seus próprios limites no segundo ato da trama. Porém, Robert Shaw rouba a cena toda vez que seu personagem Quint abre a boca e seu discurso sobre o seu passado no navio USS Indianapolis é disparado o meu momento favorito da trama.
Lançado em 20 de junho de 1975 nos EUA, o filme foi contra todas as expectativas daqueles que achavam que ele se tornaria um verdadeiro fracasso. Fora o fato dos inúmeros problemas que o filme havia passado durante a sua realização, para muitos, lançar um filme na época de férias, em que muitos americanos iriam para as praias seria um tremendo tiro no pé. Ao invés disso o filme se tornou um grande sucesso, tanto de público como de crítica, se tornando o primeiro filme a chegar a marca de cem milhões de dólares de bilheteria nos EUA e inaugurando a era dos Blockbuster do verão americano.
Durante quarenta e cinco anos houve continuações, imitações, mas nenhuma superou o brilho de "Tubarão", filme que tinha tudo para dar errado, mas que acabou se tornando um grande marco cinematográfico. 

Assistir aonde: Youtube, Google Play filmes e Netflix. 

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Cine Dica: O Cine Drive-In Porto Alegre - Sessão: Casablanca


Quando? 26 de junho, 19h
Onde? Estacionamento da ADVB - Rua Edvaldo Pereira Paiva, 1505 - Acesso pela entrada na frente do Anfiteatro Pôr do Sol - Porto Alegre

Onde eu compro? No LINK NA BIO ❤️ ou se preferir https://uhuu.com/v/driveinpoa-49

quarta-feira, 24 de junho de 2020

Cine Dica: O Cine Drive-In - Porto Alegre: Sessão: Whiplash: Em Busca da Perfeição

Confira a minha crítica sobre o filme na época do seu lançamento clicando aqui. 

Mais um queridinho da última semana de drive-in. Whiplash é sobre arte, sobre música, sobre superação. atuações impecáveis, temos orgulho de tê-lo conosco!

O Cine Drive-In - Sessão: Whiplash: Em Busca da Perfeição
Quando? 25 de junho, 19h
Onde? Estacionamento da ADVB - Rua Edvaldo Pereira Paiva, 1505 - Acesso pela entrada na frente do Anfiteatro Pôr do Sol - Porto Alegre

Onde eu compro? No LINK NA BIO ❤️ ou se preferir: https://uhuu.com/v/driveinpoa-49

