Cine Dica: Durante a Quarentena Assista: 'Rede de Ódio'

Sinopse: A trama gira em torno de um estudante expulso da universidade de Varsóvia que tenta comandar a Internet, causando ódio e violência generalizados. 

Tanto o governo de Trump como de Bolsonaro chegaram ao poder a partir da rede de informações falsas virtuais, os temíveis fake news, dos quais deram origem a uma alienação sobre os verdadeiros fatos do mundo real e assim germinando a receita perfeita do ódio contra aqueles que se opõem contra eles. No documentário "Privacidade Hackeada" (2019), por exemplo, testemunhamos como são as reais engrenagens dessa rede ilícita, do qual é criada para gerar lucro e tendo a capacidade de derrubar até mesmo governos poderosos. Embora seja uma ficção, "Rede de Ódio" surpreende ao saber dialogar com o nosso mundo real, principalmente em um momento que nos encontramos em plena a falta de boa informação e envenenados por mentiras criadas com o intuito de nos persuadir até o fim.    

Dirigido por Jan Komasa, o filme conta a história de um jovem chamado Tomasz (Maciej Musialowski) que passa a fazer sucesso incitando o ódio em campanhas nas redes sociais, atacando desde influenciadores virtuais a políticos renomados. O que ele não contava é que toda essa crueldade no mundo virtual cobraria seu preço no mundo real, complicando sua vida. Cabe então ele jogar pelos dois lados da mesma moeda. 

Em seu primeiro ato da trama, o cineasta Jan Komasa já nos deixa claro que o protagonista é alguém especial, mas que é menosprezado por aqueles que um dia ele admirava. Com isso, temos a construção do indivíduo comum para se tornar um perito na criação de fake news e com intuito de ser especial pelos olhos que o cercam. Na medida em que ele avança nas casas deste jogo perigoso, mais ele chega um ponto sem volta e desencadeando uma bola de neve virtual através de seu talento incomum.  

Curiosamente, o filme trata de um assunto universal, mesmo ele se passando na Polônia, pois ao vermos o cenário político do longa sendo mudado através do poder de fake news criado por uma única pessoa, isso faz com que a história se torne assustadoramente verossímil perante aos nossos olhos. Ao mesmo tempo, a origem desse mal não se encontra no colo de uma pessoa maquiavélica, mas sim carente de amor e sendo facilmente seduzida pela violência, seja ela vinda dos games ou das próprias armas a venda no outro lado da esquina. Não é preciso ser adivinho para imaginar que isso pode acabar gerando uma grande tragédia, mas até lá nos damos conta que tudo isso poderia ser evitado se essas pessoas tivessem recebido atenção como realmente mereciam.  

Em tempos de Coronavírus em que as pessoas se encontram cada vez mais impacientes, assim como sendo cada vez mais influenciadas por informações falsas, o filme acaba se tornando assustador pelo seu teor realista e que nos bate fortemente na cara. Ao vermos os minutos finais em que o protagonista adquire o que desejava através da mentira, constatamos que há milhares de pessoas iguais por aí, seja elas comuns ou com poder suficiente para esmagar nações desinformadas infelizmente. "Rede de Ódio" mostra como nasce a desinformação e desencadeando assim um veneno mortal e que pode mudar o curso da história de todos nós. 

Onde assistir: Netflix. 

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Cine Dica: Durante a Quarentena Assista: 'Privacidade Hackeada'

Sinopse: Tudo sobre o  escândalo de dados do Facebook – Cambridge Analytica, produzido e dirigido por Jehane Noujaim e Karim Amer.

Querendo ou não, estamos todos conectados nas redes sociais da internet, ao ponto de nos tornarmos dependentes dessas ferramentas devido as suas inúmeras possibilidades infinitas.  Mas até que ponto elas são realmente úteis para nós e qual a possibilidade de haver algo negativo por detrás das cortinas? Infelizmente a resposta vem através de um veneno virtual por detrás disso tudo e "Privacidade Hackeada" (2019) escancara que estamos sendo manipulados e tendo nossas identidades violadas para algo muito maior e escuso.

Dirigido por Karim Amer e  Jehane Noujaim, o documentário fala sobre o escândalo da empresa de consultoria Cambridge Analytica e do Facebook, onde é recontado através da história de um professor americano. Ao descobrir que, junto com 240 milhões de pessoas, suas informações pessoais foram hackeadas para criar perfis políticos e influenciar as eleições americanas de 2016, ele embarca em uma jornada para levar o caso à corte, já que a lei americana não protege suas informações digitais mas a lei britânica sim.

