Cine Especial: Próximo Cine Debate – "O Último Gigante"

Sobre o Filme: A reconciliação entre pais e filhos não é um tema novo na história do cinema, mas continua gerando longas que levantam debates profundos sobre até onde se pode perdoar um passado cujas cicatrizes emocionais ainda não fecharam. Saber ouvir é, muitas vezes, uma questão de tempo — mesmo quando a raiva ofusca o olhar que deveria acolher a versão do outro. "O Último Gigante" (2025) não é apenas sobre o reencontro familiar, mas também sobre a busca por uma redenção quase sempre inalcançável.

Dirigido por Marcos Carnevale, o filme narra a história de Boris (Matías Mayer), um guia turístico em Puerto Iguazú que vê sua vida virar de cabeça para baixo com o aparecimento inesperado de Julián (Oscar Martínez), o pai que o abandonou na infância. Aos 28 anos, Boris terá que lidar com o retorno de um homem que deseja, tardiamente, reconquistar o tempo perdido.

Carnevale construiu uma carreira transitando habilmente entre o humor e o drama. Aqui não é diferente: ele conduz um roteiro em que os personagens lidam com situações delicadas por meio de pinceladas de um humor refinado, prendendo a atenção do espectador do início ao fim. O encontro dos protagonistas já nos dá a dimensão do conflito, mas é nessa transição orgânica de gêneros que o filme ganha fôlego.

O veterano Oscar Martínez brilha ao interpretar um homem no limiar do fim, buscando forças para encarar os próprios erros e obter um perdão ainda não conquistado. Já Matías Mayer constrói um personagem que, inicialmente, não sabe processar seus sentimentos, usando a raiva para expressar uma dor guardada por anos. O embate verbal entre os dois rende momentos de tensão que, aos poucos, dão lugar à razão, facilitando a identificação do público com suas trajetórias.

Além disso, o longa toca em um assunto espinhoso e recorrente no cinema: a eutanásia. Curiosamente, esse ponto acaba ficando em segundo plano. Isso ocorre não apenas porque o foco primordial recai na reconciliação, mas também porque o tema já foi exaustivamente debatido em títulos anteriores. Embora a iniciativa seja válida, o filme talvez chegue um pouco tarde a uma discussão que já possui marcos cinematográficos muito consolidados.

Ao final, as questões levantadas são sanadas, permitindo que cada personagem siga sua própria jornada. "O Último Gigante" pode não mudar a vida do espectador, mas é um título que se destaca pelo lado humano e reflexivo. É, em última análise, um filme sobre a busca pela redenção enquanto ainda resta tempo.

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - 'Dúvida'

Sobre o Filme: O embate de dois grandes astros na tela sempre nos rendeu grandes momentos na história do cinema. Meryl Streep, ao interpretar uma diretora de escola que desconfia que o padre local (Philip Seymour Hoffman) possa ter abusado sexualmente de um dos seus alunos, se inicia então um duelo verbal onde ambos tentam descascar um do outro os seus pontos fracos interiores. Sreep e Hoffman se digladiam em diálogos soberbos, onde um não supera o outro e em ambos os casos se fica realmente a dúvida de quem estava certo.

Destaque também para a atriz Amy Adams que aqui faz uma jovem freira e professora que procura ser gentil com os seus alunos, mas tendo que enfrentar regras severas da diretora interpretada por Sreep. Porém, o grande destaque fica por conta da atriz Viola Davis, que aqui interpreta a mãe do menino que possivelmente foi abusado pelo padre, mas escolhendo um caminho imprevisível sobre a situação. Em poucos minutos, Viola rouba a cena o que lhe garantiu uma de suas primeiras indicações ao Oscar.

Curiosamente, a direção desse filme ficou por conta de John Patrick Shanley, um realizador que ao longo da carreira trabalhou mais como roteirista e que aqui foi um dos seus primeiros trabalhos na direção. Vale lembrar que o filme é baseado em uma peça teatral a qual ganhou o prêmio Pulitzer de drama em 2005 e sendo que o diretor admirava muito o trabalho feito nos palcos. Por conta disso  ele levou a peça para o cinema, cujo resultado foi extremamente positivo, mas não sendo o suficiente para ele embarcar em outros projetos futuros.