terça-feira, 23 de junho de 2020

Cine Especial: ‘PSICOSE’ - 60 ANOS DEPOIS



O cinema muda de acordo com o seu mundo envolta, mesmo tendo alguns que demoraram algum tempo para entenderem isso. Durante décadas, o cinema americano sofria com as regras morais do Código Hays (1930 – 1968), do qual havia uma censura que não permitia que muitos realizadores pudessem praticar a sua total liberdade artística e tão pouco mostrando na tela uma realidade que realmente existia fora das telas. Porém, ao final dos anos sessenta a situação mudou, já que as guerras, crise econômica e liberdade de expressão bateram nas portas de hollywood e fazendo com que os seus engravatados de plantão encarasse finalmente o mundo real para realizar, enfim, filmes que falassem um pouco sobre o que realmente acontecia do lado de fora.
Antes disso, o cinema norte americano se sustentava com os seus gêneros de entretenimento, desde aos filmes de faroeste como musicais, mas dos quais alguns não venceram ao teste do tempo. O gênero de terror, por exemplo, foi um que teve diversas mutações, desde aos monstros em preto e branco da Universal dos anos trinta, para os monstros mais violentos e coloridos dos estúdios da Hammer no final dos anos cinquenta. Em meio essas mutações houve um cineasta que lutou por manter a sua visão autoral com relação ao suspense, mas mantendo os pés firmes no chão, pois o horror psicológico era muito mais interessante e esse feito só foi adquirido por Alfred Hitchcock.
Enquanto os outros estúdios sempre brincavam em usar diversos monstros, Alfred Hitchcock, por sua vez, sempre optou em captar o lado mais sombrio do ser humano e para assim criar filmes de suspense que entraram para história do cinema. Antes do final dos anos cinquenta ele já havia criado diversas pérolas, desde ao filme "Interlúdio" (1946), para o "Festim Diabólico" (1948), "Janela Indiscreta" (1954) e "Um Corpo que Cai" (1958) que, aliás, é considerado para muitos atualmente o melhor filme de todos os tempos. Eis que chega então o ano de 1960, época em que alguns duvidavam se a genialidade de Hitchcock ainda estava intacta, mas eis que o mesmo surpreende o mundo com a sua obra prima "Psicose" (1960).
Baseado no livro de Robert Bloch, o filme conta a história de Marion Crane (Janet Leigh) uma secretária que rouba 40 mil dólares da imobiliária onde trabalha para se casar e começar uma nova vida. Durante a fuga à carro, ela enfrenta uma forte tempestade, erra o caminho e chega em um velho hotel. O estabelecimento é administrado por um sujeito atencioso chamado Norman Bates (Anthony Perkins), que nutre um forte respeito e temor por sua mãe. Marion decide passar a noite no local, sem saber o perigo que a cerca.
Alfred Hitchcock fez questão de usar todos os recursos possíveis para que a sua história não vazasse, já que o efeito surpresa seria o seu maior trunfo durante a projeção do filme. Basicamente a obra possui dois atos, sendo que o primeiro termina de uma das maneiras mais imprevisíveis da história do cinema, enquanto o segundo explora as suas consequências. Mesmo que alguém deste mundo ainda não tenha visto o filme por completo, a cena do assassinato no chuveiro é conhecida por todos, entrando para a história como um dos momentos mais chocantes do cinema e dali em diante nada mais seria o mesmo.
Com uma aterrorizante trilha sonora de Bernard Herrmann, a cena do chuveiro teve cada frame criado de uma forma muito bem pensada, onde o perfeccionismo do diretor quase levou atriz Janet Leigh a temer a presença do próprio no set de filmagem. Por possuir um alto-grau de violência nesta cena chave, o filme foi rodado inteiramente em preto e branco para amenizar esse grande momento, mas a trilha de Herrmann fez com que ela se tornasse muito mais angustiante e inesquecível. A cereja do bolo é a sua conclusão, onde a câmera do cineasta faz um giro de trezentos e sessenta graus no olhar sem vida da protagonista e deixando toda a plateia atônica.
O filme inaugurou a nova era do horror, mais precisamente aquele que melhor explorasse o terror psicológico e tornando a presença de um psicopata muito mais aterrorizante do que um Frankenstein e Drácula daqueles tempos. hollywood percebendo o que estava ocorrendo logo correu para elaborar inúmeros filmes que exploram isso e nascendo assim obras como, por exemplo, “O Que Terá Acontecido a Baby Jane?” (1962). Mas, curiosamente, a tendência para esse tipo de terror talvez já estivesse acontecendo até mesmo fora dos EUA, já que em abril do mesmo ano havia sido lançado o filme inglês "A Tortura do Medo" de Michael Powell, mas tendo desempenho ofuscado pelo filme americano e tendo assim reconhecimento somente tardio.
Com relação ao elenco, se Janet Leigh conseguiu criar uma atmosfera interessante sobre as reais atitudes conflituosas de sua Marion, por outro lado, Anthony Perkins nos brinda com um dos personagens mais inesquecíveis da história do cinema que é o seu Norman Bates. Uma vez entrando em cena, Perkins cria para o seu personagem um ar de inocência, mas que não esconde certa ambiguidade e um olhar confuso com relação a sua própria realidade. Mesmo assim, ficamos até mesmo torcendo por ele quando ele toma uma decisão bastante questionável em proteger a sua mãe, mas logo sendo revelado a sua trágica realidade e que deixou os cinéfilos da época estupefatos para o resto de suas vidas.
Houve continuações, refilmagens e até mesmo uma ótima série recente intitulada "Bates Motel". Porém, sessenta anos depois, "Psicose" continua sendo um filme insuperável, ao nos dizer que horror não precisa vir de uma mansão mal assombrada, mas sim de uma mente fragmentada e muito perigosa.  

Onde Assistir: DVD, Blu-Ray e Netflix. 

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Cine Dica: Doc 'Trinta Povos' de Zeca Brito estreia no Canal Curta!