O documentário faz com que a gente assista com a sensação de medo a todo momento, principalmente ao fazer com que testemunhamos esse emaranhado de eventos através do olhar dos três protagonistas principais da obra: a jornalista Carole Cadwalladr, que investigou e reportou o escândalo no The Guardian; o professor David Carroll, um cidadão comum que entrou na justiça para descobrir quais dados pessoais seus foram compartilhados pelo Facebook com a Cambridge Analytica, sem sua autorização; e Brittany Keiser, a curiosa profissional que começou na campanha de Obama e acabou no centro da divulgação do escândalo da CA, anos depois.

Embora possa parecer complexo, os realizadores foram gênios ao elaborar uma edição ágil e que não dificulta o compreendimento da maioria que for assistir a obra. Além disso, é perfeito o uso de símbolos conhecidos das redes sociais que são inseridos para dentro da narrativa, fazendo com que as pessoas possam se identificar, mas ao mesmo tempo fazendo elas pensarem sobre até que ponto estava sendo persuadidas através das redes sociais. É aí que a obra nos desvenda que, da maneira pura e simples, acabamos nós mesmos passando as nossas informações através de aplicativos, notícias parciais e de propagandas em tempos de eleições por meio das redes sociais como a gigante Facebook.

Se hoje há uma batalha contra as fakes news, muito se deve ao fato que tudo isso acabou explodindo após uma eleição até hoje suspeita e que deu vitória a Donald Trump. Porém,  Cambridge Analytica  foi somente a ponta desse grande Iceberg, pois se de um lado foi comprovado que eles colaboraram pela disseminação das fake news através do facebook, do outro, isso acabou não sendo o suficiente para que fosse impedido em ser usado em outros países e que acabou gerando uma avalanche de ódio e separação entre os povos que perdura até hoje. O resultado das eleições do Brasil em 2018, por exemplo, se originou das fake news que foram disparadas pelo WhatsApp para pessoas que fossem facilmente manipuladas por uma rede de mentiras e o resto a gente já conhece muito bem a história.

Do começo ao fim do documentário, se comprova que fomos todos envolvidos em uma bola de neve que cada vez mais vai crescendo e fazendo a gente se perguntar qual o melhor meio para que possamos derrete-lo. A obra termina em aberto, mas fazendo a gente desejar que a justiça, por mais viciada que ela hoje se encontra, dê para nós a chance de não nos tornarmos meras marionetes do universo digital, mas sim que possamos ter controle de nossas próprias escolhas e sem nenhuma manipulação.

"Privacidade Hackeada" é um documentário para ser visto e revisto por todos, mesmo para aqueles que ainda se prendem e se alimentam da mentira, pois a verdade parece que nunca é o suficiente para elas. 

Onde Assistir: Netflix.  

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Cine Especial: 'Domicílio Conjugal' - Relacionamentos Após Maio de 68

Este é o quarto filme protagonizado pelo personagem Antoine Doinel, o alter-ego do cineasta François Truffaut. "Domicílio Conjugal" revela o olhar terno, engraçado e inteligente de Truffaut sobre o casamento e a paternidade. Sendo um cineasta que sempre amou o cinema como um todo, declarou ter-se inspirado nas "comédias americanas sobre os casais, de Leo McCarey e de George Cukor, sem esquecer a influência de Lubitsch, que é decisiva quando se trata de concatenar acontecimentos familiares para fazer rir o público, mas de modo a que tudo fosse tratado, evidentemente, com espírito francês".

Com 100 minutos de duração, direção de arte e figurino bem trabalhados, "Domicílio Conjugal" tem como um dos pontos mais interessantes o painel histórico em que a narrativa está mergulhada. Seguindo o lema do pensador Frederic Jameson, “historicizar sempre”, percebemos que muito do contexto político e cultural da França na época está inserido no filme. Neste período, a França estava imbuída do espírito de mudanças: marcada pelo maio de 1968, pelas manifestações do movimento feminista e por uma crise econômica, a nação passou a ser governada pelo então ministro das finanças Giscard, representante político simpático do movimento feminista, que tratou de, entre tantas reformas, impulsionar a economia, bem como implementar medidas de estatais de modernização.