"Dúvida" foi um filme até mesmo a frente do seu tempo, onde os escândalos dentro da igreja ainda eram silenciados, mas que posteriormente acabou explodindo nos anos que vieram.

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - 'Every Day a Good Day'

Sinopse: Uma jovem de 20 anos cuja mãe sugere que ela comece a ter aulas de cerimônia do chá com a Sra. Takeda, conhecida por ser uma professora extraordinária e interpretada pela igualmente extraordinária KIKI Kirin.

Quando eu era criança eu não entendia certos filmes, principalmente aqueles que possuem certa complexidade, mas que nos encanta pela sua aura de mistério. "2001 - Uma Odisséia no Espaço" (1968) foi um desses casos, sendo que eu nunca antes havia testemunhado um filme como aquele e que hor sobre a perspectiva sobre o que enxergamos em nosso passado e como aquilo muda quando possuímos um olhar adulto.

Baseado no livro de grande sucessje adulto compreendo a sua total magnitude. "Every Day a Good Day" (2018) nos revela um olhao da ensaísta MORISHITA Noriko e dirigido por OMORI Tatsushi, Every Day a Good Day é estrelado por KUROKI Haru, de The Little House, no papel de Noriko, uma jovem de 20 anos cuja mãe sugere que ela comece a ter aulas de cerimônia do chá com a Sra. Takeda, conhecida por ser uma professora extraordinária e interpretada pela igualmente extraordinária KIKI Kirin. No início, Noriko se sente confusa com a natureza meticulosa da cerimônia, mas, com o tempo, passa a perceber que ela oferece uma maneira única de compreender a vida e os desafios que estão por vir.

Já nos minutos iniciais da obra a jovem protagonista disse que não entendeu nada quando assistiu ao filme "A Estrada da Vida" (1954) de Federico Fellini. O filme nos revela um olhar inocente perante um mundo do qual a protagonista ainda está descobrindo e cujo os eventos que ela testemunha, seja no cinema, na música, ou em suas próprias tradições, terão uma compreensão melhor na medida em que o tempo passa. As aulas de chá, por exemplo, são um exercício de corpo e mente, onde a jovem vai exercitando os seus reflexos, assim como também uma forma de criar uma linha sobre o tempo da inocência para a fase adulta.

O grande prazer em assistir ao filme é testemunhar a forma como eles tratam a questão de servir um simples chá como um ritual de aprendizado, de concentração e se tornando uma experiência quase sensorial. É da simplicidade que se gera disciplina e paciência e nisso o filme nos conduz aos ingredientes que, se por um lado não pertence a nossa cultura, ao menos nos ensina a buscar dentro dela. Em tempos em que a sociedade está cada vez mais presa em tecnologias é sempre bom ver um ensinamento de que os velhos costumes ainda são a melhor coisa para o corpo e o espírito.

Acima de tudo, é um filme que nos revela a inocência transitando pela fase adulta e cujo conto de fadas talvez nunca seja aquilo que a gente esperava. Ao final, vemos a jovem protagonista compreender melhor as coisas, tanto com relação ao que quer ser na vida, como também sobre ganhos  e perdas. Portanto, ao chegar em certa idade ela não só se lembra agora de "Estrada da Vida" como uma obra de arte, como também se sente orgulhosa com relação a tudo o que passou em sua própria cruzada.

"Every Day a Good Day" é sobre o passado e presente, onde as dificuldades de compreender e colocar em prática determinada situação se torna um ritual para adquirir novos caminhos no seu devido tempo. 

Onde Assistir: JFF THEATER 

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - 'Grandes Olhos'

Tim Burton é um cineasta autoral que, não mede esforços para injetar a sua visão pessoal, com relação ao mundo em que vive na criação dos seus filmes. Infelizmente ele trabalha numa indústria, em que as engrenagens são movidas pelo dinheiro e, portanto nem sempre ele possui total liberdade criativa. Alternando em produções milionárias onde não consegue fazer o filme que gostaria (Alice no País das Maravilhas) e filmes menores onde mostra toda a sua genialidade (Ed Wood), Burton talvez seja um dos poucos cineastas autorais americanos que sabe na pele como deve agradar um pouco de cada lado para assim então conseguir carta branca para fazer o filme que quiser.