Sétimo longa do cineasta gaúcho investiga as missões jesuíticas

Estreia no dia 23 de junho (terça-feira), às 18h, no Canal Curta!, o documentário “Trinta Povos”. Escrito, produzido e dirigido por Zeca Brito (“Legalidade”), tem produção da Anti Filmes e Boulevard Filmes. Sétimo longa-metragem do diretor bajeense, aborda o legado das missões jesuíticas na América Latina. “Trinta Povos” investiga a história do Brasil, Argentina e Paraguai através de ruínas e reminiscências de arquitetura, pintura e mitologias. 
O trabalho de pesquisa reunido para o filme analisa os três países separados por águas e linhas imaginárias, porém unidos pela cultura e por uma história comum: um passado jesuítico, barroco e guarani. Também assinam a produção Frederico Ruas, Letícia Friedrich, Lourenço Sant’Anna, e Zuleika Borges Torrealba (1933-2019). O financiamento é do Fundo Setorial do Audiovisual através da ANCINE e BRDE. A produção teve sua première no Festival de Cine de Punta del Este, em fevereiro, no Uruguai.
“A proposta de ‘Trinta Povos’ é a de resgatar o legado artístico, arquitetônico, pictórico e simbólico do processo de colonização jesuítico-guaraní”, resume o cineasta Zeca Brito. “O grande desafio do trabalho foi costurar uma história fragmentada geopoliticamente, um passado comum entre três países que hoje se encontram separados, divididos por questões distintas, mas com elementos culturais, históricos e etnográficos que os ligam”, explica Zeca, que divide o roteiro com Jardel Machado Hermes e Maria Elisa Dantas. 
Com duração de 78 minutos, o documentário reúne e contrapõe diversos depoimentos de nativos e pesquisadores sobre arte, religião, política territorial, entre outros assuntos. “É um filme que faz uma visão crítica sobre a história e traz questões políticas acerca da ocupação territorial que começa em 1606 com a chegada do jesuíta e chega aos dias atuais com os conflitos agrários nesse território”, conclui. A produção foi rodada no Rio Grande do Sul e em cidades da Argentina e Paraguai em 2019.

Documentário 'Trinta Povos'
Onde: Canal Curta! (verifique o canal na operadora de TV por assinatura)
Estreia: 23/06 (ter),  às 18h;
Reprises: 24/06 (qua), às 4h e às 12h; 25/06 (qui), às 6h; 27/06 (sab), às 7h e 28/06 (dom), às 3h40min.

Sinopse
“Trinta Povos” aborda o tema das missões jesuíticas na América Latina. Um legado composto por ruínas, museus, povoados e costumes. Nativos e invasores discutem arte, religião e política nos territórios do Brasil, Argentina e Paraguai, unidos por um passado artístico comum, o Barroco Jesuítico Guarani.

Créditos
País: Brasil
Duração: 1h18min (78 min.)
Produção: Anti Filmes e Boulevard Filmes
Direção: Zeca Brito
Produção Executiva: Letícia Friedrich e Zeca Brito
Montagem: Jardel Machado Hermes
Produção: Frederico Ruas, Letícia Friedrich, Lourenço Sant’Anna, Zeca Brito e Zuleika Borges Torrealba
Direção de produção: Maria Elisa Dantas e Rafael Andreazza 
Produção de finalização: Laura Moglia
Roteiro: Jardel Machado Hermes, Maria Elisa Dantas e Zeca Brito
Direção de Fotografia: Pablo Escajedo
Fotografia Adicional: Bruno Polidoro, Edison Larronda e Tiago Coelho
Imagens Aéreas: Eduardo Berthier
Direção Musical: Rita Zart
Desenho de Som: Tiago Bello
Trilha Original: Clarissa Ferreira
Finalização: Post Frontier - Daniel Dode, Arthur Bovo, Gustavo Zuchowsky
Assessoria de Imprensa: Isidoro Guggiana
Design, arte e créditos: Leo Lage

Entrevistados: Alcy Cheuiche, Aldo Ferreira, Antonio Morinigo, Ariel Ortega, Bozidar Darko Sustersic, Carlos Alberto Beloye, Carlos Machado, Carolina Gross, Cesar Lucas Aguillar, Dolores de Sosa, Enrico Benites, João Miller, Lidia Britez, Lira Hein, Lorena Espinoza, Miriam Chamorro e Nelli Chamorro.