Ao apresentar os conflitos amorosos sem o modelo prosaico do cinema hollywoodiano, mas como uma caricatura deste, Truffaut toca nas cordas sensíveis da liberdade sexual, um tema ainda tabu nesta época, mas já debatido sem tantas delongas, haja vista que no governo de Giscard, atitudes como a mudança da maioridade penal de 21 para 18 anos de idade, a liberação do aborto e a campanha para uso de contraceptivos marcaram a época.

Por isso a importância do que se seguirá após o aparecimento de Doinel em "Domicílio Conjugal". Ele está casado com Darbon, cuja conquista presenciaremos em "Beijos Proibidos". O amor - tema ao qual o nome do diretor será vinculado - encontra aqui um momento decisivo no casamento e na rotina.  A paternidade, registrada em bela cena, e a estabilidade econômica, conseguida através de um emprego estranho em que cuida de maquetas de navios, darão cores ambivalentes ao progresso de um dos nomes mais importantes da Nouvelle Vague.

Curiosidade: Profundamente apaixonado pelo cinema, Truffaut não consegue deixar de falar de filmes em seus filmes. Antoine passa em frente a um grande cinema parisiense em que um cartaz descomunal anuncia o filme Cheyenne, de John Ford – um dos grandes ídolos do realizador. Num texto de 1974, Truffaut diria: “John Ford era um desses artistas que jamais pronunciam a palavra arte e um desses poetas que jamais mencionam a palavra poesia”. E finalizaria assim: “E como John Ford acreditava em Deus, Deus abençoe John Ford”.

NOTA: Nova live de Tânia Cardoso e que será sobre 'Domicílio Conjugal'. Confira:     

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Cine Dica: Mostra online de cinema reúne obras da vinda ao Brasil de Orson Welles em 1942

 Histórias descontinuadas, brasilidade e cinema: próxima mostra da Sala Redenção reúne tudo isso em quatro filmes

Entre os anos 1960 e 1990, um diretor brasileiro buscou retratar a inacabada tentativa de outro diretor, norte-americano, em apresentar ao mundo a complexidade do que é Brasil e do seu povo. A mostra de agosto da Sala Redenção, Nem tudo é Orson Welles, reúne histórias dentro de histórias, que, nesse emaranhado, remonta fragmentos de quem foram Rogério Sganzerla, Orson Welles e Grande Otelo.

A partir do dia 7, estará disponível, no perfil do Facebook da Sala Redenção, os links para acessar a tetralogia de filmes dirigidos por Sganzerla, se estendendo até o dia 21 deste mês – confira clicando aqui. Ainda no dia 13 de agosto acontecerá uma conversa virtual sobre as exibições, no canal do Youtube do Departamento de Difusão Cultural com a equipe da Sala Redenção e um convidado especial.

O fio começa em 1942, quando o cineasta Orson Welles partiu para territórios tropicais com a missão de introduzir o país de dimensões continentais aos outros continentes. Para personificar com esmero a brasilidade (ainda que de forma minúscula se posta ao lado da imensa realidade), o ator Grande Otelo é convocado – para Welles, não haveria escolha melhor. Não contava o diretor de Cidadão Kane, no auge da sua carreira, que seria impossibilitado de cumprir a missão. 

Fascinado por esse feito-não-feito, talvez por identificação pessoal, Rogério Sganzerla percebeu na impossibilidade de Welles sua possibilidade. Distribuiu em quatro produções a história da visita do cineasta ao Brasil, um misto de especulações e fatos. Quem sabe a única certeza que se mantém intacta nas duas tramas – a real e a ficcional – é a excelência de Grande Otelo. Ou melhor, Sebastião Bernardes de Souza Prata. Também é sinônimo de riso, drama, cor, calor e intensidade.

As histórias de Grande Otelo e Orson se misturam tanto na vida, quanto nos documentários encenados de Sganzerla. Deixe-se envolver por essas descontinuidades históricas – dos homens, do cinema e do país. Acompanhe a tetralogia através do link.

Nem Tudo É Orson Welles

Era meados da Segunda Guerra Mundial quando Orson Welles visitou o Brasil em uma missão diplomática disfarçada de filmagem para um documentário sobre a América Latina, sob o título It’s All True, em português, é tudo verdade. Portanto, independentemente das intenções, não era um filme de mentira, principalmente para Welles, que talvez acreditasse no cinema mais do que em qualquer outra coisa. Welles se entregou de corpo e alma, segundo dizem, para essa produção que acabou interrompida na metade, seus rolos foram encontrados anos depois no porão de um estúdio, depois de ter-se acreditado que haviam sido jogados no mar. Um filme que tornou-se eternamente incompleto. E a vinda de Welles é, de certa forma, uma história sobre interrupções.