Essa briga pelo direito de manter intacta a sua identidade própria no mundo em que vive é vista muito bem nesse pequeno, mas tocante filme intitulado Grandes Olhos. Estamos na virada dos anos 50 para os 60, onde o homem ainda se mantém como o ser dominante de uma sociedade hipócrita e escondida num quadro azul e cor de rosa. As mulheres em si possuem o seu talento escondido, mas pela falta de coragem de saírem do armário, acabam se se tornando submissas pelo lado mesquinho do sexo masculino.

Margaret Keane (Amy Adams) tem talento vindo de sua mente e que desce para os dedos, no momento que começa a pintar belas imagens de crianças com grandes olhos que, nada mais são, do que uma representação da sua forma como enxerga o mundo. Uma mulher a frente do seu tempo, mas que infelizmente ainda acredita que necessita de um homem e com isso, cai nas garras do salafrário Walter (Christoph Waltz) e se casando com ele. Se dizendo um artista, não demora muito para Walter se dizer o verdadeiro autor das obras de Margaret que, por sua vez, não desmenti e acaba se tornando então um mero fantoche.

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Cine Dica: Próximo Cine Debate - 'Cabrini'

 

Sinopse: O filme Cabrini conta a história inspiradora de Francesca Cabrini, uma imigrante italiana que, em 1889, chega a Nova York e encontra pobreza, doença e exploração entre os imigrantes, especialmente crianças órfãs, e com sua fé, coragem e habilidade empreendedora, luta contra o preconceito e o sistema para construir um império de esperança, hospitais, orfanatos e escolas, tornando-se a primeira santa americana e uma grande empreendedora do século XIX, tudo isso apesar de sua saúde frágil e do sexismo da época.

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Cine Dica: Próximo Cine Debate - 'Adolescência'

 

Sobre a Série: No meu tempo de escola não havia internet, mas a perseguição contra aqueles que eram diferentes já existia e fazendo com que o perseguido tivesse grandes chances de se tornar um monstro. Nos dias de hoje com as redes sociais, a vítima de Bullying pode extravasar as suas frustrações, conhecendo assim outras pessoas parecidas com ele, mas não obtendo uma ajuda realmente verdadeira e da qual lhe ajude para conter o lado mais sombrio de sua alma. "Adolescência" (2024) está dando o que falar por colocar para fora um grande mal que acontece nos tempos de escola e que nem todos os pais têm uma vaga ideia do que acontece nesta época.

Dirigido por Jack Thorne e Stephen Graham, essa produção inglesa conta a história da família Miller, cuja sua rotina muda drasticamente quando Jamie (Owen Cooper), de 13 anos, é preso sob a acusação de assassinar uma colega de escola. Seu pai, Eddie (Stephen Graham), luta para compreender uma realidade que se torna um verdadeiro inferno, enquanto a psicóloga Briony Ariston (Erin Doherty) tenta desvendar a mente do garoto em um grande duelo verbal. Já o inspetor Luke Bascombe (Ashley Walters) lidera a investigação, mas aos poucos ele descobre que ainda tem muito o que aprender sobre o que acontece no dia a dia escolar atual.

Confira a minha crítica completa clicando aqui e participe do próximo Cine Debate. 

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - 'Balzac e a Costureirinha Chinesa'

Sobre o Filme:  

Publicado em 1953, o livro “Farenheit 451” de Ray Bradbury é sem sombra de dúvida uma fonte de inspiração para outras obras, da qual nos ensina que não importa o quanto uma política ditatorial possa ser opressora, pois no final das contas os livros sempre nos darão a chance de abrirmos uma nova porta. Portanto, “Balzac e a Costureirinha Chinesa”, publicado em 1999 pelo escritor Dai Sijie não foge da mesma regra, principalmente quando a arte literária invade um local sem recursos, mas fazendo do mesmo se tornar um lugar inesquecível uma vez que os habitantes começam a sonhar por novos caminhos. Já a sua adaptação cinematográfica, "Balzac e a Costureirinha Chinesa" (2001) é bastante fiel a sua fonte original e por isso mesmo se tornando genial.