Sobre o diretor
Zeca Brito tem mestrado em Artes Visuais pela UFRGS, graduado em Realização Audiovisual pela Unisinos e Artes Visuais pela UFRGS. Dirigiu, roteirizou curtas e longas-metragens exibidos no Brasil e no exterior. Seu curta “Aos Pés” foi escolhido Melhor Filme Júri Popular no Festin Lisboa 2009, e o longa-metragem “O Guri”, exibido em festivais de Portugal e Brasil. Em 2015 lançou o longa “Glauco do Brasil” na 39ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo e 10ª Bienal do Mercosul. Em 2016 dirigiu o longa “Em 97 Era Assim”, Prêmio de Melhor Direção e Melhor Filme Júri Popular no Festival Cinema dos Sertões (Piauí Brasil), Melhor Direção de Atores na Mostra SESC Brasil, Melhor Filme no The Best Film Fest (Seattle, EUA), Prêmio Especial do Júri no 8º Jagran Film Festival (Índia), seleção oficial no Regina International Film Festival (Regina, Canada), Los Angeles CineFest (Los Angeles, EUA), 51º International Independet Film Festival (Houston, EUA) e Prêmio de Melhor Filme Juvenil Estrangeiro no American Filmatic Arts Awards (Nova York, EUA). Em 2017 dirigiu o documentário “A Vida Extra-Ordinaria de Tarso de Castro” exibido no Festival do Rio e 41 Mostra Internacional de Cinema de São Paulo. Lançou em 2018 o telefilme “Grupo de Bagé”, documentário produzido para o Canal Curta. Seu longa de ficção mais recente “Legalidade” (2019) estreou no 35º Festival de Cinema Latino de Chicago. O filme foi também exibido em festivais da Espanha, Uruguai, Guatemala e Romênia. Sucesso de público no Brasil, foi exibido no 47º Festival de Gramado e recebeu diversos prêmios no 42º Festival Guarnicê de Cinema e 14º Encontro Nacional de Cinema dos Sertões, incluindo melhor direção em ambos.

Isidoro B. Guggiana
Assessoria de Imprensa
T 55 51 9 9923 4383
isidoro.guggiana@gmail.com

segunda-feira, 22 de junho de 2020

Cine Dica: Próximas Atrações do Cine Drive-In Porto Alegre

O Cine Drive-In - Sessão: O Casamento do Meu Melhor Amigo

Quando? 23 de junho, 19h
Onde? Estacionamento da ADVB - Rua Edvaldo Pereira Paiva, 1505 - Acesso pela entrada na frente do Anfiteatro Pôr do Sol - Porto Alegre
 Onde eu compro? No LINK NA BIO ❤️ ou se preferir:https://uhuu.com/v/driveinpoa-49

O Cine Drive-In - Sessão: Me Chame pelo seu Nome

 Quando? 23 de junho, 21h30
Onde? Estacionamento da ADVB - Rua Edvaldo Pereira Paiva, 1505 - Acesso pela entrada na frente do Anfiteatro Pôr do Sol - Porto Alegre
 Onde eu compro? No LINK NA BIO ❤️ ou se preferir: https://uhuu.com/v/driveinpoa-49

Cine Dica: Durante a Quarentena Assista: 'DESTACAMENTO BLOOD'


Sinopse: Spike Lee conta a história de quatro veteranos de guerra afro-americanos que voltam ao Vietnã à procura dos restos mortais de seu comandante e de um tesouro enterrado. Assista o quanto quiser. 