É difícil mensurar o que é verdade e o que é mentira em Orson Welles e sua visita ao nosso país, já que sua existência é formada de especulações. Jovem diretor confiante e destemido, esse tipo de personalidade acaba se retroalimentando por todos aqueles que querem contribuir com alguma especulação para a construção do mito. Rogério Sganzerla foi um desses assombrados pelo incerto. Além de companheiro de Helena Ignez, Sganzerla foi crítico, diretor de cinema e assumidamente fascinado pelo diretor norte-americano. Considerava Welles um fenômeno da comunicação do século XX e a vinda dessa figura ao país mais comunicativo das américas (quem sabe do mundo), criou uma série de incomunicabilidades que intrigaram o diretor brasileiro desde muito jovem.

Sganzerla realizou quatro filmes sobre esse episódio durante a segunda metade de sua carreira. Nem tudo é verdade (1986), Linguagem de Orson Welles (1991), Tudo é Brasil (1997) e Signo do caos (2003) são embaralhamentos de documentos e encenações que tentam de alguma forma ilustrar essa visita e a personalidade desse explorador. Investigam o desconhecido, assim como fez Welles no Brasil, que se integrou com facilidade à nossa paisagem. Não sei se por puro deslumbramento tropical, típico do explorador colonizador do bem, tentando descrever as coisas sem usar a palavra “exótico”; ou se Welles de fato se sintonizou com alguma parte transcendental do “ser” brasileiro, essa coisa de lidar constantemente com o inesperado.

Mas nem tudo é Orson Welles. Figura fundamental desse processo de abrasileiramento do diretor é Grande Otelo, ator, compositor, cantor e “cachaceiro presidente”, segundo consta na “carteirinha de cachaceiro” dada à Welles em uma das sabe-se lá quantas idas dos dois ao bar. Sebastião Bernardes de Souza Prata, o Grande Otelo, não apenas atuou em algumas cenas do incompleto It’s All True, também esteve em mais de cem filmes, produções de televisão, palcos e rodas de samba. Na época ainda não havia feito metade do que chegou a fazer, mas foi reconhecido por Welles como o maior ator brasileiro. Existiu, nessa relação, a lenda da promessa de levá-lo para Hollywood para tornar-se estrela, o que nunca se concretizou.

Sganzerla, assim como outros diretores da sua geração, admirava Grande Otelo. Deu à ele destaque nessa intermediação entre o ator brasileiro e o estadunidense. Otelo como personificação de um cinema nacional pulsante, cuja voz remonta à esse passado sempre meio próximo e meio distante demais, de um mundo que explodia numa guerra mundial enquanto o Brasil “crescia” para os padrões imperialistas e os EUA ainda tinham algum interesse em estreitar convenientemente as relações com o povo latino-americano. Mas é sabido que essa presença estadunidense em nossas terras favoreceu uma interferência no campo político, culminando, entre outras coisas, no Golpe Militar, em 1964. O resultado disso em nosso cinema foram os apagamentos, as perseguições, os exílios, as carreiras impossibilitadas. It’s All True nunca foi completado, assim como a promessa de um movimento cinematográfico extremamente rico surgido na geração de Sganzerla, nas décadas de 60 e 70. Dada as proporções, principalmente de orçamento, a frustração de uma possibilidade impossibilitada existe tanto em Sganzerla, quanto em Welles nesse sentido. 

Talvez o Brasil tenha sido arrebatador para os bolsos de seus produtores, assim como foi para Welles; ou talvez esses produtores não tenham se agradado com o olhar desse diretor diplomata voltado à um artista negro, como Grande Otelo, transbordando talento e brasilidade. Esses quatro filmes de Sganzerla investigam essas incompletudes, tendo a figura de Otelo como mediador, e esse novo ciclo da Sala Redenção pretende relembrar essa figura, cujo reconhecimento pode parecer só especulação para aqueles que dependem de mídias que monopolizam o imaginário artístico brasileiro, mas que é completamente real e verdadeiro para a história do nosso cinema. Como reflete Sganzerla sobre esse processo: “há certas verdades que surgem como blasfêmias e terminam como superstições.”