Dirigido pelo próprio Dai Sijie, o filme conta a história sobre  Luo (Chen Kun) e Ma (Liu Ye), dois jovens de 17 anos que, em plenos anos setenta, vivem na China comandada por Mao Tsé-Tung. Os dois são encarados como sendo inimigos do povo por seus pais serem médicos e dentistas, considerados burgueses reacionários. Luo e Ma são então presos e encaminhados a um "campo de reeducação", em uma vila isolada no Tibet. Todos os livros de Luo são queimados, mas Ma consegue manter seu violino ao alegar que Mozart compunha para o Presidente Mao. No campo eles apenas encontram alívio nas músicas tocadas por Ma e nas histórias narradas por Luo, até que conhecem uma costureirinha (Zhou Xun) por quem ambos se apaixonam.

Obviamente o conto é uma reconstituição das lembranças do escritor que hoje vive na França, mas que jamais se esqueceu do período em que o seu país estava vivendo uma grande metamorfose cultural e política. Embora eu ainda não tenha lido eu creio que o longa seja bastante fiel a sua fonte original, principalmente com relação as passagens em que a dupla central conta os principais contos de Flaubert, Tolstói, Victor Hugo e Balzac e dos quais eles obtiveram através de outro personagem sendo acusado também de ser subversivo. O filme em si é uma bela homenagem com relação a esses escritores, assim como também um pequeno ensinamento sobre o poder do conhecimento mesmo em tempos complexos.

Curiosamente, o triangulo amoroso visto na trama remete alguns clássicos com uma temática semelhante, como no caso de "Jules e Jim - Uma Mulher para Dois" (1962), de François Truffaut, mas obtendo contornos menos trágicos e até mesmo com alguns momentos cômicos no decorrer da narrativa. Entre as restrições nascidas através das velhas tradições, o trio central vai mudando gradativamente na medida em que o tempo passa naquele local e fazendo com que certos sonhos comecem a florar. Porém, todo o sonho tem um desafio e deste mesmo vem as mudanças inevitáveis mesmo quando não desejamos elas.

Ao final constatamos que, infelizmente, o tempo destrói tudo, seja ele orquestrado pela própria natureza ou pela ambição do homem pelo progresso desenfreado. Portanto, ao vermos a dupla central se reunir para se lembrarem daqueles tempos em que eles viviam, se constata que o passado se tornou mais dourado devido ao que haviam sentido e aprendido, enquanto o presente se torna nebuloso, pois o futuro se torna indefinido a partir dos ventos da mudança que vão acontecendo. Ao final, o que resta aos personagens é nadarem pelo passado e voltarem a se sentirem vivos e mais maduros perante ao que está vindo.

"Balzac e a Costureirinha Chinesa" é um delicado romance sobre a transição da inocência para a fase adulta e cuja cultura, política e velhas e novas tradições moldam as pessoas de acordo com os caminhos que irão trilhar.  

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - 'Humano'

Em um determinado momento do documentário "Humano" (2015), de Yann Arthus-Bertrand, há um depoimento de um Haitiano e logo em seguida é cortado por um depoimento de uma mulher Russa. O primeiro fala sobre as dificuldades de ser pobre enquanto a mulher fala de como é bom ser rica para comprar o que quiser na vida. O contraste é gritante, sendo que são duas pessoas que vivem no mesmo planeta, mas que se encontram separados através de uma grande muralha invisível construído pelo sistema capitalista.

O fotografo e diretor Yann Arthus-Bertrand buscou os mais diversos tipos de depoimentos ao redor do globo, onde as pessoas paravam em frente a sua câmera e começavam a colocar para fora as suas vidas e sobre os altos e baixos que obtiveram ao longo dessa jornada. Há um interesse fortíssimo do realizador em focar ao máximo as expressões dessas pessoas, onde podemos ver cada marca e das quais representam uma história a ser contada. Curiosamente, há um interesse do realizador em começar um depoimento de um em off enquanto surge na tela outro do outro lado deste planeta.