Spike Lee faz os seus melhores filmes quando a moral do mundo se encontra em declínio e quando governos, dos quais se dizem democráticos, nos pisam a todo momento. Em "Infiltrado na Klan" (2018), por exemplo, o cineasta faz um paralelo com o passado racista norte americano com o que acontece em nosso presente e fazendo a gente do lado de cá da tela constatar que a luta pelos direitos iguais continua a perdurar até hoje. "Destacamento Blood" ele volta a nos dizer que essa guerra continua, mas adentrando ainda mais nas entranhas podres de um governo que joga pessoas comuns em um verdadeiro inferno e marcando elas como um todo.
O "Destacamento Blood" acompanha um grupo de quatro veteranos de guerra afro-americanos. Eles decidem retornar ao Vietnã com a intenção de buscar os restos mortais de um líder de seu antigo esquadrão e de um tesouro enterrado. Porém, aos poucos, se dão conta que a guerra pessoal deles ainda não havia acabado.
Assim como no encerramento do filme "Infiltrado na Klan", Spike Lee decide jogar na tela vários momentos reais sobre a guerra do Vietnã na abertura do seu novo filme, onde se destaca o fato que muitos soldados negros foram jogados em uma guerra da qual não haviam pedido para ter ocorrido. Ao mesmo tempo, discursos como de Angela Davis e de martin luther king são destacados em meio a luta dessas pessoas que buscaram, acima de tudo, os direitos iguais em um país que se diz a terra das oportunidades, mas do qual nunca escondeu o seu preconceito e do qual construiu monumentos históricos com o sangue de pessoas escravizadas ao longo dos  séculos. Após esse prólogo, parece que o filme se encaminha para um tom mais leve, mas estamos falando de Spike Lee, o homem que fez "Faça a Coisa Certa" (1989) e portanto aguardem para a virada de mesa.
No primeiro ato vamos conhecendo o quarteto principal de amigos: Paul (Delroy Lindo), Melvin (Isiah Whitlock Jr.), Otis (Clarke Peters) e Eddie (Norm Lewis). Curiosamente, há um quinto personagem importante que se chama Norman (Chadwick Boseman) - o único que conhecemos apenas devido às lembranças do quarteto principal e fazendo a gente compreender o quanto ele era importante para eles. É pelos flashbacks, por exemplo, que o cineasta muda o quadro da tela, fazendo referência a tecnologia antiga do cinema quando se filmava, tantas nas cenas fictícias, como as cenas reais vindas do conflito. 
É notório que por essas cenas Spike Lee faz uma dura crítica ao modo como Hollywood retrata as inúmeras guerras em que os norte-americanos participavam, sendo quase sempre os heróis da trama, quando na verdade as atrocidades sempre vieram de ambos os lados do conflito. Se por um lado há uma dura crítica aos filmes de ação dos anos oitenta, em que sempre retrataram um exército formado por um homem só, por outro lado, ele não esconde a sua admiração pelo clássico "Apocalypse Now" (1979), sendo que o início da jornada do quarteto principal nas entranhas da floresta vietnamita explicita muito bem isso. É por esses momentos também que começamos a perceber que os fantasmas do passado que sempre assombram os protagonistas nunca sumiram e é aí que o filme muda o tom como um todo.
Embora esses personagens tenham seguido as suas vidas após o encerramento da guerra ocorreu que, infelizmente, a guerra mental e espiritual continuou prosseguindo em suas vidas. Isso é sintetizado pelo personagem Paul, brilhantemente interpretado por Delroy Lindo, do qual compreendemos toda a sua dor e ódio, ao ponto de até perdoamos o fato dele ter votado em Donald Trump e fazendo a gente compreender que o horror nos faz nublar a nossa visão com relação ao que é certo e errado. Embora a sua relação com o seu filho Melvin (Isiah Whitlock. Jr) seja um tanto que descartável em alguns momentos, ela acaba se tornando essencial na reta final da trama, principalmente quando o personagem quebra a quarta parede e nos brindando com um dos melhores momentos do filme.
Curiosamente, embora o filme se envereda mais para lado dramático da coisa, Spike Lee surpreende até mesmo nas cenas de ação e fazendo com que o filme não deva a nada a outros realizados com relação ao Vietnã. Porém, se por um lado houve clássicos que tentaram suavizar o conflito, aqui é tudo voltado para o lado do imprevisível e fazendo a gente constatar que nenhum deles estará seguro quando eles estiverem naquele inferno. Em sua reta final, Spike Lee nos bombardeia com o lado cru dessa guerra entre homem e governo que perdura até hoje e que cabe cada um de nós continuarmos com essa luta indo sempre em frente.
"Destacamento Blood" fala sobre como as guerras de ontem e hoje são inúteis e tudo que resta é somente salvar o irmão que está em perigo logo a frente. 

Onde assistir: Netflix

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