Texto: Victor Souza, bolsista da Sala Redenção e curador da mostra.

Confira a programação completa no site oficial da Sala Redenção clicando aqui. 

Cine Especial: 'THE MANDALORIAN' - Faroeste Espacial

Sinopse: Após a história de Jango e Boba Fett, outro guerreiro surge no universo de Star Wars. O Mandaloriano é ambientado após a queda do império e antes do surgimento da Primeira Ordem. A trama acompanhará as histórias de um atirador nos confins da galáxia longe da autoridade da Nova República. 

George Lucas sempre disse que quando criou "Star Wars" ele buscou inspiração nos filmes de aventura, faroeste e aventuras literárias como o "Senhor dos Anéis". Assistir hoje ao clássico "Star Wars - Uma Nova Esperança" (1977) é encontrar ali algumas fórmulas de sucessos do passado, como no caso, por exemplo, dos filmes de faroeste de John Ford ou de Sergio Leone. Eis que então, vindo do universo expandido de "Star Wars", testemunhamos a série de oito capítulos "The Mandalorian", que não só nos brinda com uma trama independente dos filmes do cinema, como também é uma bela homenagem aos clássicos filmes de faroeste e de boa aventura.

A saga conta a história de um guerreiro solitário de um grupo chamado Mandaloriano, que também vive como um mercenário e caçador de recompensas, viajando pelos territórios esquecidos e marginais do espaço. Em uma missão, ele tem como objetivo raptar um misterioso bebê alienígena para ser usado uma experiência misteriosa. Porém, O caçador decide tomar um novo rumo nesta missão e que irá leva-lo a uma saga de proporções.

Em certa ocasião George Lucas disse que se arrependeu da forma que criou o final para o caçador de recompensas Boba Fett no filme "Star Wars - O Retorno de Jedi". Segundo ele, jamais imaginou que aquele visual e o lado misterioso do personagem acabaria ganhando tantos fãs no decorrer do tempo. Justiça seja feita, pois embora tenham criado um personagem novo, "The Mandalorian" vem para corrigir esse grande erro.

Boba Fett foi um personagem criado através da imagem do cavaleiro solitário, do caçador de recompensas dos filmes de faroestes de antigamente e principalmente daqueles estrelados por Clint Eastwood na “trilogia dos dólares” orquestrada por Sergio Leone. Na série, vemos essa ideia sendo expandida, ao vermos mais desses caçadores de recompensas que vivem em missões clandestinas em capturar vivo ou morto determinado bandido e para assim obter algum lucro. Um cenário extremamente familiar para os amantes do gênero bang bang mas tudo se passando em algum planeta do espaço de uma galáxia muito distante.

O protagonista Mando pode até não ser o Boba Fett, mas carrega com honras o sucesso que o personagem havia obtido e se tornando a alma da série como um todo. Pedro Pascal, conhecido pela série “Narcos”, surpreende em uma atuação contida, porém, certeira ao transmitir uma pessoa com um passado nebuloso, mas que aos poucos é desvendado ao longo do tempo. Além disso, a série explora muito bem a mitologia dos mandalorianos, sem muita complexidade e tão pouco tendo o dever de se conectar por demais com o universo idealizado por George Lucas.

Embora faça parte do universo expandido de "Star Wars", a série pode ser muito bem vista pelos marinheiros de primeira viagem que nunca sequer viram um capítulo da franquia no cinema, pois a intenção principal aqui não é essa. Esse universo criado por George Lucas é tão rico de personagens, seres e lugares que não é preciso exatamente liga-lo sempre a imagem do guerreiro Jedi, pois se há um universo tão vasto de possibilidades nunca é demais ao criar uma trama fresca e que caminhe com as suas próprias pernas.

Para isso, a Disney contratou gente de peso para o trabalho.  Jon Favreau, responsável pela trilogia do "Homem de Ferro", encabeçou a tarefa como diretor de alguns episódios, como produtor e roteirista da produção, Porém, Taika Waititi, diretor de "Thor: Ragnarok" (2017) surpreende em um episódio que não deve nada para uma produção cinematográfica, além de dar voz ao personagem IG-11 que rouba a cena.