Ao meu ver, isso sintetiza a maneira como agirmos perante as palavras das quais nós ouvimos, mesmo quando não fica claro se o rosto que surge em cena está ouvindo a voz do outro, mas dando um exemplo da forma como reagimos quando ouvimos a história de alguém que viveu em seu micro cosmo, mas que não é muito distante do nosso. Yann Arthus-Bertrand procura também nos lembrar de como somos pequenos neste grande formigueiro que chamamos de Terra, sendo que a sua câmera sobrevoa diversos cantos do mundo, desde os países mais ricos, como também aqueles em que muitos estão se tornando locais para refugiados e sobrevivendo ao pedaço de terra onde decidiram plantar para sobreviver. Em um determinado momento, por exemplo, vemos uma jovem atravessando uma grande multidão com uma cesta de comida, para logo em seguida focar a câmera que a está filmando e revelando um olhar que tem muito mais a que dizer do que meras palavras soltadas ao vento.

Acima de tudo, é um documentário que fala sobre o ser humano de como se relaciona, como comete erros e acertos, como dá a volta por cima e tendo que começar tudo do zero. Não importa se você seja pobre ou rico, pois ninguém é intocável nesta vida e somos residentes em uma única casa que chamamos terra e da qual, infelizmente, não estamos cuidando muito bem dela. Na pior das hipóteses, nas próximas décadas talvez tenhamos depoimentos de pessoas arrependidas de não terem feito algo melhor para o nosso planeta ao invés de se preocupar com coisas e que nos deixavam mais alienados no dia a dia.

"Humano" reúne declarações de diversas pessoas do globo e que revela o que nos faz realmente sermos humanos. 

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - ‘Lendas da Paixão’

Sobre o Filme: 

A primeira vez que eu assisti a esse filme foi nos tempos em que passava bons filmes na tv aberta, mais precisamente na Band e que acabei gravando em VHS. A história de três irmãos que se apaixonam pela mesma mulher pode soar meio que noveleiro para alguns, mas o filme fala também de questões que vai sobre o papel do ser humano com relação ao mundo e onde ele se questiona até onde se pode servir para o mundo civilizado como um todo. É trama se passa no início do século, sobre tempos de transformação, o início da primeira Grande Guerra e levando os três irmãos para um caminho sem volta.

O filme é baseado em um dos livros do Escritor Jim Harrison. Grande parte da escrita de Harrison retrata regiões da América do Norte escassamente povoada com muitas histórias ambientadas em locais como Nebraska Sand Hills, Península superior de Michigan, Montanhas de Montana, e ao longo da fronteira Arizona-México. Um dos pontos fortes de "Lendas da Paixão" é o elenco talentoso, que entrega performances marcantes. Brad Pitt se destaca no papel de Tristan, um homem atormentado por seus demônios internos e suas escolhas amorosas controversas. Sua atuação intensa e carismática ajuda a criar empatia com o personagem e a transmitir suas emoções de forma visceral.

A cinematografia do filme também merece elogios, com cenas magníficas que retratam a paisagem deslumbrante das montanhas e dos campos. A fotografia exuberante e os enquadramentos cuidadosamente escolhidos contribuem para criar uma atmosfera poética e melancólica, intensificando a experiência emocional do espectador. No entanto, apesar de seus pontos positivos, o filme apresenta algumas falhas em sua narrativa. A história, embora repleta de paixão e emoção, pode parecer excessivamente melodramática e clichê em certos momentos.

Além disso, o desenvolvimento dos personagens secundários é insuficiente, pois eles não recebem a mesma profundidade e exploração que os protagonistas. Outro aspecto que pode ser criticado é o ritmo do filme, que em determinados momentos se arrasta e torna-se lento. Algumas cenas poderiam ter sido encurtadas ou mais bem trabalhadas para evitar a sensação de que a história se estende além do necessário.