Além disso, a série é cheia de personagens cativantes um melhor do que o outro. Se o diretor e ator Werner Herzog, realizador de clássicos como "Nosferatu" (1979), nos chama atenção pelo seu vilão com intenções misteriosas, por outro lado, Nick Noute surpreende como Kuiil, um alienígena sábio e que nos conquista facilmente todas vezes que ele surge em cena. Mas é na figura do bebê Yoda que nos conquista pela sua fofura e nem é preciso dizer que nesta altura do campeonato já tem até mesmo bonequinhos de todas as formas nas lojas especializadas sobre a franquia.

Com um começo, meio e fim bem amarrados, mas deixando uma ponta solta para eventual nova temporada, "The Mandalorian" é uma prova que o universo "Star Wars" não vive somente da imagem do cavaleiro Jedi e que sim pode nos brindar com boas histórias e uma aventura muito bem desenvolvida.  

Onde Assistir: Em breve no Brasil pelo Disney+   

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Cine Dica: Durante a Quarentena Assista: 'A Despedida'

Sinopse: A família de uma senhora descobre que ela possui apenas mais algumas semanas de vida e decide não a informar a respeito do diagnóstico. Em vez disso, seus filhos e netos tentam arranjar um casamento surpresa para unir a todos. 

Diz o ditado que a mentira tem perna curta e cabe dizermos sempre a verdade haja o que houver. Porém, a mentira também serve para afastar a dor, pois a verdade pode ser muito dolorosa em determinada situação, mas cabe a pessoa refletir até onde quer chegar para ocultar essa real situação. "A Despedida" mostra uma situação incomum, porém, humana e do qual muitos irão se identificar com ela.

Dirigido por Lulu Wang, conhecida mais pelo seu trabalho no filme "Póstumo" (2014), o filme se concentra quando uma família de uma doce senhora descobre que ela possui apenas mais algumas semanas de vida. Eles decidem não revelar a respeito do diagnóstico. Em vez disso, seus filhos e netos tentam arranjar um casamento de última hora para que todos os parentes mais distantes possam vê-la por uma última vez sem que ninguém saiba o que está acontecendo de verdade.

Embora seja moldado com um assunto muito delicado, Lulu Wang surpreende ao alinhar momentos dramáticos com um humor refinado e fazendo do filme uma genuína comédia dramática que nos faz rir e se emocionar a cada instante da projeção. Ao mesmo tempo, em termos visuais, o filme é gostoso de ser assistido, cuja a fotografia iluminada possui cores cheias de vida e reconfortantes para a realidade daquela família que se encontra em uma difícil tarefa. Vale ressaltar a edição, em que alguns momentos ela se torna dinâmica e que dá um bom ritmo para a trama.

Em termos de história, ela pode ser interpretada sobre o real quadro de uma família tradicionalista, não somente chinesa, como também de diversos povos dessa terra. Em tempos de correria em que somos presos ao relógio, vemos alguns familiares ali presos a questão econômica, sobre qual países, seja China ou EUA, que dá mais recursos para a pessoa, mas fazendo com que a própria se esqueça do que é mais precioso para a vida dela. Curiosamente, é um assunto que rende alguns momentos de humor ácido e a cena em que a família discute sobre esse assunto durante o jantar é disparado um dos melhores momentos da trama como um todo.

Curiosamente, é um filme que trata sobre os valores familiares, mas que são, por vezes, esquecidos devido ao dia a dia em que as pessoas sempre se encontram em constante movimento. Por conta disso, fala sobre como as pessoas de hoje cada vez mais optam em serem frias, ao não querer se expressar com relação aos seus reais sentimentos, quando na realidade se esquecem de revelar para si a sua real pessoa como um todo. Dito isso, é preciso ressaltar como os realizadores foram engenhosos em falar até mesmo sobre os lares de um passado distante, em que hoje se encontram extintos, mas que relembrados se encontram cada vez mais dourados.

Delicado, porém, gostoso de ser assistido, "A Despedida" transita entre humor e a emoção ao valorizar as raízes da família e sobre o que nos faz realmente humanos no dia a dia. 

Onde Assistir: Exibido gratuitamente do dia 04 a 09 de Agosto Cine Farol Santander Online. Mais informações cliquem aqui.  

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Cine especial: “Boca a Boca”

Para poder ficar curioso e sem conter Spoiler, deixo aqui, uma pequena contribuição sobre o seriado “Boca a Boca” lançado pela Netflix em 2020. Basicamente este texto poderia ser iniciado com o resumo simplificado do seriado: “Em uma cidade do interior do Brasil, o pânico se espalha quando uma doença misteriosa transmitida pelo beijo contamina os adolescentes” (Fonte: https://www.netflix.com/br/title/80994298 Visualizado em 28/07/2020).