No entanto, apesar de suas falhas, "Lendas da Paixão" é um filme que consegue emocionar e tocar o público. Sua temática central, que aborda temas como amor, lealdade, perda e redenção, é universal e atinge as emoções mais profundas dos espectadores. A trilha sonora envolvente e as performances cativantes dos atores principais ajudam a criar uma conexão emocional com a história.

Em suma, "Lendas da Paixão" é um filme que mescla drama, romance e tragédia de forma intensa e apaixonante. 

Onde Assistir: Netflix. 

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - 'Sete Anos no Tibet'

Sobre o Filme: Quando o filme foi lançado Brad Pitt já era um dos maiores astros do cinema norte americano de sua época. Colecionando sucessos como "Entrevista Com Um Vampiro" (1994) e "Seven" (1996), o até então jovem ator buscava sempre se inovar e não apenas ser mais uma cara bonita que o cinema poderia proporcionar. "Sete Anos no Tibet" (1997) foi uma forma do ator sair do cenário comum que o cinema da época proporcionava e atuando em um filme em que o protagonista procura o seu papel em um mundo em conflito constante.

Dirigido por Jean-Jacques Annaud, conhecido na época por ter realizador "O Nome da Rosa" (1986), o filme conta a história de Heinrich Harrer (Brad Pitt), um alpinista austríaco, tentou algo quase impossível: escalar o Nanga Parbat, o 9º pico mais alto do mundo. Neste processo ele abandonou sua mulher gravida e um casamento em crise. Após não ter conseguido escalar o local ele acabou sendo preso sendo no período em que a Inglaterra decretou guerra contra Alemanha. Apôs ter fugido com outro alpinista chamado Peter Aufschnaiter (David Thewlis), eles acabam se refugiando na cidade de Lhasa, Tibet e onde ele acaba fazendo amizade ao se tornar confidente do Dalai Lama.

Na época do seu lançamento o filme foi ofuscado por uma polêmica, já que antes de ir ao Tibet Heinrich Harrer foi da polícia de Hitler durante a Segunda Guerra Mundial. O filme, inclusive, foi boicotado pelo povo Judeu ao não aceitar o passado do personagem e acusando os realizadores do filme de omitirem isso. Polêmicas a parte, revisto hoje o filme ainda se sustenta ao explorar um personagem em buscar um significado na vida ao tentar desafiar a natureza, quando na verdade precisava se auto desafiar.

Heinrich Harrer não estava feliz na vida civilizada, pois ela estava longe de ser perfeita, principalmente em tempos de guerra. No Tibet ele aprende as coisas simples da vida e ao mesmo tempo se encanta com os pensamentos do Tibetanos e de suas crenças. O coração do filme, obviamente, está na relação quase paternal entre Heinrich Harrer Dalai Lama e que aqui é vivido com intensidade pelo até então jovem ator Jamyang Jamtsho Wangchuk.

Revisto hoje, o filme me dá a impressão de que foi um dos últimos grandes filmes em termos de produção de uma época em que os realizadores realmente colocavam a mão na massa e não dependendo do CGI que hoje enfraquece a verossimilhança do cinema. Por ser um local ocupado pelo governo Chines, os realizadores conseguiram obter somente vinte minutos de filmagens dentro do Tibet, sendo que o restante foi realizado em estúdio, mas ganhando contornos realísticos graças aos empenhos de Jean-Jacques Annaud. Claro que na época, o filme foi lançado para ser um forte candidato para o próximo Oscar, mas infelizmente acabou perdendo a chance principalmente pelo fato de os membros da academia não quererem se envolver nas polêmicas citadas acima.

Se formos resumir o filme é sobre a jornada típica do herói em busca de um objetivo, em saber qual é o seu papel do mundo e procurar não ficar preso ao sistema criado pelo homem e que já prendiam diversas pessoas do mundo já naqueles tempos. Após se auto desafiar, o protagonista se ver livre em dar um novo passo, não só pelo fato de estar pronto para retornar a civilização, como também obter a sua esperada redenção. Uma história contada em um dos locais mais isolados do mundo, mas que serve de lição para todos nós como um todo.

"Sete Anos no Tibet" é um filme sobrevivente ao teste do tempo, ao retratar um homem em busca de uma razão para existir e achando uma resposta através dos ensinamentos de um pequeno grande homem e que nunca imaginaria que chegaria tão longe.  

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Cine Especial: Próximo Cine Debate - 'A Lenda do Pianista do Mar'

Sobre o Filme: 

Giuseppe Tornatore havia conquistado o mundo através da sua obra prima "Cinema Paradiso" (1988), do qual falava sobre amizade de um projetista de cinema e um menino que se apaixonaria pela sétima arte por toda a vida. A arte, por sua vez, não serve somente para revelar grandes talentos, como também faz com que nós conheçamos o mundo através do que realmente nos identificamos e colocamos em prática. "A Lenda do Pianista do Mar" (1988) fala sobre um grande talento que desde o início ele colocou em prática o que mais amava e fazendo com que o resto se tornasse um mero detalhe em sua vida.

O filme conta a história de uma criança que nasceu em alto mar, precisamente em um grande navio e sendo acolhido por trabalhadores braçais. Ganhando o nome do ano que nasceu, 1900 (Tim Roth), a criança cresce navegando mundo a fora, mas jamais pisando em terra firme, pois o que ele mais se importava era continuar a bordo e tocar um piano que acabou se tornando a paixão de sua vida. Sua história é contada através do seu melhor amigo, um trompetista chamado Max (Pruitt Taylor Vince) e deseja que 1900 desembarque para conhecer o mundo.

Quando o filme havia sido lançado o mundo estava focado em um navio, mas não neste em que ocorre a trama, mas sim em "Titanic" (1997) de James Cameron. Talvez por conta disso, eu quase nunca ouvi falar sobre esse filme na época, mas antes tarde do que nunca para conhecê-lo, já que Giuseppe Tornatore possui uma filmografia que não pode ser ignorada e sendo apontado por alguns especialistas como um dos grandes cineastas da Itália. Embora sendo um filme falado em inglês nota-se que o ritmo se diferencia das obras criadas pelo cinema americano da época, mesmo ele possuindo certos ingredientes que fazem dele aqueles típicos longas que concorrem ao Oscar.

Nota-se que o filme é protagonizado por um personagem incomum que faz com que os demais em volta se sintam afetados pelo que ele provoca, mesmo quando ele não possui nenhuma ambição de riqueza e glória. A riqueza de 1900 se encontra quando ele toca o seu piano, onde as músicas fluem através dos seus dedos e criando melodias quando ele foca determinada pessoa e fica conhecendo sobre como ela é através de sua obra. Vale salientar que boa parte de sua trilha sonora foi composta pelo maestro Ennio Morricone e que sentimos a sua e essência na tela nos primeiros acordes que ouvimos no longa.

Tim Roth nos brinda com uma ótima atuação e fazendo me corrigir quando eu sempre dizia que as suas melhores atuações eram quando atuava nos filmes de Quentin Tarantino. Roth sabe construir para si um personagem que transita entre a serenidade e uma determinada loucura contida, como se o personagem somente funcionasse naquele universo particular e não desejando pisar em terra firme e fazendo disso para si um mero detalhe. Já Pruitt Taylor Vince é o que nos conduz para essa curiosa história e fazendo com que nos simpatizemos com ele, pois sentimos o mesmo desejo de ver o protagonista se desafiar e tentar conhecer o restante do mundo que o aguarda.

Porém, acima de tudo, o filme fala sobre o poder da arte como um todo, de como ela faz com que determinada pessoa seja feliz com tão pouco, pois a verdadeira riqueza se encontra no que realmente estava destinado em colocar em prática desde o início. O mundo é vasto para ser explorado, porém, assim como o cinema, a música serve como uma janela para conhecermos o nosso "eu" verdadeiro, assim como também o restante do mundo. A pessoa pode até ser limitada, mas enquanto prezar por essas artes o mundo estará lá quando precisar.

"A Lenda do Pianista do Mar" é um belíssimo filme a ser revisitado, onde mostra o poder da música como um todo e como ela pode moldar a vida das pessoas perante o mundo.   

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