Entretanto, prefiro começar com uma visão mais ampla do que foi observado. De acordo com Esmir Filho o diretor do seriado, ele apresenta o vírus do conservadorismo”. Não somente o vírus do conservadorismo mas de diversas diferenças sociais expostos diariamente, nos noticiários. O tempo, a trama, o visual e a ideia do seriado inevitavelmente, nos apresenta a situação vivenciada por nós, atualmente, o Covid -19.

Boca a Boca conta a história de uma cidade fictícia chamada Progresso e esta cidade cinematográfica, fica localizada em Goiás Velho, perto de Brasília. A comunidade começa a ser acometida com um vírus que infecta os jovens pelo beijo e esta relação de vírus, espera pela cura, divisões sociais e a ganância dos que são mais abastados é bem comparada a nossa situação atual. Os elementos de brasilidade são o ponto forte desta série. A trilha sonora é sensacional e cabe um destaque do hit em versão rave da música “boi da cara preta” que ao longo do seriado, vai nos dizer muito sobre o verdadeiro problema da cidade.

O típico tratamento do passado colonial

Temos uma reflexão garantida do processo de colonização realizado no Brasil, com a fazenda que observamos no seriado chamada Colônia. O Brasil passa aqui de uma forma muito natural e as relações de emprego são diferenciadas pelo seu status. O outro aqui, é um ser passivo e que percebe o seu não pertencimento ao mundo da Colônia. A relação de trabalho é dando moradia, alimentação e um salário mínimo de trabalho porém, quando não se está mais apto a realização do trabalho na Colônia, o dono te dispensa, não se importando com suas condições de saúde pois, “as regras são claras e expostos a estes empregados desde o início”.

Além disso vale fazer um destaque na menina negra do seriado. Esta, nos apresenta as suas dificuldades e barreiras para estar inserida em determinados meios sociais, porém, ela possui uma diferença dos demais, elas se impõe e nos apresenta seu local de fala.

As inspirações do diretor

O diretor apresenta em sua inspiração o quadrinho Black Hole e o filme chamado “Os Famosos e os Duendes da Morte” (2010).

As duas inspirações tratam de assuntos parecidos com o que está sendo abordado no seriado e, de como isso se reflete nos dias atuais. A ideia do diretor era falar sobre assuntos como a chegada do HIV, que dividiu demais as relações sociais quando descoberto e assuntos que possuem um quadro social de preconceito contra algumas raças, classes sociais e corpos. Segundo o diretor a ideia era partir para um quadro deste tipo, porém, o lançamento coincidiu com o momento pandêmico que nos encontramos e o jogo por assim dizer, virou.

Um dos fatores relevantes do seriado é a questão de termos necessidades que se aplicam como urgentes e a tolerância que nos parece ser fácil, porém, isso eu deixo como um ponto de vista a ser pensado.

Conclusão

Ainda não temos retorno do diretor sobre uma continuação do seriado, devido ao momento pandêmico que estamos sofrendo. Tomei cuidado com a escrita e evitando contar os segredos de Boca a Boca, pelo fato, do seriado possuir apenas 6 episódios, isso estragaria a curiosidade dos leitores em ao menos dar uma olhada e conhecer os fascinantes protagonistas deste seriado. Seria de muito agrado poder saber como as coisas se desenrolaram na cidade de Progresso, depois dos acontecimentos que foram observados. A indicação que fica é a de ver o seriado com os olhos bem abertos e com a mente no modo aceite o inesperado.

Referências:

Página oficial da Netflix. Disponível em: https://www.netflix.com/br/title/80994298 Visualizado em 28/07/2020.

PRISCO, L. “Boca a boca é sobre o vírus do conservadorismo”, diz diretor Esmir Filho. Disponível em: https://www.metropoles.com/entretenimento/televisao/boca-a-boca-e-sobre-o-virus-do-conservadorismo-diz-diretor-esmir-filho. Visualizado em 28/07/202.

Postado por: Ana Lúcia Schmidt Castelo

Centro/RJ, Brasil.

Mestranda em Administração, graduada em Pedagogia, Arquivologia e concluindo a graduação em Letras. Apaixonada por cinema com preferência por filmes de terror e colaboradora do Blog: “Cinema cem anos de luz, Arte e reflexão” do amigo Marcelo Castro Moraes.